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普通高中／音樂（二）丙版／第6章／漫遊音樂史／爵士樂／紐奧良爵士〈聖人進城來〉／搖擺樂〈歌唱吧〉／咆勃樂〈我掌握節拍〉
第6章 漫遊音樂史 爵士樂
漫遊音樂史 爵士樂
1865年美國內戰結束，黑奴獲得自由，但是生活依然困苦。他們多數是文盲，只能唱著工作歌（work song）、福音歌（gospel）或民謠來娛樂自己或抒發苦悶，逐漸發展出藍調（blues）與繁音拍子（ragtime）等音樂。
這種陳述心靈的音樂在19世紀末成形，經過將近一個世紀的發展，成為撼動人心的爵士樂（Jazz）。
在廢除黑奴制度之後，黑人在教堂中演唱福音歌。
圖為2007年忠誠讚美福音合唱團（True Praise Gospel Ensemble）。
早期的藍調演唱以抒發個人情感為主，多以吉他伴奏。歌手貝利（Lead Belly）為早期藍調演唱的翹楚。
音樂小辭典
工作歌是19世紀黑奴在勞動時所唱的歌曲，以減少勞動的辛苦，通常為應答輪唱的形式，之後演變成為即興式的音樂表演。
福音歌是黑人的宗教歌曲，結合白人的聖歌與黑人的節奏而成。
藍調為抒發情感而唱，由於將音階的第三音（mi）與第七音（si）降半音，給人慵懶 、憂鬱的感覺。
繁音拍子的特色是切分節奏，以喬普林（Scott Joplin）的鋼琴作品為代表。
傑出的爵士鋼琴師喬普林。
喬普林使用傳統記譜法來譜寫繁音拍子，使之大為流行；此首〈楓葉拉格〉（Maple Leaf Rag）為其最膾炙人口的一首繁音拍子樂曲。
早期的爵士樂
19世紀末，爵士音樂逐漸在紐奧良成形。紐奧良爵士（New Orleans Jazz） 起源自軍樂隊、喪葬樂隊的音樂，融合藍調、舞曲 、進行曲、民謠等元素， 配以切分節奏，以大量獨奏、即興演奏等手法而成。
樂團以小型團體為主，使用小號、長號、單簧管、低音號、套鼓，有時加上小提琴、低音大提琴、鋼琴、吉他。樂器間經常多部同時進行對位吹奏，創造出一種熱鬧歡樂的氣氛。
紐奧良為美國爵士樂的發源地，樂團基本編制由左至右為爵士鼓、小號、單簧管。
紐奧良爵士起源於遊行隊伍的音樂。樂器有小號、長號、薩氏管、低音號和大鼓。
紐奧良的民眾常在舞會、婚禮、葬禮等場合雇用樂隊來演奏。根據葬禮的傳統，樂隊在教堂集合門口，演奏著莊嚴的進行曲及悲傷的聖歌，帶領隊伍向墓地前進；回程則以輕快的進行曲代替輓歌，在演奏、演唱及跳舞間，奠定爵士樂生活化的基礎。
由於樂曲主要用於喪禮出殯，因此常冠上聖人的稱號，如〈聖詹姆斯醫院〉（Saint James Infirmary）、〈聖人進城來〉〈When The Saints Go Marching in〉等。
紐奧良爵士〈聖人進城來〉（When the Saints Go Marching in）原為靈歌曲調，旋律朗朗上口，極具特色。30年代，由於小號手阿姆斯壯（Louis Armstrong）的演奏推廣，成為眾所皆知的爵士歌曲。
小號手阿姆斯壯。
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原為喪葬歌曲的〈聖人進城來〉與紐奧良爵士的發展密不可分，由於旋律輕快活潑，極富歡樂氣氛，又冠有著聖人的稱號，成為職業美式足球紐奧良聖徒隊的隊歌。
職業美式足球紐奧良聖徒隊（New Orleans Saints）的標誌。
1914年，第一次世界大戰爆發，由於南方謀生不易，許多樂手離開紐奧良到北方發展，將爵士樂傳入北方各大城市。來自紐奧良的白人樂手則組成迪西蘭爵士樂團（The Original Dixieland Jazz Band），在芝加哥快速竄起，之後到紐約發展，造成極大轟動，為第一個灌錄唱片的爵士樂團。
第一個灌錄唱片的迪西蘭爵士樂團於1916年灌錄的唱片。
迪西蘭爵士樂團，成員有拉羅卡（Nick LaRocca）、席爾斯（Larry Shields）、愛德華斯（Eddie Edwards）、拉格斯（Henry Ragas）和史巴巴羅（Tony Sbarbaro）。
20年代的大樂團（Big Band）
20年代的芝加哥夜生活蓬勃，大量來自紐奧良的樂手在此匯集，成為新的爵士樂中心。20年代中後期，大樂團蔚為時尚，紛紛在夜總會和舞廳駐場，受到年輕樂迷的歡迎，舞曲也隨之盛行。
1920年代的大樂團為爵士樂重要的形式。
大樂團重視獨奏即興的能力，因此培育出許多優秀的樂手，其中以艾靈頓公爵（Duke Ellington）、貝西伯爵（Count Basie）、顧德曼（Benny Goodman）等樂團最為出色。
（左）艾靈頓公爵發展獨奏與合奏一體的理念，並將即興演奏樂段記載於樂譜中。
（右）他所率領的芝加哥大樂團極受歡迎，使黑人爵士樂隊開始為白人觀眾所接受。
（左）美國爵士樂巨人貝西。
（右）貝西的大樂團。
顧德曼（前方站立者）和他的樂團（Benny Goodman and His Orchestra）。
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20年代的爵士樂被認為是世俗的舞廳音樂，難登大雅之堂。
爵士樂團領隊懷特曼（Paul Whiteman）為了提升爵士樂的藝術地位，1924年委任作曲家蓋希文（George Gershwin）創作鋼琴曲〈藍色狂想曲〉（Rhapsody in Blue）。
蓋希文巧妙地將爵士樂元素注入西方古典音樂中，獲得極大的成功與迴響，為日後爵士樂的發展奠定良好的基石。
爵士樂團領隊懷特曼。
美國作曲家蓋希文從紐約百老匯到卡內基廳，身兼古典音樂和流行音樂演奏家、作曲家的身分。
〈藍色狂想曲〉首版樂譜封面，為單樂章的鋼琴協奏曲，提升爵士樂的藝術地位。
30年代的搖擺樂（Swing）
隨著30年代的經濟大蕭條，樂團逐漸縮編，演奏更適合跳舞的搖擺樂，爵士樂晉升成為流行樂界的主流，出現許多知名的藝人與樂團。
顧德曼樂團於1937年所錄製的搖擺樂〈歌唱吧〉（Sing, Sing, Sing），受到廣大的喜愛。樂團富有創意的即興演奏，使得錄音長度達8分40秒，塞爆78轉速唱片的雙面容量，為搖擺樂的最佳代表作。
此曲旋律討喜、節奏輕快，具有搖擺樂平滑流暢的四拍節奏。
「搖擺樂之王」顧德曼。
〈歌唱吧〉被翻唱、改編的版本不計其數，更為超過50部的電視、電影配樂。
顧德曼樂團於1938年進入紐約卡內基廳演出，成為第一個進入古典音樂殿堂的爵士樂團。
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顧德曼1938年的卡內基廳音樂會，為爵士樂史無前例的創舉。當時卡內基廳的演出皆為古典音樂，從未演出爵士樂這類通俗音樂。音樂會隔日即得到高度評價，盛況以12吋78轉記錄兩個拷貝，分別由顧德曼與美國國會圖書館（Library of Congress）保存。1950年哥倫比亞公司發行唱片，銷量超過百萬張。其中〈歌唱吧〉由於冗長的即興演奏，成為12分2秒的作品，是顧德曼的經典錄音。
1938年顧德曼卡內基廳音樂會的宣傳海報。
40年代的咆勃樂（Bebop）
40年代的爵士樂風格驟變，有些樂手不滿足搖擺樂中受限的即興段落，改採小編制合奏，炫技與競技的氣氛逐漸攀升，使得音樂複雜緊密，發展出一種難以駕馭、吵雜喧鬧的新樂風，稱為咆勃樂。
此時期的樂手強調即興演奏，以高度變化的節奏、創新的和聲革新爵士樂，以格列斯比（Dizzy Gillespie）和帕克（Charlie Parker）為代表。
格列斯比顛覆小號的演奏風格，創造出極具即興風格的爵士樂。
帕克為爵士樂史上才氣縱橫的薩氏管樂手。
帕克是偉大的薩氏管樂手，以出色的演奏、細膩的音色撼動爵士樂界，他與格列斯比開創40年代咆勃樂的新紀元。
1988年電影《菜鳥帕克》（Bird），描述爵士樂巨人帕克起伏的一生，由克林．伊斯威特執導，佛瑞斯．惠特克飾演帕克。
咆勃樂通常為五重奏的小樂團形式，多演奏引用自藍調或百老匯爵士樂曲的旋律。
帕克演奏的咆勃樂〈我掌握節拍〉（I Got Rhythm）以蓋希文的搖擺樂名曲為基礎，其快速的節奏、創新的和聲，取代搖擺樂流暢的節奏與和諧的編曲，革新爵士樂的音樂語言。
〈我掌握節拍〉由著名的美國爵士大師蓋希文（左）和他的詩人哥哥艾拉共同創作。
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帕克的即興能力和演奏速度常讓人嘆為觀止，使學習者不得其門而入。有鑑於此，爵士教育家艾柏索德（Jamey Aebersold）針對帕克不同時期的錄音，採錄60首樂曲，收錄在《帕克全能寶典》（Charlie Parker Omnibook）中，成為學習咆勃樂最佳的教材，其中帕克最常用的示範曲調為蓋希文的名曲〈我掌握節拍〉。
爵士教育家艾柏索德。
《帕克全能寶典》。
50年代的酷爵士（Cool Jazz）
相較於咆勃樂的熱情奔放，50年代的爵士樂變得較為舒緩。
小號手戴維斯（Miles Davis）的專輯《 酷爵士的誕生》（Birth of the Cool） 以簡單樸實的音樂語言，表現酷爵士內斂自省的樂風，與熱鬧喧囂的咆勃樂形成對比。
酷爵士的樂手多受過古典音樂訓練，強調嚴謹的曲式結構，不喜愛炫技即興，重視樂手間純熟的默契，在演奏中相互影響、對話，成為動人的樂曲。
戴維斯專輯《酷爵士的誕生》。
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小號巨擘戴維斯是推廣40年代咆勃樂、奠定50年代酷爵士，開創60年代融合爵士的先鋒，他受咆勃樂大師帕克的提攜，中斷茱莉亞音樂院的學業，轉入紐約52街的酒吧實戰演出，隨後自組五重奏，不斷吸納與培養後輩，跨越膚色、種族、國籍的藩蘺，成為一代宗師。
戴維斯叱吒樂壇近五十年，共發行專輯近兩百張，涵蓋40至80年代的各式爵士樂風，如同一部爵士樂發展史。
酷爵士的引領人物—戴維斯。
2015年電影《瘋狂邁爾士》（Miles Ahead），講述爵士音樂家戴維斯經過五年放浪形骸的「沉澱期」之後再度復出的那段日子。由唐．奇鐸自編、自導、自演。
60年代的自由爵士（Free Jazz）
為了抗衡客觀冷靜的酷爵士，60年代的爵士樂手開始思考黑人音樂中原始的解放精神，強調自由即興的演奏，這種狂放的自由爵士擺脫傳統的音樂手法，力圖回到原始的黑人音樂風格。
自由爵士樂以柯曼（Ornette Coleman）1961年的專輯《自由爵士》（Free Jazz）為名，擺脫曲式、和聲、節奏的限制，使樂思完全解放，有時會夾雜人聲的哭號、叫囂，甚至樂器的悲鳴。
自由爵士樂代表—柯曼。
專輯《自由爵士》。
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自由爵士樂的誕生與60年代初期黑人民權運動息息相關，是黑人爭取人權與自覺運動的戰歌。
自由爵士最大的特色在於演奏者各自表述，可以盡情地即興演奏，不受任何限制，以柯曼、柯爾川（John Coltrane）、艾勒（Albert Ayler）的音樂為代表。
「自由的先知」爵士大師—柯爾川，於1960年代提倡自由爵士的概念。
前衛派薩氏管樂手—艾勒。
70年代的融合爵士（Fusion Jazz）
60年代中期，搖滾樂崛起，爵士樂也無法抵擋這股強大的音樂潮流。
70年代，戴維斯推出2張專輯《沉默之道》（In A Silent Way）和《即興精釀》（Bitches Brew），使用電吉他、電鋼琴、電貝斯等電子樂器，結合搖滾樂節奏，開啟融合爵士的時代。之後，各形各色的音樂元素皆可融入爵士樂，爵士樂的發展進入百家爭鳴的世代。
戴維斯在爵士樂中融合其他流行音樂元素的兩張專輯《沉默之道》和《即興精釀》。
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爵士樂的成形與發展為不斷混血融合的結果：非洲的節奏風格、歐洲的和聲概念、西班牙的切分韻律，以及軍樂隊中銅管樂器的使用，創造出50年代的古巴拉丁風、60年代的巴西波沙諾瓦（Bossa Nova）風，以及70年代的搖滾融合風。
80年代的新咆勃樂（New Bebop）
80年代爵士樂的發展欲振乏力，面對先輩們涉獵過的音樂，爵士樂手選擇回到過去，從經典爵士樂中尋找題材和創造靈感。
這波復古的熱潮，以小號手馬沙利斯（Wynton Marsalis）為首，創造出以咆勃樂風為基調，配以紐奧良爵士、搖擺樂與靈魂樂色彩，強調演奏技巧與典雅旋律的新咆勃樂。
80年代新咆勃樂的代表—小號手馬沙利斯。
經過百年來的發展與演進，爵士樂從卑微的地位到成為受重視的樂種，1987年美國參議院與眾議院通過一項決議，正式將爵士樂定為「美國國家財富」。
爵士樂如同牛仔褲和麥當勞，對美國的通俗文化影響甚鉅，它不只是美國的音樂財產，也是全世界的藝術寶藏。
課本沒教的事
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