●藝術生活（音樂應用）Ch01

一、音響學

音響學（Acoustics）又稱「聲學」，是關於聲音頻率、聲音種類與聲音傳導的研究，最早可追溯至古希臘數學家畢達哥拉斯（Pythagoras of Samos, 西元前570-495）的泛音理論。18世紀德國物理學家赫茲（Heinrich Hertz, 1857-1894）發現電磁波，奠定聲學理論，對於音響學的發展有極大的貢獻。

音響學將聲音分為樂音與噪音兩大類，週期而規則的聲波振動為「樂音」，紛亂不規則的聲波振動則為「噪音」。

音樂中所使用的聲音主要是樂音，也就是振動規則的聲音；樂音有音高、長度、強度、音色等特質，經由不同的組合就會產生節奏、曲調、和聲與音色等要素。

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聲波振動的快慢是以赫茲（Hertz, Hz）來表示，是聲波每秒振動的次數，以德國物理學家赫茲為名。人類聽覺的頻率範圍介於20至20000Hz之間。當人的聽覺隨著年紀增長而衰退時，通常受到影響的是高頻部分的聽力，因此無法充分接收到2000Hz以上的能量，造成聽得見但聽不清楚的問題。

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分貝（decibel, dB）是測量聲音強度的單位，字首d為deci，意為10-1，也就是1/10；B 則是bel，貝或貝爾，是為了紀念發明家貝爾，因此分貝也就代表十分之一貝爾。

通常0分貝的標準設定，是根據聽力正常的人所能聽到的最小聲音而釐定。每增加10分貝等於強度增為10倍；增加20分貝為100倍；30分貝則為1000倍。

樹葉摩擦聲音為20分貝，安靜的辦公室約為40分貝，正常交談聲音為60分貝，吸塵器的聲音為70分貝，大卡車的行駛聲為90分貝，流行音樂演唱會可高達120分貝；人的耳朵可接受0到120分貝的音量，但若長期生活在85分貝的環境中則有永久性耳聾的可能性。

聲音的傳導可分為直射、折射與反射三大類，環境影響聲響的傳導，造成聽覺接收的落差，如木質地板與地毯因材質的不同，會造成聲音音響的不同。

19世紀德國科學家歐姆（Georg Simon 
Ohm, 1789-1854）以電流與電壓正比關係的理論，發明揚聲器（喇叭）。

20世紀關於音響學的論證與應用更加蓬勃，美國物理學家沙賓（Wallace Clement 
Sabine, 1868-1919）是首位提倡「建築音響學」（architectural acoustics）的科學家，他認為音場表現的好壞，與空間形狀、容積大小、吸音材料等因素息息相關。

建築音響學以音響理論來配合建築設計，使室內達到最佳的音質評價，人耳可得到最佳的聽覺效果。

二、表演建築空間

聲音的傳遞與空間環境息息相關：在密閉挑高的空間，只要輕輕說話，就可以聽到回音。但若在鋪滿地毯與窗簾的房間，回音就不容易被聽見。在戶外空曠的場地，聲音的傳遞就更為分散。

早在古希臘時期，科學家已經發現聲音與環境的關係，便運用聲學原理來建造表演建築空間，使之達到最好的傳聲效果。建於西元前330年的埃皮達魯斯劇場（Theater of 
Epidaurus），因地形的條件靠山而建，舞臺呈現半圓形設計，由於聲音傳導的距離相等，因此可將演出者的聲音清晰地傳遞到各個角落。觀眾席依半圓式的山坡地形層層而上，將舞臺全貌盡收眼底，有「古希臘建築運用聲學原理的典範」之美譽，而後雅典衛城阿提卡斯劇場（Odeon of Herodes Atticus）、羅馬競技場（Colosseum）都是仿照其模式而建。

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建於西元前580年的衛城（Acropolis），位於雅典市中心的山城上，是希臘最傑出的古建築群。衛城有兩個半圓形的劇場：戴奧尼索斯劇場（Theater of Dionysus）與阿提卡斯劇場。

前者以酒神戴奧尼索斯（Dionysus）為名，可容納17000名觀眾，現已不具表演功能；後者可容納6000名觀眾，至今仍然使用，是每年夏季露天音樂會與戲劇演出的聖地。

希臘人利用天然地形興建露天形式的劇場，羅馬人則以人為力量打造半戶外形式的劇場。羅馬劇場依古希臘劇場形式改良而成，分為狹長形的舞臺區，以及半圓形的樂隊區。舞臺區加有拱頂，觀眾席由半圓形的樂隊區向外擴張，座位重疊排列；劇場外圍設有走廊，作為避雨之用。

建於西元前13年的羅馬馬切羅劇場（Theatre of Marcellus）為放射狀牆身與拱頂式建築，聲音以圓周為中心向觀眾席傳導放射。

表演建築空間隨著年代、地區、風俗民情的不同，在外觀上也有所差異，例如：尖頂的哥德式教堂建築適合純人聲的演出；以切割蛋的概念而形成帆船外觀的雪梨歌劇院（Sydney Opera House, 1973）具有現代建築的美感；臺中圓滿戶外劇場（2006），結合了觀光與休閒的需求；高雄衛武營國家藝術文化中心（2018），是全球最大單一屋頂綜合劇院，音樂廳座位設計更是極講究音響效果的葡萄園式設計，這些表演建築空間皆反映出不同時代的人們對建築空間的不同需求。

法國沙特大教堂（Chartres Cathedral, 1250）正面的雙塔與高聳的尖頂，為典型的哥德式教堂。

三、音樂廳的音響設計

「音樂是流動的建築，建築是凝固的音樂」，德國文豪歌德（Johann Wolfgang 
von Goethe, 1749-1832）為音樂與建築的關係下了最佳的註解。

音樂廳是專門為聲樂及器樂音樂演出所設計的建築空間。早期的音樂演出多為人聲為主的宗教音樂，通常在宮廷或教堂舉行，直到17世紀中期器樂音樂興起，以器樂音樂為主的建築空間才開始出現。18世紀由於海頓（Franz Joseph Haydn, 1732-1809）確立交響樂形式，可容納200至1000名觀眾的演出場所蔚為風尚。隨著時代演進，樂團的編制擴大，容納1500至2000名觀眾的矩形為音樂廳的標準設計。到了19世紀中期，提供大型交響樂團所使用的大型音樂廳開始出現，例如利物浦的聖喬治音樂廳（St. George's Hall）可容納萬名演奏者和兩萬名觀眾，但是這些巨型音樂廳的音響效果也相對較不理想。

20 世紀初，沙賓提出「建築音響學」，成功的設計了波士頓交響樂廳（Boston 
SymphonyHall）。20 世紀中期之後，音樂廳的設計有明顯的突破，出現扇形、環繞型等具特色的形式。音樂與建築的發展從最初簡單的需求，因應時代的變化，以不同的形態呈現出多元的發展。

一個優質的音樂廳必須具備良好的音響品質，鑑別此品質的重要依據則是噪音控制。關於室內噪音的評估，有許多方法與指標，如噪音準則曲線（noise criterion curve,NC曲線）、噪音評定曲線（noise rating curve,NR曲線）、平衡噪音準則曲線（balanced 
noise criterion curves,NCB曲線）、較佳噪音準則曲線（preferred noisecriterion 
curve, PNC曲線）。其中的NC曲線是對於建築空間中的空調設備與背景音量的室內噪音進行評價，噪音曲線值越高表示環境中的噪音量越大。我國衛武營國家藝術文化中心音樂廳的背景噪音值，控制在NC15 的極佳效果，與雪梨歌劇院相同，達到世界級場館的優異水準。

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噪音標準，最早發源於美國，目的是用來評比室內噪音的指標，通常以NC、NR、NCB與PNC四種噪音準則曲線來判定噪音標準。

1. 噪音準則曲線（NC曲線）：通常測試各種噪音源帶來的空間剩餘噪聲與干擾，如：空調系統（冷暖氣、通風系統等）。

2. 噪音評定曲線（NR曲線）：常被應用在歐洲的室內環境可接受的聽力保護標準，如：講話通訊的ISO標準。

3. 平衡噪音準則曲線（NCB曲線）：主要應用在「低頻噪音」控制，在密閉室內空間，高頻噪音容易被隔絕，然而低頻噪音卻不一定被隔絕，因此需要特別檢測。對於娛樂與營業場所使用的冷水塔、抽排風機、空調系統及發電機等設施所產生的低頻噪音，必須符合低頻噪音管制標準，否則將處以罰鍰或停業處分。

4. 較佳噪音準則曲線（PNC曲線）：是建立在NC曲線基礎上的改良曲線，通常用以判斷空調設備以及其他背景噪音的可接受性，如：電影院、音樂廳、演講廳。

音樂廳的音響品質受到反響板、吸音筒與殘響等因素的影響：

反響板的功能在於避免聲音被過度吸音而無法傳導，將投射的樂音透過折射與反射原理，傳導到觀眾席。反響板可分為固定式及移動式兩類：國家音樂廳在舞臺兩側有固定式反響板；臺北城市舞臺則有可拆卸的移動式反響板。

吸音筒的功能在於吸收一些無法折射或反射的音波，以達到好的音響傳遞。吸音筒常融合在建築中，達到美觀又吸音的功能：德國柏林愛樂廳在反響板間裝有垂狀的圓柱形作為吸音筒，國家音樂廳的觀眾席上方則有懸吊式吸音筒。

殘響是指聲音發出後殘留在空間中的音響；當聲源停止後，音量衰減到60分貝所需的時間，為殘響時間。理想的殘響可決定音樂表現的成敗；殘響過長，聲音容易混濁；殘響過短，聲音則會乾枯。一般而言，音樂廳滿席時的中音域的理想殘響時間是在1.8至2秒間；歌劇院或芭蕾舞劇院的理想殘響時間為1.3至1.6秒，著名的維也納金色大廳，其殘響值為2.05秒，柏林愛樂廳為1.95秒，臺北的國家音樂廳則介於1.7至2.1秒間，臺中國家歌劇院大劇院為1.6秒，都是適合演奏大型交響樂曲的室內空間。

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臺灣有三個國家級的展演場館，分別為位於臺北市的國家兩廳院、臺中市的臺中國家歌劇院，以及高雄市的衛武營國家藝術文化中心。

國家兩廳院於1987年10月正式啟用，國家音樂廳為鏡框式舞臺，有2074個座席，為大型音樂表演的場所；內部的演奏廳也是鏡框式舞臺，有363個座席，提供小型音樂演出。國家戲劇院為鏡框式舞臺，有1526個座席，可供各類戲劇、舞蹈等表演活動使用，三樓的實驗劇場為小型戲劇或舞蹈演出，舞臺形式與觀眾席的安排可依演出的需求而調整。

臺中國家歌劇院於2014年11月正式啟用，大劇院為鏡框式舞臺，有2007個座席，為大型音樂或戲劇表演的場所；中劇院為多型態劇場功能，可以是鏡框式舞臺或開放式舞臺，有794個座席；小劇場以自由型態構成，舞臺型式無受限，最多可設置200個座席。

衛武營國家藝術文化中心於2018年10月正式啟用，音樂廳為中心式舞臺，2000座席採全臺灣獨一無二的葡萄園式設計，聽眾與舞臺的距離比傳統中心式舞臺更近，為大型音樂表演的場所。歌劇院為鏡框式舞臺，2260座席採馬蹄形安排，用於歌劇、大型戲劇、舞蹈等表演型式。

戲劇院備有鏡框式以及伸展式舞臺兩種型式，座席數分別為1254席及1094席，作為各種戲劇、舞蹈表演的演出空間。表演廳是傳統鞋盒型音樂廳的轉化，共有470座席，主要作為小型室內樂、獨奏等表演類型使用。

音樂小活動

想想看以下的題目，對的打○，錯的打×：

1.（ ）每一個音樂廳裡面的音響，都像在電影院播放的視聽音響效果一樣，有環狀音響效果。
2.（ ）戲劇院要的音響效果，與音樂廳的音響效果是一樣的，所以不需要特別注意建築音響學設計。
3.（ ）聽音樂最重要的就是要餘音繞梁，所以殘響越長越好，才會特別有感覺！
4.（ ）將兩手環在嘴巴兩側說話，聲音可以傳得比較遠，也比較大聲。

音樂小活動

5.（ ）反響板的功能在於避免聲音被過度吸音而無法傳導，所以拿一塊防撞海綿放在牆上或地上，不但可以預防撞傷，又能幫助聲音傳導出去。
6.（ ）電影院或音樂廳的泡棉座椅具有吸音的效果，避免讓回音過重。
7.（ ）音樂廳的雲朵造型反響板，純粹是為了美觀、創意而設計，沒有太大的音響學意義。
8.（ ）在家裡看電視播出的音樂會，其視聽效果，就跟坐在音樂廳的一樣好，所以不用特別買票去現場看。

四、舞臺的種類

常見的舞臺有以下幾種類型：鏡框式舞臺（proscenium stage）、伸展式舞臺（thrust stage）、中心式舞臺（central 
stage）、實驗式劇場（experimental 
theater）與移動式舞臺（mobile stage）等，其中在臺灣以鏡框式舞臺最為常見。

鏡框式舞臺

鏡框式舞臺為ㄇ字型的「單面式」舞臺類型，舞臺上方為燈光及布幕懸吊系統，兩側翼幕、地板設置道具機關，觀眾坐在缺口處，於臺下觀賞臺上的演出。音樂演出用途為主的鏡框式舞臺，舞臺上方通常設置音響反射之設備，舞臺後面的後臺為演出者休息和準備的空間。戲劇用途為主的鏡框式舞臺，舞臺的下舞臺區下方通常設置樂池區，舞臺的上舞臺區後方，則有天幕和布景區。臺北國家音樂廳、國家戲劇院、臺中國家歌劇院的大劇院、全臺的文化中心，以及學校的禮堂，大多屬於鏡框式舞臺。

2008年歌劇《黑鬚馬偕》（Mackay－The Black Bearded Bible Man）在國家戲劇院首演，為鏡框式舞臺的演出，舞臺周邊裝置各式設備，展現變化豐富的布景。

此劇是2002年由文建會委託作曲家金希文（1957-）、編劇邱瑗（1958-）創作，故事以宣教士馬偕博士（George Leslie Mackay, 1844-1901）一生的事跡改編而成，並邀請德籍導演漢柏斯（Lukas Hemleb, 1960-）、指揮家簡文彬（1967-），以及國內外頂尖的歌劇人才共同演出，是一部臺灣優秀的藝術創作。

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留著濃密黑鬍子的加拿大牧師馬偕，10歲便立志成為宣教士，他在完成神學與醫學教育後，離開家鄉到東方宣教。

馬偕於1872年抵達淡水，以當地為家，與放牛牧童學習閩南語，並娶臺灣女子張聰明為妻，走進平埔族村落，深入熟番地界，創立北臺灣基督教長老教會。

他興建淡水馬偕醫館（馬偕紀念醫院的前身），治癒許多人的疾病，為臺灣打下深厚的醫療基礎。他創立牛津學堂（Oxford College，真理大學的前身），以及臺灣第一間女子學校淡水女學堂，為臺灣的現代教育奠立根基。

1883年中法戰爭爆發，法軍進犯北臺灣，他放棄回國的機會，選擇和臺灣人民生死與共。1901年因罹患喉癌而病逝家中，他的足跡遍及臺灣島嶼，留下珍貴的人文地理紀錄，對臺灣的影響顯著而深遠。

伸展式舞臺

伸展式舞臺的特色在於舞臺以開放的方式伸展至觀眾席，觀眾圍坐於舞臺三面，又稱為三面式舞臺，是「開放式舞臺」（open stage）的一種。由於此類舞臺必須兼顧三面觀眾的視角，所以視覺更為立體。伸展式舞臺座位不多，每個座位的高度距離舞臺不超過65呎，縮短了表演者與觀賞者的距離。宜蘭縣演藝廳、模特兒伸展臺、演唱會場等多為伸展式舞臺。

愛爾蘭女聲重唱團體天使女伶（Celtic Woman）是近年來掀起風潮的女子重唱團體，音樂曲風橫跨古典、流行與民謠。2010 年在愛爾蘭恩尼斯凱里寶爾勢格莊園（Powerscourt Estate）的大型演出《美麗心靈》（Songs from the Heart），以伸展式舞臺的設計，與觀眾形成零距離的接觸。影片中可看到藉由燈光、乾冰、煙火等元素，將13世紀的古堡營造唯美華麗的演出氛圍。演唱會中的歌曲〈奇異恩典〉（Amazing Grace），由愛爾蘭風笛伴奏，極具特色。

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伸展式舞臺的上舞臺區保有類似鏡框式舞臺翼幕舞臺形式，舞臺的下舞臺區則伸入觀眾席中。演員之上下場，由伸展式舞臺的左右臺口，融合鏡框式舞臺的遮蔽性與中心式舞臺的開放性，是極富包容性的舞臺。

中心式舞臺

中心式舞臺為表演者在舞臺中央演出，四面環形圍坐著觀眾，舞臺有四方形、長方形或圓形，因結構因素自觀眾區的出入口進出，也沒有臺幕，又稱為「環形劇場」（arena）。

中心式舞臺的特點是觀眾與演員之間的互動密切，觀賞者容易進入劇情的想像空間。體育館、小巨蛋、美國華盛頓的環形劇場以及義大利維洛納露天劇場（Arena di Verona），以及2018年開幕的高雄衛武營國家藝術文化中心的音樂廳，皆為典型的中心式舞臺。

另一個「以音樂演奏為中心」成為設計概念的建築物——柏林愛樂廳，是德國建築師夏隆（Hans Scharoun, 1893-1972）於1963 年完成的新突破，夏隆捨棄傳統的長方鞋盒狀（Shoebox）平面，改為五角形的樣貌，融合黃色帆船式的外觀造型，舞臺放置在前方，所有觀眾能面對演奏者，而觀眾席則分成層疊的塊狀區塊，一層一層環形往上設計，形成表演舞臺為放射狀中心，這樣的呈現，正是符合夏隆將「音樂在建築物中心位置發聲」的主軸，將音樂廳舞臺設在廳內的正中央、建築物的最下層，使觀眾與演奏者的互動零距離，而這種梯田式的多角反射構造，也被稱為「葡萄園式」舞臺設計。

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柏林愛樂廳的外觀是五角形，而位於建築物正中央的舞臺也是五角形，觀眾席以舞臺為中心，層層塊狀疊上為放射狀的葡萄園式五角形，巧妙地讓舞臺—觀眾席—建築外型，成為三個五角形環，環環相扣，分別象徵空間（Space）、音樂（Music）與人（People）三項元素結合，是柏林愛樂廳建築的中心理念，更是柏林愛樂樂團（BerlinerPhilharmoniker）的識別標誌。

荀貝格（Arnold Schönberg, 1874-1951）的《古雷之歌》（Gurre-Lieder, 1913），是結合德國與丹麥兩國神話故事中的愛情悲劇，歌曲內容選自丹麥詩人雅克伯森（Jens Peter Jacobsen, 1847-1885）的同名著作。

原先《古雷之歌》的編制只是單純寫給男高音、女高音和鋼琴，但荀貝格的老師澤姆林斯基（Alexander von Zemlinsky, 1871-1942）認為這部作品大有可為，鼓勵他擴編，最後成為結合清唱劇、神劇和聯篇歌曲等多種元素的大型清唱劇作品，並於1913年首演。

曾任柏林愛樂指揮的拉圖（Sir Simon Rattle, 1955-），於2013年指揮柏林愛樂樂團在柏林愛樂廳演奏此曲，選段歌詞大意是丹麥國王魏德麥爾（Waldemar）決定放棄尋找死去愛妻多薇（Tove）的靈魂，自己也願安詳地得到救贖，此時合唱團唱出壯麗的八部合唱，表達壯闊的日出情景：「看呀，太陽在地平線上放光彩，在東方呼喚清晨的美夢，在微笑中冉冉升起太陽……」，全曲就在合唱的巨大頌歌裡，氣勢如虹地結束。

實驗式劇場

實驗式劇場又稱為「黑盒子」或「黑箱」，為四周漆成黑色的劇場，是第二次世界大戰之後的產物。在黑盒子劇場中，表演區和觀眾區的距離、大小和高低，可因需求的不同而調整，機動性極強，可作為多元化的演出場所。國家戲劇院的實驗劇場、皇冠小劇場、臺東黑盒子劇場都屬此類舞臺形式。

臺東表演藝術館裡的黑盒子劇場共有90坪，其中包括50坪的表演區，具備完善的劇場燈光及音響設備。圖為BE劇團於2013年表演《90×90》的劇照。

驫舞劇場成立於2004年12月，舞碼《速度》描繪舞者在遊戲中探索速度，並發展出對時間、空間與演進的觀點，透過舞臺燈光明暗的對比，音樂與舞者的肢體相互對話，帶領觀眾在遊戲中探索速度的意義。

驫舞劇場以「速度」為共同創作主題，編舞者透過騎腳踏車、射飛鏢、水中悶氣等遊戲，各自得出對速度的新見解。此為騎腳踏車的舞蹈表演場景。

《速度》自2007年於國家戲劇院的實驗劇場展開4場首演，2008年獲第6屆台新藝術獎之表演藝術類大獎，2016年更邀請六位年輕舞者重新演繹，藉由一次又一次的演出來修正想法，讓作品的生命一直延續下去。《紐約時報》舞評：「驫舞劇場的作品猶如一場饗宴，各個舞段爭奇鬥艷，舞者展現輕快敏捷的肢體與精湛的戲劇天賦。」

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成立之初團員皆為男性的驫舞劇場（驫：ㄅㄧㄠ，眾馬也）由書法家張梅駒命名，展現此男子舞團的衝勁與爆發力。在陰盛陽衰的臺灣舞壇，他們對舞蹈的熱情與摯愛，創造出獨樹一格的舞蹈語彙，透過作品展現新生代編舞家與舞者的創意和活力。

移動式舞臺

移動式舞臺又稱為「行動舞臺」，可裝載舞臺、燈光、錄影錄音、升降階梯等設備，由大型貨櫃車改裝，其特色是只要開車到定點後，按下車內開關，貨櫃車隨即可變為側掀式行動舞臺。

移動式舞臺也是可任意移動與收納的舞臺，通常用在大型戶外演出，如流行音樂或因應當地的民俗表演，常出現在廟會演出、婚喪喜慶的場合或戶外公園的晚會等。演區規劃的設計，除了可以規範表演者的舞臺走動位置外，也可以妥善運用視覺空間，創造出立體概念的畫面。

創於2009年的「金門坑道音樂節」，是為金門特有地形所設計的坑道音樂節。翟山坑道於1961年開挖，原為軍事用途所建，內分為坑道與水道，費時五年才完工。曾經是海軍運輸補給品的祕密水道，現在成為表演的場地，噱頭創意十足，成功塑造成為金門重要的觀光景點。

2017年「金門坑道音樂節」由大提琴家張正傑與京劇名角朱陸豪（1954-）領銜，在平臺船上演出京劇融合弦樂四重奏的音樂饗宴。

坑道內渾然天成的花崗岩音箱，配合U字形路徑，音響效果飽滿。演奏家以平臺船作為舞臺，隨著船在水域上緩緩移動，音樂在坑道中自然迴盪，配以坑道外的海潮聲，讓聆賞的觀眾如痴如醉。

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「金門坑道音樂節」緣起於2009年10月25日，適逢「金門古寧頭大捷」60週年，金門國家公園以音樂表達和平理念，將當年古寧頭戰役的場地，變成表演藝術的殿堂，成為金門的重點觀光項目，吸引許多國內外遊客的目光。

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