●藝術生活（表演藝術）Ch03

壹、劇場藝術

要成就一場好的表演藝術作品，劇場的挑選是首要條件，關係到整個舞臺的表現，而背後所要付出的精神與人力也是相當可觀的。

劇場包含表演者、觀眾、空間三大元素，其中劇場空間結構有公共空間與演出空間之分，公共空間即為公共場所，演出空間即為戲劇呈現的空間（包含舞臺、觀眾席、後臺等）。一場成功的戲劇演出需要導演的專業與統籌，也需要靠演員豐富的肢體動作與口白，因此，如何甄選優秀的演員是導演的重要工作。在進行甄試之前，導演必須做好充分的準備，包括對角色性格的分析、劇本人物形象的基本界定，以及對角色間關係的理解等。

2016年的電影《三人行》導演杜琪峯，於片場親自監看最重要的慢動作槍戰戲工作照。

2014年，安徒生與莫札特的創意，《小太陽：一個家的音樂劇》，臺北市中山堂。演員以豐富的肢體演繹行車時被窗外美景感動的樣子。

在與舞臺布景設計師、燈光設計師、服裝設計師、音效設計師等各領域藝術家共同討論，並且取得演出藝術風格的共識後，排演便成為導演工作中最重要也是最困難的階段。

在排演的過程中，導演必須將劇本中的文字轉化為舞臺上的具體形象，並且藉由演員的實際演出將作品創作的想法呈現在場景中。因此，導演需要具備紮實的實作經驗與豐富的創作力，還必須在排演的過程中，適時處理團隊中相關人際、情緒等各方面的問題。一部表演藝術作品的前期預備製作完成之後，便進入展演創作的實際各組類項分工。

一、藝術組的展演創作分工

表演藝術作品的呈現，其背後所要付出的精神與人力是相當可觀的，藝術團隊的良窳關係著整體演出是否能夠成功。藝術組的展演創作分工有：導演、排演助理、演員。

導演（director）

統籌戲劇的演出，亦是演出作品是否能夠成功的關鍵者。由於戲劇演出是一項綜合藝術，因此導演必須要具備各項藝術的鑑賞能力，以勝任多元的演出形式，並能與編劇討論如何透過演員的聲音與肢體，向觀眾說話，同時還要具備良好的人際關係與應對能力。

李安在2006年以《斷背山》（Brokeback 
Mountain）獲得第78屆奧斯卡金像獎最佳導演獎； 2013年以《少年PI的奇幻漂流》（Life of Pi）獲得第85屆奧斯卡金像獎最佳導演獎。

排演助理（rehearsal assistant）

由於導演的工作龐大且複雜，為了不遺漏任何環節，導演可聘任專門的助手來分擔部分工作，這個職位即稱為排演助理。

一旦展演作品的演出人員確定後，排演助理就要敲定排練時間。導演通常在訂定導演計畫時，會有概估的排戲時間表，其中包含排戲的次數、花費時間及預估進度，排演助理必須依照這份時間表，再與每個演員商討最理想的排戲時間表。

此外，排練助理在排練過程，必須詳細記錄導演所安排的走位，並且有效處理導演交代的事項，包含戲服裝扮、背景道具、燈光製作等，進入準確精細的前置作業。

演員（actor）

演員為表演藝術演出中不可或缺的要角，沒有演員就無法構成一齣完整的作品。演員不但是導演傳達演出作品創作理念的媒介，亦為導演最密切的工作夥伴。

演員在演出之前，必須熟讀並分析劇本，除了了解劇中的主題內容之外，更須進一步掌握劇中所有角色的性格，及本身與其他人物之間的關係。演員也必須與導演充分溝通，以確認所建立的角色形象，並且在揣摩角色心理層面時慢慢修正，以達到導演的要求。

2014年中國古裝宮廷電視劇《武媚娘傳奇》，成功為演員塑造傳奇人物形象。

韓國女高音曹秀美（Sumi Jo, 1962-）在《魔笛》（Die Zauberflöte）中飾演夜之后，已成為她的招牌角色。

2015年臺灣電視劇《必娶女人》， 演員成功突顯劇中人物性格。

二、技術組的展演創作分工

在表演藝術展演創作的分工中，技術部門可細分為「設計製作組」及「技術執行組」。「設計製作組」針對舞臺、道具、燈光、服裝、化妝、音效、舞蹈七種類型進行適於演出舞臺的內容設計。「技術執行組」則是對舞臺、道具、燈光、音效、服裝及化妝六大部分進行後製。

舞臺技術指導的工作內容主要是根據技術部門中各個不同領域的設計師所提供的設計圖，將其設計意念建構成執行結構圖，然後安排工作步驟，將複雜的執行過程簡化，再估算執行所需要的時間、人力、經費及購買所需之材料，在最合乎經濟效益的狀況下，指導執行直到完成。

設計製作組

❶舞臺設計
一件好的設計作品，除了事前深思熟慮並反覆溝通外，更要有一套完善的舞臺設計工作程序，才能達到事半功倍的效果。「舞臺」意指表演藝術演出的所在地點，包含延伸性的區域，例如舞臺的前沿、樂池（orchestra pit）、側臺、後臺，甚至觀眾席。

舞臺設計有兩種主要功能：解釋演出劇本以及增強演出的張力。透過舞臺設計，可以協助觀眾了解表演作品的時空背景及人物角色。此外，舞臺設計師透過製圖、繪圖來模擬呈現，也可利用色彩、線條、形狀、對比等技巧鋪陳舞臺效果，以增強張力。

舞臺設計首先要了解演出劇院的整體結構，熟悉吊桿與天幕位置、空間配置等，並且實地進行測量。

舞臺設計定案後，接著要考慮技術方面，例如：測估作品實際需用的空間、布景變化中時大幕降下的桿位等。

繪製草圖是舞臺設計的重要步驟。草圖通常採用平面、立面甚至剖面的方式，將劇場比例縮小後進行繪製。平面圖可以清楚反映景物間擺放位置及相對距離，而立體圖則更可進一步表現出整體空間感。

1875年比才（Georges Bizet, 1838-1875）的歌劇《卡門》（Carmen）在巴黎歌劇院首演時，最後一幕的布景設計草圖。

❷道具設計
道具的使用不但能重現作品的時空背景，亦能協助詮釋角色性格。

道具也能裝飾舞臺布景，並為場景建立特定氛圍。道具所選用的材料、質地與樣式都會影響演出風格，例如木製傳統椅子或是鐵製流行的椅子，所營造出來的視覺感受就會不一樣。而演員有時亦會使用小道具，例如手帕、小鏡子，來增加演出的趣味性。

❸燈光設計
舞臺燈光具有明暗度、色彩、光源、形狀、移動等特性，燈光設計師利用這些特性來調整光源，提升舞臺的清晰度與舒適度。例如：燈光會隨著舞者韻律情境上的變化調節明暗度，讓觀眾的視覺感官能隨時聚焦在舞者身上。良好的燈光設計不僅能幫助建立舞臺的焦點，也能營造出表演藝術作品所欲表達的場景氣氛。

雲門舞集《行草》中之一景，利用影像將文字投射在舞臺上，透過舞者跳動的肢體，將原本靜止的文字圖騰，幻化為流動的影像藝術。

「明暗度」意指燈光投射出來的亮度，而亮度並非一成不變，必須視情境變化隨時調整。

有時為了增加戲劇性，會在燈具上加裝燈光色紙來改變光的顏色，並且搭配來自不同方向投射出的光源。此外，亦可利用燈具上的遮光片（shutter）將投射出來的光切割成需要的形狀，例如方形、三角形、不規則形等。

❹服裝設計
「服裝」意指表演者所穿戴的衣物。而服裝設計主要功能在於協助表達演出作品的時空背景、角色性格、社會階級以及人物關係。例如從不同的裝扮來辨識人物的經濟狀況和職業，或是利用黑白的對比色，來顯示對立的關係。

服裝設計在分析執行的程序中，不僅要能配合劇情，還必須凸顯出服裝與劇中人物的連屬關係。此外，人物的分析也很重要，由於服裝能夠反映人的性格，因此設計師必須掌握劇中角色的表現，透過服裝加以詮釋。

若設計對象為舞者，在設計前會先聽取編舞家的創作構想，並且一起發想，也必須了解舞作中的重要段落和舞蹈動作，才開始進行設計。舞動時，布料的重量和呈現的質感，皆會影響舞者的表現，因此設計師會先選擇布料，在材質、顏色都確定後，才開始進行服裝草圖的設計，並且與編舞者進一步溝通。

雲門舞集《行草》中，女性舞者的水袖設計圖（左），與男性舞者褲管設計結構圖（右）。此為服裝設計師林璟如的創作。

雲門舞集《行草》中，舞者在布幕前，
揮舞象徵毛筆書寫特性的黑色水袖裝。

❺化妝設計
化妝主要的設計範圍在演員頸部以上，以及露在服裝之外的肢體。與服裝一樣，化妝對於演員角色特性的確立是較為直接且明顯的。

化妝除了能修飾並且加強演員外觀顯現之外，亦能協助演員進入角色情境。當演員依照作品人物描述著裝並且化妝，便較容易產生呼應著裝風格的心理變化。

人物外在形象亦是靠化妝設計來呈現，這個功能於中國傳統戲劇的表演中更為顯著，例如京劇中將角色類型分為生、旦、淨、丑等，每一種角色都有特定的化妝方式，也就是「臉譜」，觀眾可以依照特定的臉譜了解角色在劇中的身分。

京劇的行當於初期原分為生、旦、淨、末、丑五種角色，後來把生行和末行合併，取消了末行 ，因而變為生、旦、淨、丑四大類。圖中由左至右依序為生行臉譜：文老生、扇子小生；旦行臉譜：花旦；淨行臉譜：正淨、副淨；丑行臉譜：文丑、武丑。

京劇的行當於初期原分為生、旦、淨、末、丑五種角色，後來把生行和末行合併，取消了末行 ，因而變為生、旦、淨、丑四大類。

下頁圖中由左至右依序為生行臉譜：文老生、扇子小生；旦行臉譜：花旦；淨行臉譜：正淨、副淨；丑行臉譜：文丑、武丑。

京劇的行當於初期原分為生、旦、淨、末、丑五種角色，後來把生行和末行合併，取消了末行 ，因而變為生、旦、淨、丑四大類。圖中由左至右依序為生行臉譜：文老生、扇子小生；旦行臉譜：花旦；淨行臉譜：正淨、副淨；丑行臉譜：文丑、武丑。

❻音效設計
劇場音效包含「音樂」與「效果音」。效果音指劇中除了人聲之外其他具體的聲音，例如蟲鳴鳥叫、雷聲、門鈴聲等，相較於音樂，效果音多屬於技術執行。

在所有藝術類別中，音樂可說是最容易引發情感的方式，因此可以幫助表演藝術作品在演出時建立特定的氣氛，並且快速引發觀眾的情緒變化，進入戲劇性假設的情境中。除了音樂之外，效果音搭配背景音樂也能製造場景中的特殊效果，例如雷鳴、閃電的聲響等。

（上圖）摩擦赤貝貝殼呈鋸齒的一面，可模仿田中的蛙鳴聲。

（中圖）將兩個漆碗倒扣，於地板上敲擊，可表現馬蹄聲。

（下圖）將豆類放入貼有和紙並加裝把手的竹製方箱中，將竹製方箱傾斜到一半並加以抖動，讓豆子跳動，可發出浪花拍岸的聲響。

❼舞蹈設計
舞蹈在原始戲劇演出中占有重要地位，因為它是戲劇最初的表現形式之一。不過隨著歷史演變，戲劇逐漸朝向重視言語表達的形式發展，舞蹈在戲劇演出中的分量則逐漸減少，形成兩種獨立的藝術類別。

在解讀創作對象的原始意念過程後，編舞家開始於腦中產生聯想畫面，並進一步思考以舞蹈替代戲劇演出的場景。在一般非專業舞蹈的表演藝術中，由於不是每個演出者都有舞蹈基礎，因此若戲劇中穿插由演員來呈現舞蹈場景，舞蹈設計師就必須依照演員的程度來設計舞蹈動作的難度。

2000年，無垢舞蹈劇場，《花神祭》之〈春芽〉，臺北市國家戲劇院。編舞者以舞者的步行沉緩，象徵宛若盤根錯節的百年老樹精靈。

相較於其他部門的設計師，舞蹈設計師除了設計舞蹈外，還必須帶領舞者或演員排練，因此在工作內容上更為廣泛且複雜。舞蹈創作者都必須具備創作與實務的豐富經驗，並能有效處理排練時，舞者所產生的任何意念或技術上的問題。

在劇場中，舞臺、道具、燈光、音效、服裝、化妝有分製作與執行，當各項作業製作完畢後，再由執行人員完成最後一道程序，才能完善呈現劇場的魔力，讓觀眾融入其中。

製作組

❶舞臺裝置製作
一般表演藝術演出的彩排大都在排演場進行，而不在實際演出的劇場中。在演出布景尚未完成時，為了讓導演能順利排戲，並協助演員了解舞臺布景的構造，舞臺執行人員必須依照設計圖，先以膠帶於地板上標示清楚。

❷道具製作
根據演出劇種和劇本，確定道具的風格與形式。按照導演和舞臺美術總體設計師的要求，依具體場景中的陳設道具、演員表演道具進行製作，需注意每場戲劇的布景、燈光、化妝、服裝基調、色彩傾向以及天幕呈現的時間對道具產生的影響。

另外，在舞臺戲劇中經常出現烘托環境的大型道具，這種大型道具的設計與製作要全面考慮到演出裝臺、演出中換景、拆臺、存放、運輸等環節，應當具有堅固、輕便、便於換景、組合等特點。

❸燈光製作
燈光會根據每場戲劇具體場景中的陳設道具、演員表演道具及特定要求，進行光線強弱、色彩的調整，還應注意每場戲劇的布景大小、演員整體服裝基調，以及天幕呈現的色彩變化等等，這些都是影響觀眾能否聚焦舞臺的因素。

❹音效製作
音樂進展如果層次不夠，且動作需要依靠聲音來結合應用的話，就需要音效片段製作與剪輯來完成整部作品。音效製作從錄音、剪輯到後製都要依據演出的劇情變化與實際需求來製作與調整，例如針對場景、人物情感等搭配的背景音效、畫面，找到適合寫實音效等。

❺服裝製作
演員的正式演出服裝有幾種不同的來源：一是為演出內容需要而量身訂作；二是依據設計圖樣去採買或租借現成的服裝。如果是量身訂作，服裝部門負責人所要領導的人員編制與工作量相對龐雜，包含立體剪裁師、縫紉師、繪染師、製帽師等。

❻化妝設計
化妝執行人員主要以設計師的設計圖為基礎，並考慮演員的外在條件狀況，進行造形準備工作。

執行組

❶舞臺裝置執行
待所有場景更換的次序與內容確定後，舞臺執行人員便可以製作一份記錄所有換景情況的更動表，作為日後演出進行時的依據。

演出前景物需要裝車運送，舞臺執行人員必須考慮景物的體積與重量，依照卡車的承載量做好裝載的規劃。在裝臺完成後，必須把握練習換景的機會，掌握速度。於彩排之前，舞臺執行人員應與其他工作部門討論換景實際執行的時間點，確定先後次序。

❷道具執行
道具製作與執行人員須根據實際演出列出道具清單，包括道具名稱、擺放位置、上下場時間，以及補充說明等。演出時有些道具會事先置放在舞臺上，或是由演員帶上臺，因此道具執行人員必須熟悉所有道具的擺放位置、或應由哪位演員帶上場、從舞臺哪一邊出場、由哪一位執行人員負責更換等。

道具在打包裝箱的過程中必須格外小心，特別注意容易破碎、變形的物品；裝箱時應分類收放，並於箱外清楚標示道具清單；置放道具的箱子建議規格化，以利清點、辨識，也提高運輸卡車空間的充分利用，達到最高載運量。

❸燈光執行
燈光執行人員必須具備電學基礎，並且了解所有燈具的特色與功能，利用各種燈光器具，將燈光設計師要求的燈光效果展現出來，因此執行人員必須與燈光設計師、技術指導充分溝通。

進入劇場後，執行人員須將已準備好的燈具依照燈的配置圖裝在燈桿上，再依使用情況接線及串連，確保迴路流暢，再依照燈光設計師的指示，調整燈具的位置、方向、燈區的大小，並將每一個燈光所構成的畫面、需要使用的輔助道具、使用情形，做成紀錄並輸入控制器中。

❹音效執行
特殊效果音可以在演出進行中現場製作，或是利用現成唱片中的音效轉製。若採用現場製作的方式，則音效執行的工作人員必須事先準備好道具，在舞臺監督的指揮下，依照正確時間點來完成特殊效果音的呈現，此種方式能讓觀眾聆聽時較有臨場感；若是使用事先錄製完成的音效帶，就必須對控制播放的機具有相當高的熟悉度。

待所有音效實際執行時間點確定後，執行人員必須列出清單，清楚記錄音效的順序、內容與時間點，並註明透過錄音帶播放或是現場操作。

試音工作在技術彩排前都必須先完成，所有聲音（音樂、音效以及人聲）都須調整在理想狀態，也包括收音效果、聲音質感、傳聲方向與音量大小。

❺服裝執行
服裝執行的主要工作包含演出前協助演出人員穿著戲服、演出中協助演出人員更換戲服，及演出結束後的戲服清潔與後續整理。

❻化妝執行
舞臺演出的化妝與一般生活化妝大為不同，必須針對舞臺大小、與觀眾的距離、燈光明暗度、導演的詮釋及劇種的不同，進行衡量與改變。

任何表演藝術形式的演出，皆需要經過精心的策劃與排練，才能將完美的表演呈現在觀眾面前。觀眾在欣賞的同時，除了要給予適當的鼓勵之外，若平時也能隨時注意藝文動態，並且積極參與其中，便是支持表演藝術團隊持續創作演出的最佳助力。

三、行政業務分工

除了前面提到藝術組與技術組的創作分工外，行政業務的搭配分工也是成就展演的重要推手，需透過良好的人際溝通技巧與協調來進行，行政業務主要分成企劃與執行，前者需完整規劃與安排整體行政作業，比如經費預算、募款、人員配置、行銷宣傳、公關等。

企劃完成即開始執行，行政總監負責準備排練用劇本、申請及確認演出版權、掌握經費收支等業務。

公關人員最重要的工作是釐清藝術團體的定位與特色，並撰寫新聞稿發送給各大傳媒，進而勸募廣告款及貴賓券等。

劇場票務人員負責現場或預先索票、實體票券及網路銷售、清點票券銷售情況、結帳等工作。

除了前面幾項行政業務分配，還需由前臺經理領導一群工作人員、志工負責服務觀眾，如劇場帶位、銷售節目單、導覽解說、收集觀眾意見調查表，及代叫計程車等臨時性工作。

總之，行政工作是為藝文團體能成長壯大、藝術活動能推動成功的關鍵之一，也是藝術與觀眾之間的重要橋梁。

貳、電影電視之風格

一、電影的製作

電影不僅是藝術創作，亦為商業產品，必須仰賴許多複雜的科技以及眾多參與者的合作才能完成，因此電影與社會發展、經濟脈絡皆有密切的關聯。

電視則為20世紀對大眾生活產生重大影響的傳播媒介，隨著整體社會文化結構的轉變，不斷提升其知識資訊，透過多元的節目內容，與民眾產生進一步的互動關係。

「風格」意為電影組織技術的形式系統，任何一部電影都必須透過不同的技巧來塑造風格，其中不單代表影片所包含的意象，亦反映導演的創作手法。

電影風格一般可區分為寫實主義、古典主義和形式主義。

寫實主義大部分直接複製現實的表象，題材本身是最重要的，此種強調人與物的真實攝像，多以紀錄片的方式呈現。

而形式主義則較關切對事物的主觀想法以及個人的看法，也因此重視技巧與形式。相對於寫實主義，形式主義強調本質的意義而非外在現實。

古典主義則為迴避極端形式與寫實主義的一種電影風格，大部分的劇情片通常都會依照古典模式進行拍片。

類型（genre）一詞源自法文，意指種類、樣式。當談到電影類型時，指的是特定類別的電影，這些類別大多因主題不同而有所區別，喜劇片、驚險片、歷史傳記片、科幻片與技藝片等。

喜劇片講究對白精彩、俏皮、幽默；運用誤會、巧合、誇張、諷刺等手法來呈現。例如喜劇系列《醉後大丈夫》（The Hangover）、《老闆不是人》（Horrible Bosses）等。

驚險片則注重懸疑氛圍的營造與曲折緊張的情節，帶給觀眾刺激的快感。廣義的驚險片包含偵探片、探險片、懸疑片、恐怖片、武俠片、西部片等，例如懸疑片《全面啟動》（Inception）、武俠片《葉問》（Ip Man）、驚悚懸疑片《控制》（Gone Girl）、恐怖片 《厲陰宅》（The Conjuring）等。

歷史傳記片則是敘述史上重要人物或重大事件的劇情片。前者如改編蘋果公司創始人賈伯斯（Steve Jobs, 1955-2011）一生的《史帝夫賈伯斯》（Steve Jobs）、改編自英國物理及宇宙學家霍金（Stephen Hawking, 1942-）所寫的回憶錄《愛的萬物論》（The Theory of Everything）；後者如《模仿遊戲》（The Imitation Game）、《KANO》、《間諜橋》（Bridge of Spies）等。

科幻片則是以既定的科學理論或是成果為依據，針對未來或是過去做出衍伸性、幻想性的思考與描繪，例如：《絕地救援》（The Martian）、《星際效應》（Interstellar）皆為著名的科幻片。

技藝片意指以特殊的表演技藝和製作技巧來呈現的劇情片，此類型的觀賞性與娛樂性較強，例如臺灣導演侯孝賢執導的武俠片《刺客聶隱娘》、香港導演徐克執導的古裝懸疑動作片《通天神探狄仁傑》；美國超級英雄系列電影《復仇者聯盟》（Marvel's The Avengers）、《正義聯盟》（Justice League）、《雷神索爾》（Thor）、《奇異博士》（Doctor Strange）。

這些分類是依照一般大眾較容易掌握的方法，也是觀眾選擇電影的指標。而在每部電影中出現的固定表現手法，能讓大眾更容易辨識各種不同的類型。

此外，根據電影的製作方式及欲傳達的效果，可區分為三種類型：紀錄片（documentary film）、實驗電影（experimental film）及動畫片（animation film）。

紀錄片與劇情片不同，它主要在呈現、記錄這個世界的真實訊息，包含真實事件和參與這些事件的真實人物。

可以區分為以下幾種：資料編輯片、訪談式紀錄片、直接電影、自然紀錄片、人物紀錄片等。

資料編輯片是蒐集檔案畫面匯編而來；訪談式紀錄片為記錄對於社會事件或是社會運動的證言，例如《蘋果的滋味》描寫狗仔文化對臺灣媒體的衝擊、《殘響世界》則是以樂生療養院為題材；直接電影意指記錄正在發生事件的紀錄片，電影工作者不會介入影響影片的內容，例如《海的彼端》是臺灣第一部關於「八重山臺灣人」的紀錄電影長片；自然紀錄片則是記錄生態實際的樣貌，例如《看見台灣》。

實驗電影相對於「主流」電影，是一種完全不受拘束的拍片形式。此種電影工作者主要在挑戰傳統電影的內容以及放映方式。通常又以獨自執行為主，不受片廠及商業制度所控制。

動畫電影是透過動畫家們畫出一連串的畫面，讓攝影機逐格拍攝。一些真人無法演出的情境，或是技術上無法呈現的畫面，都可透過動畫的方式完成。動畫片的優點在於，可以呈現平常不易見到的事物，例如機器內部運作情形或外形變化的慢動作等。

許多著名的動畫電影來自美國華特迪士尼公司（The Walt Disney Company）［皮克斯動畫工作室（Pixar Animation Studios）於2006年併入迪士尼］，例如《動物方城市》（Zootopia）、《海底總動員2：多莉去哪兒？》（Finding Dory）；或是日本吉卜力工作室，例如《風起》；近年日本的動畫電影導演新海誠的電影也深深觸動觀眾的心，例如《你的名字》。

二、電視的製作

電視和電影都是透過影像表達劇情的媒體，不過其類型有所差別。

電視節目的類型可以依照性質與功能加以區分，一般而言分為四大類：新聞性、教育性、文藝性和服務性。內容比起電影類型更包羅萬象，篇幅可長可短。不同類型的電視節目，從不同的層面反映社會與人文關係，也從不同角度呈現電視在現代社會中所扮演的功能。

此四大類型的電視節目中，尤以文藝性節目構成電視傳播最重要的組成部分，可進一步細分為電視藝術片、電視專題片和綜藝節目三種基本類型。

電視藝術片意指以其他藝術樣式為主要表現對象，同時又能夠呈現出電視特有藝術美的節目而言。

其種類繁多，大體可歸納為電視音樂歌舞片以及電視風光風情片兩大類，前者如MTV音樂頻道介紹華語、日韓、西洋相關音樂專輯與訊息；而後者則帶觀眾認識地方文化、風俗民情，例如TVBS「食尚玩家」、八大電視臺「故鄉好滋味」介紹許多在地美食等等。

電視專題片指帶有社教性質的電視節目，通常針對時政、歷史、文化、社會、人物等特定主題進行深入介紹，結合新聞的時事性、生活的知識性以及綜藝的娛樂性。例如訪談性節目，最早為TVBS推出以政論為主題的「全民開講」，受到熱烈迴響，也帶動類似節目的推出。

近來人物專訪節目亦相當受歡迎，例如「TVBS看板人物」、「創藝多腦河」等。

電視綜藝節目則是以兩種或更多娛樂、藝術形式組合而成的節目，主持人為綜藝節目的靈魂人物，必須具備獨特風格、機智和喜劇的才能，讓觀眾能夠得到精神上的放鬆與享受愉悅感。

由於綜藝節目形式多樣、編排靈活自由，亦能讓觀眾擁有強烈的參與感，例如華視「天才衝衝衝」、韓國的「Running Man」，後者在韓國曾創下20%的高收視率，獲得許多綜藝與個人大獎，更帶起亞洲的韓流風潮。

新聞性節目為整體電視節目中不可或缺的一項，主要以每日定時報導時事或財經新聞為主。現今的教育性節目內容活潑、豐富、多元化，如Discovery頻道、國家地理頻道介紹科技知識、自然地理，適合各年齡層的民眾觀賞。服務性節目則常見於購物頻道，為民眾提供各種購物訊息，近年來已融入人們的日常生活中。

電視節目的製作風格，會隨著流行的更迭與觀眾收視習慣、收視率的起伏，作為節目製作風格的指引標的。

三、新媒體運用

隨著科技的進步與網路的普及，新媒體成為新興的傳播形式並快速的發展。

什麼是新媒體呢？相較於電視、報紙、廣播等傳統媒體，新媒體是一種相對的概念，透過網路上各種傳播平臺，達到互動性、即時性、共享性、社群化等傳播效果，顛覆傳統資訊的傳遞方式。

新媒體的形式不斷推陳出新，大致分為以下幾種類型：

1.提供圖文或影音資訊的綜合型網站，例如ETtoday東森新聞雲、中時電子報、壹電視NextTV、新頭殼、風傳媒等。

2.發表名人專家文章或專欄作家駐站，例如關鍵評論網、天下雜誌部落格。

關鍵評論網首頁，這是一群對現今媒體不滿而想有所改變的人們所創立的，網站文章除了陳述事實外，也提供多元觀點，讓社交網路世代的使用者能輕鬆的分享並參與討論。

3.  以特定族群為內容主軸的資訊網站，例如PanSci泛科學、T客邦、niusnews妞新聞等。

4.  以臉書（Facebook）等社群網站為平臺發表資訊或提供資訊交流，例如爆料公社、臺灣吧Taiwan Bar、臺灣鯛民。

5.  以美食、運動、美妝、親子教養、圖文創作為主題，具有一定瀏覽量或訂閱人數的部落客或Youtuber。

傳統媒體有地域性及時間性的限制，數位化的新媒體改變當今民眾訊息接收的習慣，只要可以上網，便可隨時隨地取得各種最新資訊，也可以留言互動或分享給親朋好友。因此，新媒體的崛起嚴重影響傳統媒體產業，臺灣許多具代表性且長壽的電視節目，也深受衝擊而面臨停播的危機，甚至具有高度專業的電視新聞也被波及。

新媒體瓦解了傳統媒體的霸權，人人都能透過網路展現自己，不過盛行的同時也帶來一些問題，例如素質良莠不齊、資訊來源不明、為了增加點閱率而炒作或捏造新聞、容易發生揭人隱私或製造謠言等事件。雖然新媒體傳播更為快速方便，但我們要學會篩選正確的資訊、獨立思考不被輿論左右、參考多方資訊互相佐證真實性，才能在「新媒體世代」中活用這項優勢。

參、表演藝術的製作與整合

你去過國家劇院看舞臺劇，或是在家鄉的廟口看野臺戲、布袋戲嗎？如果都不曾經歷的話，那麼可能曾在公園裡、街道上聆聽街頭藝人表演吉他或拉奏胡琴。

表演藝術就是這樣子，它可以是一場饗宴，也可以深入每個人的生活中，普遍到讓我們幾乎忘了生活中充滿了藝術。不過，要能夠真正地欣賞表演藝術之美，還需要多用一份心，因為表演的範圍實在太廣，一般來說，表演藝術多半是指在劇場空間演出的藝術型態，比較常見的表演藝術領域包括了戲劇、舞蹈、音樂。

表演藝術和視覺藝術不同，視覺藝術的本質是以作品來呈現藝術，而作品是以視覺目的為創作重點，例如繪畫、攝影、版畫等；有關三維立體空間物件的作品（例如雕塑和建築）則稱為造型藝術。而表演藝術則是以表演者來呈現藝術。

表演藝術的表演者包括演員、舞者、音樂家、歌手、魔術師等，也需要其他領域工作者的合作，例如詞曲創作者、劇場技術、編劇等。

戲劇是演員將某個故事或情境，以對話、歌唱或動作等方式所表演出來的藝術。戲劇有四個元素：演員、故事（情境）、舞臺（表演場地）和觀眾。「演員」是四者當中最重要的元素，他是角色的代言人，必須具備扮演的能力，這是戲劇與其他藝術最大的不同之處，透過扮演，角色才得以伸張，如果拋棄了演員的扮演，那麼所演出的便不再是戲劇。

戲劇的表演形式多種多樣，常見的包括話劇、歌劇、舞劇、音樂劇、木偶戲等。不同文化所產生的戲劇形式也各有特色，比如西方戲劇、中國戲曲、印度梵劇、日本能樂與歌舞伎等。

戲劇的起源實不可考，目前有多種假說。比較主流的看法有二：一為原始宗教的巫術儀式。比如在上古漢語中，「巫」、「舞」、「武」三字可能同源，是對一種乞求戰鬥勝利的巫術活動之合稱，即戲劇的原始形態。另一為勞動或慶祝豐收時的即興歌舞表演。

現代的戲劇觀念強調舞臺上下所有演出元素統一表現，以實現綜合的藝術效果。演出元素包括演員、舞臺、道具、燈光、音效、服裝、化妝、劇本、導演等的一切總稱，也包括臺上演出與臺下互動的關係。

舞蹈是以身體為語言，通常搭配音樂，以有節奏的動作為主要表現手段。舞蹈具有多元的社會意義及作用，包括運動、社交、祭祀、禮儀等。人類文明起源前，西方的舞蹈在儀式、禮儀、慶典和娛樂方面都十分重要，例如九千年前在印度的比姆貝特卡石窟的岩石壁畫和西元前3300年埃及墓壁畫描繪的舞蹈人物。

中國在五千年前就出現了舞蹈，秦漢之際形成某種特色，像是長袖細腰、飄逸輕盈、技藝並重、剛柔相濟。魏晉南北朝以來中外樂舞的交流以及唐代帝王的重視、楊貴妃等舞蹈家的出現，使中國表演性舞蹈空前繁榮。宋元明清以後，中國的表演性舞蹈逐漸融入戲曲，成為塑造角色、表達情感、展示劇情的戲曲化舞蹈。直至近代，作為獨立劇場藝術的舞蹈便日益完善和成熟。

一、進入劇本的狂想世界

藝術創作需結合智能、技能與豐沛的情感，以不同形式表現藝術，而創作的靈感則多來自於生活感受，透過蒐集生活材料深入特定主題的探討，藉語言、肢體、情緒、思考，具體表達內心感受，在聽覺、視覺、動覺上充分運用肢體感官，並與他人合作、互動溝通，進行共同創作，並呈現出美的展演。

劇本的閱讀在戲劇創作過程中，扮演啟發創意思維的先聲部隊。透過閱讀的過程，可以啟迪觀察力、想像力、理解力，是進入創作實務的良好開端。

STEP 1　翻開劇本第一頁

首先從頭到尾閱讀完整劇本，之後將自己的閱讀反應記錄下來，例如感到刺激的事件、感到困擾不解之處，或特別喜歡的地方等。爾後再次反覆閱讀，進一步釐清劇情內容及劇中人物情緒起伏。

STEP 2　注意劇本提供的所有訊息

正式進入深度閱讀之後，必須注意劇本提供的所有訊息，包括最關切的事物議題、時代背景、整體氛圍、道德倫理觀、角色的言行舉止、建築風格特色、音樂的形式與風格、服裝儀容等，都是協助理解劇本內涵的關鍵因素，也是提升閱讀者自我創作能量的訓練途徑。

STEP 3　閱讀劇本的技巧

建議從戲劇主要的六大內容對劇本進行解讀：
(1) 情節：內容、開頭、中間、結尾。
(2) 主題：生活、責任、觀點。
(3) 人物：生理情況、外表特徵、個性、價值觀。
(4) 語言：臺詞、對話、旁白、獨白、誦詩、歌唱。
(5) 時空：時間與空間的概念。
(6) 音樂：形式、風格、素材、功能、特色。

理解閱讀劇本的重要性與方法後，以下就節選自首創以散文結合音樂劇《小太陽：一個家的音樂劇》的片段劇本進行閱讀，開始創作實務學習的第一步。

黑夜裡的光舟

△舞臺主景全黑，只有巷口的街燈亮著。這是雨天的傍晚，颳著大風。
廣播的聲音：中央氣象局發布陸上颱風警報。強烈颱風艾爾西預計在明天凌晨兩點登陸臺灣本島，各地風雨已經逐漸增強，沿海低窪地區嚴防海水倒灌...（聲音漸弱）
△燈亮，爸爸在大書桌前看書、查閱資料。老大、老二，也在各自的書桌前寫功課，老三趴一旁玩玩具，媽媽在廚房忙著，白狗則躺在窗前看風雨。
媽　媽：（稍微提高聲音）誒。
爸　爸：（頭埋在書裡，很有默契地）嗯？
媽　媽：那個...（手上的家事讓她稍微分了神）...
爸　爸：（稍停，頭還是埋在書裡）怎麼啦？
媽　媽：（手上還是忙著，但嘴巴已經有空了）你可不可以叫老大去洗澡？
爸　爸：（頭依舊埋在書裡）老大，洗澡囉！

△半晌。
老　大：（頭也不抬，專心寫功課）為什麼不讓別人先洗呢？每一次都是我先？
爸　爸：（還是低頭查資料、寫稿）媽媽在煮飯。（翻書）老二在作功課。老三在…（抬頭看了一眼）玩。（父女對眼，老三微笑一下，爸爸又低頭翻書）你功課應該快寫好了（翻書）還是你先洗吧。
△又半晌。
爸　爸：（終於把書放下）嗯？好不好？
老　大：（也終於抬頭）哎喲！人家功課也還沒寫完啊，而且寫完之後人家也想玩一下嘛。
爸　爸：好啦？喔？今天還是你先洗吧。
老　大：好吧！今天還是我「先」算了。

△老大起身，一邊心不在焉地嚷著。
老　大：我的衣服呢？我的毛巾呢？我的外衣要不要換？肥皂在哪裡？
媽　媽：（低頭忙炒菜）你幫她拿一下衣服好不好？她的毛巾已經髒掉我把它洗掉了，你告訴她新買的毛巾擺在哪裡好不好？你把架子上的肥皂拿給她好不好？
爸　爸：喔。
△爸爸忙亂張羅著老大的衣服、毛巾、肥皂；與此同時，老大又隨意挑揀了一本書，坐下翻閱。

△老三突然手一攤，不玩玩具了。
老　三：大姐大姐，我問你喔。
老　大：（半晌）誒？
老　三：算了，沒事。（跑到老二桌邊，她不敢真正到桌前，只敢在桌邊遊走）二姐二姐，我問你喔。
老　二：問吧。
老　三：（小孩的本能告訴她，靠近二姐並非聰明之舉，回身繞到廚房）媽！

△老三在廚房黏著忙碌的媽媽。爸爸終於找齊所有東西，疊成一大包，來到老大面前。
老　大：（冷不防）爸爸我問你喔，為什麼我看書的時候，會忽然覺得我不是在看書，好像是在做別的事？
爸　爸：讓爸爸想一想，等等告訴你。
老　大：喔。好。（居然繼續看書不打算洗澡）
爸　爸：呃...對了。
老　大：嗯？
爸　爸：你忘了一件事。
老　大：喔？（試著回想自己忘了什麼）
爸　爸：（遞衣包）你該洗澡了。

△屋外狂風大作，燈光霎時間全部暗掉。全家人「啊」了一聲，白狗開始吠叫。
老　二：停電了！
△音樂響起，有種奇異的夢幻色彩。
△黑暗中家人們彼此呼喚著對方以便定位，媽媽帶著三個女兒聚到爸爸的書桌前，爸爸點起蠟燭，燭光好像有某種特別的磁性，把大家全都吸引住了。
媽　媽：（唱）漫漫的黑夜它無邊無際，從不敢闖進來家裡；門前的燈光能趕走恐懼，窗裡是金色的團聚。
老　大：（唱）今夜的風雨竟所向批靡，
老　二：（唱）電燈也擋不住攻擊！寒意在房門裡徘徊不去，
老　三：（搶唱）人變成海裡的魚。

△爸爸點了好幾枝蠟燭，像捧生日蛋糕似的。
爸　爸：（唱）點一枝蠟燭來召喚光明。點兩枝蠟燭來改變心情。第三枝蠟燭能創造奇跡，光影飛舞到夢裡！
全家人：（合唱）點一枝蠟燭來召喚光明。點兩枝蠟燭來改變心情。第三枝蠟燭能創造奇跡，光影飛舞到夢裡！
老　二：功課還沒寫完怎麼辦？
媽　媽：今天就先不寫吧。
老　大：那還要不要洗澡？
爸、媽：要！

媽　媽：沒流汗的話洗洗臉和腳，先睡覺，明天早上看得到東西的時候再洗吧。
老　三：那我們可以看電視了！
媽　媽：停電哪有電視看呢？
老　三：沒有電視看喔？
爸　爸：（唱）這還是我們家金色的團聚，風和雨都不會逼近。燭光的小船在黑夜裡航行，燈塔就在我們家裡。
媽　媽：（加入一起）燈塔就在我們家裡。
全家人：（一起唱）燈塔就在我們家裡。
△爸爸對準蠟燭，噘嘴一吹，「呼」的一聲，舞臺全黑。
△窗外一陣陣風雨，愈來愈響。
△本場終，接下場。

二、歌舞劇場的實務操作

將生活的經驗聯結想像，運用歌唱、圖像與肢體動作，表達意念，開發創作者的表演潛能，並實際學習劇場展演。從活動策劃中，享受專屬於個人或群組的創意計畫，一步步執行。

創作團體可分為數組，最後在觀眾面前表現富含美感的舞臺創意劇作。

STEP 1　分工合作動起來

請小組依照製作組織架構：藝術總監分為三組（音樂組、表演組、技術組）、行政總監分為兩組（宣傳組、文書組）。

藝術總監掌控音樂組（配樂選擇及歌詞改編）、表演組（編排肢體動作配合音樂律動或演唱，推動劇情發展）、技術組（負責劇場形象符號、道具、舞臺、服裝、燈光、音效設計），並負責掌控排練進度及完成度。

行政總監則負責管理文書組（相關文字記錄檔案製作、入場券及節目單製作）、宣傳組（海報設計，並推出周邊創意商品）。

參照右方製作流程圖： 「團體分組→小組討論→排練→劇場展演」分工合作。

STEP 2　啟動創意，創造劇碼

創意要能挑戰傳統思維，並嘗試創造新的意念，也就是一種創新。創意可以說是一種能力，或是思考的過程，並且能夠具體展現出來。創意不完全是與生俱來的天賦，更可以靠後天的訓練而激發。演出的劇本內容通常以集體創作的方式進行，通過想像力與創作力，將人、事、物進行不同的組合，故事內容可以超越現實世界，自電視、電影題材改編而成；或以另類童話故事的方式串連；抑或以親人、朋友間深厚情感為基礎，並增加浪漫甜蜜的愛情，讓故事發展更有趣味，且更具獨特性。

STEP 3　渲染情感的音樂創作

演出中的音樂可以分為背景音樂、情境音效以及歌曲演唱。試著與組員分析劇情後，使用不同類型的音樂導引觀眾進入戲劇情境，可靈活運用一些生活中的音效，或是古典樂、電影配樂等；亦能運用適合在該情境演唱的樂曲，諸如臺語歌曲、流行歌曲、經典老歌、電影歌曲或是兒童歌謠等，按照原有歌詞的字數，發揮創作能力，重新填詞以配合演出。

STEP 4　舞動肢體大顯身手

運用想像力將身體、聲音、語言表達對於劇情故事的想法。依照劇情的發展，適當加上舞蹈場景設計，可以是獨舞、雙人舞或是群舞。

STEP 5　創意logo延伸商品宣傳

透過文化、藝術、創意，與組員打造作品的形象，可設計專屬logo，置入海報、節目單以及入場票券等等，並試著開發其他商品，加強宣傳效果。

STEP 6　小試身手進行排演

準備適當的場景布置及道具，並依照角色的需要搭配服裝，統整各角色演唱之歌曲、舞蹈動作，好戲就要登場。

STEP 7　粉墨登場正式演出

不論在課堂上的小型演出，或在全校性場合公開表演，都能用攝影機全程拍攝，留下美好且珍貴的紀錄。

實務操作的課程安排中，親身經歷表演藝術的製作過程，整合小組團隊之多元能力，體會到在舞臺、燈光下的表演，或是幕後文字、音樂、圖像的創作，絕非易事，因此應更用心欣賞各類型的表演藝術，也必須尊重藝術工作的獨特價值。

三、藝文活動的組織企劃

一個完整的活動或展演，事前需要經過繁複縝密的設計與規劃，歷經前置的製作、訓練與演出之後，活動設計與行程規劃，也影響活動的迴響與回饋。一個完美的活動能夠呈現在觀眾面前，需完整規劃內容，包含基礎行動、企劃提出、執行規劃流程，與現場活動安排的基本形式等。

以下將以學校的校內社團活動為例，說明一場藝文活動舉辦的流程與時序安排。

企劃書撰寫

籌備藝文活動，首先制定活動企劃，主辦單位需具體提出活動目的，才能構思活動內容，並安排執行方案與落實計畫，最後建構出有效的回饋機制，落實在活動的推展中。

撰寫企劃內容時，要掌握6W2H1E這九大要素：

以下為○○高中辦理之「期末社團發表會」活動企劃書格式參考：

活動流程安排

藝文活動的舉辦應注意以下事項：活動主題、參加對象的需求、舉辦時間，以及考量到各項目配合之條件，如此才能精確掌握流程，也能讓觀眾看到精彩的活動。

以下為「○○高中期末社團發表會」當天的執行流程：

肆、表演藝術的劇場呈現

一、傳統劇場的演出形式

西方傳統劇場的歷史演進

劇場（theatre）一字的來源是希臘文 "Theatron"，意思是「一個看的地方」。簡單的說，劇場的基本結構主要由兩個部分組成：一是觀眾席（auditorium），也就是群眾觀看的地方；二是舞臺（stage），也就是表演者進行演出的地方。西方劇場形式的發展起源由來甚早，可追溯至古希臘、羅馬時期，此時期演出的功能機制，即已有初步的完整架構。

希臘早期具有儀典性質的戲劇，是一種全民的活動，因此露天劇場（outdoor 
theatre）成為最適合的劇場形式。西元前6世紀，希臘的露天劇場是由一片山坡和山腳下的一塊平臺所構成的，觀眾可在山坡上坐著觀賞，平地的表演區（orchestra），則供演員和歌隊（chorus）使用。

西元55年，羅馬人在龐貝建立了第一座永久性的石造劇場。雖然羅馬劇場以希臘劇場的形式作為建立的基礎，不過，兩者在空間架構概念上仍有顯著的不同；譬如，標準的羅馬劇場建在平地上，其舞臺高度與觀眾席相同，並且互相連結；而希臘劇場裡的舞臺與觀眾席則是分離的。

中世紀（Middle Ages）前期時，由於整個西歐政治文化受制於教會的嚴格規範，除了基督教會宗教劇（religious drama）大量的演出外，戲劇演出在其他方面，並沒有突出的活動或表現。 該時期的宗教劇演出，已出現大型布景，代表天堂、人間、地獄的景物都搭建在舞臺上。 中世紀戲劇演出的最大特色在於不需要固定的專設建築，也就是沒有固定的劇場建築。

中世紀

指西羅馬帝國的崩潰至文藝復興運動之間的時期（5-15世紀），此時期的歐洲教會壟斷多數社會資源，政教不分，教會也握有詮釋自然現象與制定社會規範的權力，又被稱為「神權時代」，普遍認為這是歐洲文明史上發展較為緩慢的時期。

宗教劇

約於11世紀左右，歐洲教會開始以戲劇演出的方式進行傳道工作，這種戲劇形態稱為「宗教劇」，內容主要取自《聖經》故事，語言均以拉丁文為主，並搭配音樂演奏。

當時演出場地大致分為三大類：

1.教堂內：10世紀左右，戲劇的演出多在教堂中進行，沒有固定的舞臺，劇情或故事多來自於《聖經》中之神蹟，演員也以教士為主。

中世紀教堂的舞臺陳列方式。景觀站設在教堂內部四周，中間空出來的地方則成為演員演出與觀眾觀賞的場地。每個景觀站都是獨立的，觀眾依循故事發展，順著景觀站，一站一站往下觀賞。

2.教堂外：13世紀左右，戲劇移至戶外的場地演出，地點多半在公共建築物前，如教堂外、廣場等。通常先搭建一個較高的舞臺，有時也會利用建築物前高出地面的門廊，畫分為表演區；觀眾可坐於臨時搭建的看臺上，或是尋找較高的走廊、附近臺樓席地而坐。

3.活動臺車：將簡單的布景裝置在馬車上，可靈活移動，在適當的地點即可隨時停紮，展開演出。車臺分為兩層，上層為舞臺，下層用帷幕遮掩作為演員化妝或休息之用。觀眾不需移動，只要選好定點，等候演出馬車前來，即可欣賞演出。

16世紀前，倫敦無任何劇場的設立，戲劇多於露天舞臺舉行；直到1576年，演員伯比其於倫敦城東建立「劇院」，當時劇院建築有兩種形式：露天劇場及室內廳堂。

文藝復興時期在義大利引發劇場革新運動，其所建立的劇場建築觀念與劇場形態，產生的影響一直延續至今。義大利舞臺的形制設計受到兩大因素的影響，一是維特魯威（Vitruvius）的建築學著作，二是透視法的研究。

維特魯威在西元前1世紀完成著作《建築十書》共十冊；其中第五冊專門討論劇場建築的相關問題，此部書一直到1414年才被發現。

在透視學方面，佛羅倫斯的建築師布魯尼斯奇（Brunelleschi）將前人的知識歸納、整理，之後許多畫家和建築師開始喜愛透視法所設計出的布景，利用舞臺兩側經過加工繪製的景片，呈現深遠壯闊的場景，如森林洞穴、廊柱、廣場建築等；充分利用透視美學（aesthetic perspective）的操作法則，達到逼真的視覺效果 。

第一個設置永久鏡框舞臺的劇院是1618年建立在帕爾瑪（Parma）宮廷的法納斯劇院（Teatro Farnese）。

鏡框式舞臺（proscenium stage）顧名思義是舞臺由一拱門形式，架構出實體的固定形構，就像鏡框或畫框一樣，將演員的表演區和觀眾的觀賞區明顯的分開。此時應劇情需要而設計場景的觀念漸漸形成，舞臺空間的設計，也較以往得到更多的發揮。

鏡框式舞臺示意圖。

17世紀到19世紀，劇場形式都以鏡框式大型劇場為主。17世紀中期，鏡框式舞臺已發展成熟，兩側翼幕（legs）、大幕、透視法布景、換景機械結構及製造特效的機關等，都沿用至今。在這段期間，劇場演出著重在各藝術流派，或劇場藝術家的獨特演出，從而實踐各項學理的劇場技術。不過基本鏡框式舞臺的劇場形式，並沒有太大改變。

20世紀的劇場與舞臺，擺脫以往狹隘的寫實觀念，加上科技的進步神速，劇場建築相關的結構學、機械學、聲學、光學、電學等，各領域都有新理論與新技術廣泛被應用，使現代劇場不論在建築外觀、舞臺機械設備或觀眾席的舒適多樣化上，都獲得很大的改善。舞臺可透過完善精密的電腦操控各種機械裝置，包括：電動轉臺、車臺、升降臺等懸吊起重裝置，也可透過電腦控制燈光系統，使舞臺演出效果更加完美。

二次大戰後，許多新興的劇場建築打破鏡框舞臺的形式，大量非鏡框式舞臺劇場出現，縮短表演者和觀眾的距離，營造更密切而直接的互動，大致可分類為三種形式：

中心式舞臺的表演區在中間，觀眾席圍繞著表演區。"arena" 字義原為圓形劇場，不過由於表演區與觀眾席的造形可能以正方形、多角形或是只有兩端有觀眾席的方式呈現，因而統稱為中心式舞臺。這種舞臺無法使用大型布景，因此只能利用高度不高的桌椅、櫥櫃等道具。

其優點在於，表演者被觀眾圍繞，觀眾可以非常親近演員，不過由於近距離的接觸，不能有太激烈或危險的表演動作，以免干擾觀眾欣賞演出，相對的，演員也容易受到觀眾的干擾。

伸展式舞臺又稱為開放式舞臺，為鏡框式舞臺的變形，兩者最大的區別在於前者有延伸到觀眾席的「突出」舞臺，觀眾席形成一個寬廣的弧線，三面圍繞著舞臺區，比起鏡框式舞臺與觀眾距離更接近，因此導演、演員和舞臺視覺設計必須非常謹慎，排場位置要顧及到每一面觀眾席。

宜蘭縣立文化中心演藝廳，即是伸展式舞臺。

黑盒子劇場為二次大戰結束後逐漸出現的劇場形式，是一種實驗型或沒有固定模式的劇場，舞臺形式打破了傳統舞臺與觀眾面對面的空間規範，表演區、觀眾區的位置、大小和高低都可以任意安排，因此觀眾能夠坐立在舞臺的兩側或四方，甚至部分舞臺更可延伸至觀眾席中，使觀眾與表演者距離縮窄，甚至成為演出的一部分。

中國傳統劇場的歷史演進

由中國原始時代的壁畫中，可發現刻劃人物身體姿態以及舞蹈動作的岩畫作品，由此可知，初民時期已有歌、樂、舞一體的觀念，奠定了先秦時期表演藝術活動的基礎。

中國漢代無論在民間或是宮廷皆流行「角抵戲」，民間的角抵戲表演場所大多由戶外野地移到人群齊聚的廣場或家中廳堂；而宮廷的角抵戲由於加入了貴族的藝術品味，及諸多傳自西域的競技表演，在表演內容及項目上都比民間角抵戲豐富許多，例如：技藝防禦、吞劍吐火、自縛自解，無不標新立異，因而又被稱為「百戲」。

隋唐時期，表演場所逐漸有固定的名稱，且劇場建築已稍具規模，有樂棚、舞臺、戲場與寺廟之戲臺等處。

百戲雜技的表演場所多以寺廟前的空地或是廣場為主；而唐代貴族士大夫看雜技百戲的場所稱為「看樓」、「看棚」，此時的雜技表演已開始注重觀眾的欣賞權益。不過，唐代民間亦流行「看棚」，是一種將觀眾及表演者容納在同一個空間裡的臨時表演場所；通常以屏風區隔，戲演完後看棚即拆除。而這種劇場形制也成為宋代「瓦舍」、「勾欄」等表演場所的前身。

宋代開始出現專門供表演者公開演出的場所「勾欄」，舞臺部分稱為「戲臺」，是有頂的建築；後臺稱為「戲房」；「樂床」是女伶坐的地方；「腰棚」則是看席，可容納數千人。

勾欄所演出的表演藝術形式非常多元：如小說、講史、諸宮調、武藝、雜技、皮影戲、說笑話、猜謎語、舞蹈等。

而大城市娛樂場所集中的地方稱為「瓦舍」，又稱為「瓦子」、「瓦肆」，同樣除戲劇之外，還有許多表演活動在此演出。

元代劇場表演多使用「歌舞」、「雜劇」的戲臺，觀眾圍繞舞臺四周觀看；之後逐漸發展背後有牆，觀眾在三面看戲的舞臺，形成在臺牆兩端築短牆，以加強正面看戲的效果，最後將舞臺的兩側也用牆封上，成為類似鏡框式臺口的形式。

清代宮廷建造一種上、中、下三層樓的特殊大戲臺，共有三座：熱河行宮中福壽園的清音閣、寧壽宮中的暢音閣、頤和園中德和園的戲臺，這些戲臺都是為了演出宮中特製的大戲、節戲而設立的。

戲臺的上層為「福臺」、中層為「祿臺」、下層為「壽臺」。壽臺是基本表演區，約196平方公尺；祿臺面積約壽臺的三分之一；福臺最小，僅有靠前檐的一小塊地方。壽臺的天花板有一部分是活動的，上面設有「天井」；而壽臺的地板也有一部分是活動的，下面設有「地井」，此兩種皆為演員表演戲劇性效果的特殊出入口設計。

此外，明清時期也因海上交通的便利，加速與西方文明的接觸，商業行為也活絡而多元，民眾擁有較多的個人資產，並享有更大的生活自主權。因此，市民文藝的發展，在此時期快速推進，文化表演藝術也進入日常生活，成為不可缺的娛樂項目。

劇場發展自近代起，開始仿效歐美，採用新的科技技術，相繼建造世界一流的表演場館。如臺灣於1987年建立之國立中正文化中心（2014年更名為國家兩廳院）；中國於2007年完成的國家大劇院。

國家兩廳院

1975年由和睦建築師事務所負責設計，耗資70億元，1987年完成，管理機構定名為國立中正文化中心，現已更名為國家兩廳院，目前是國家表演藝術中心的下轄單位之一。兩廳院的建築為傳統的中國宮殿式樣，內部採用各項先進設備及精良材質，具有世界一流的水準。

國家大劇院

國家大劇院於2007年完工，位於中國北京人民大會堂西側。設有歌劇院、音樂廳、戲劇場以及藝術展廳、藝術交流中心、音像商店等配套設施，建築四面有水池環繞，造形新穎前衛，構思獨特，體現了21世紀世界標誌性建築的特點。

而在地方性的劇場展演場館方面，臺灣自80年代開始，即在各縣市成立文化中心發展相關活動，其規模及硬體設施的配置也具有專業水準 。

嘉義縣表演藝術中心俯覽全景。該園區的創園宗旨即是以「文化公園」的概念為設計主軸。對提升地方民眾藝文活動的參與意願，及促進地方文化的藝術發展推廣，皆有相當的成效。

二、多元活化的劇場演出形式

環境劇場

「環境劇場」（environmental theatre）意指以環境為創作題材，結合空間、劇劇、舞蹈，配合現場情境設計創作演出，脫離舞臺鏡框式的表演形式，將演出者及肢體動作融入周遭景物。

此種劇場不一定在既定的室內空間，或是備有齊全設備的場所裡，而是開放性、戶外性的演出空間，包含廟口、街頭、公園、古蹟等，觀眾能夠自由選擇最佳的角度欣賞演出。

臺灣本土性劇團金枝演社的許多劇碼，即是透過此種環境劇場概念進行展演的。例如2005年10月於淡水的二級古蹟滬尾砲臺首演《祭特洛伊》，此為戶外古蹟劇場的演出形式，利用砲臺作為主要舞臺場景，讓觀眾能夠直接、自由的觀看。而《祭特洛伊》也在2015年10月再度於淡水的雲門劇場演出，重現戶外環境演出臨場實境。

秀琴歌劇團於2016年4月在臺南億載金城演出的《番婆弄昭君》亦是典型的戶外古蹟劇場，此劇內容來自中國歷史傳奇「昭君出塞」，運用親近大眾的演出手法，並且利用億載金城入口處的城門牆作為主要舞臺，觀眾進場時需要越過護城河引橋進入城門洞，城門洞廊道中間擺放著昭君出塞搭乘的裝飾華美的轎子，城門洞前則是一個半圓形古典花卉圖案的景片，彷彿穿越時光隧道，進入這部戲劇的歷史背景。

位於嘉義縣阿里山上的鄒族文化園區，重現鄒族的傳統樂器演奏，並藉由情境的設計，與阿里山的空靈山谷和茶園融為一體，在戶外空間演出臺灣唯一的原住民定目劇，讓觀眾融入自然景觀中的原住民人文風情。

閒置空間再利用

「閒置空間再利用」意為將古蹟、歷史建築、廢棄的空間在保存其原本舊建築的空間與樣貌下，透過重新設計，將原已喪失機能的建築物再利用，成為城市的藝文分享空間。

「閒置空間再利用」為行政院文化部近幾年極為重視的政策，期望能擴大臺灣整體藝文展演空間的使用。

閒置空間再利用的範圍很廣泛，諸如酒廠、糖廠、港口倉庫、舊鐵道等，臺北市華山1914文化創意產業園區即是利用臺北酒廠的舊建築重新整建而成的。

2002年將菸酒公賣局民營化後閒置的酒廠進行活化再利用，為解決華山長期藝術表演權與公民使用權之間的爭議，因此將原本華山藝文特區整併調整為華山創意文化園區，進一步作為推動文化創意產業之特別用地。

此創意文化園區涵括了不同的藝術展覽表演，包含展演活動、發表會、戲劇演出、研習會、音樂會、創意藝術市集等。

臺灣早期製糖業發達，但由於社會經濟結構的轉換，許多糖廠經營已沒落，不過經過活化再利用，荒廢的糖廠也能成為民眾欣賞藝文活動的空間。臺南市總爺藝文中心即為典型的「古蹟活化再生」的例子。

總爺糖廠創立於1910年，在日本殖民統治時期屬於明治製糖株式會社總社，歷經內海淤積、麻豆港消失、糖業式微後，糖廠也面臨了關廠的命運，經過麻豆地方人士極力搶救，1999年總爺糖廠被列為臺南縣縣定古蹟，並成為「閒置空間再利用」及「藝術家進駐」的實施點。現今總爺藝文中心經常舉辦各種藝術文史、音樂展演與生態活動等，也經由藝術家的進駐促進與鄰近社區的藝文互動。

高雄市駁二藝術特區位於港口碼頭，是經由港口倉庫改建而成的藝文空間。「駁二」意指第二號接駁碼頭，駁二倉庫原是港口倉庫，學者推測此倉庫應是於日本殖民統治中期開闢蓬萊商港區之後所建造的，後因功能消失而被閒置。

2001年一群熱心藝術家及藝文活動人士以駁二碼頭為基點，成立駁二藝術發展協會，其後，高雄市政府文化局承接駁二藝術特區，並以此為「社區藝文中心」、「在地藝文資源起始點」、「高雄港灣藝文休憩中心」、「南臺灣文化創意產業」的作業平臺，開拓了大高雄一個嶄新的藝文發展舞臺。

伍、表演藝術的多媒體表現

一、什麼是多媒體

多媒體（multimedia）意指文字、美工圖片、聲音（包含音樂、語音旁白、特殊音效）、動畫和視訊的任意組合，並透過電腦或其他電子化或數位化的處理來發布傳播。

也就是說：多媒體是結合數位化處理（digitally manipulated）的文字、相片、圖片、動畫與影片等各元件的綜合體。如果由多媒體使用者來操控何時發布，及發布哪些元件時，便可稱為互動式多媒體（interactive multimedia）。

多媒體運作模式相當複雜，不僅需要了解如何使用各種相關元件，同時還必須熟練使用多媒體電腦工具與操作技術，才能將這些元件成功的串連。

在現今科技發達的社會中，多媒體技術帶給傳統電腦系統及一般的音訊、視訊系統震撼性的變革，對於大眾傳媒，甚至人們的工作、生活娛樂，都產生巨大影響。

二、劇場與科技的結合

由於科技的進步，表演藝術的舞臺展演結合了多媒體應用，演出過程讓聆賞者如臨故事之中。

印象系列

「印象系列」是由張藝謀、王潮歌和樊躍組成的表演藝術「鐵三角」，在中國推出的大型山水實景演出樂舞劇。

該系列從2003年陸續推出《印象劉三姐》、《印象麗江》、《印象西湖》、《印象海南島》、《印象大紅袍》、《印象普陀》、《印象武隆》、《印象五台山》、《印象馬六甲》等。

其中《印象西湖》故事全劇圍繞著西湖山水的靈魂，融合杭州民間故事、傳說與神話，演員們在水中搭建的舞臺涉水而舞；配合奇幻的燈光效果與音樂，以肢體呈現西湖山、水、月、古城、荷葉、游魚等大自然美景，讓觀賞者跨越時空，共遊西湖的精緻，聆享杭州的秀麗。

《印象西湖》所有巨型的山水布景與道具，完全採用最先進的綠化環保材質，可拆卸組裝。因此白天在西湖表演場域周邊，完全看不到任何人工科技的設備痕跡。

西仔反傳說

「西仔反戰役」是指中法戰爭（1883年12月至1885年4月）期間，法國遠東艦隊與清軍在臺灣北部與澎湖之間發生的戰役總稱。「西仔」指法蘭西（法國）；「反」字通「叛」，意指戰爭動亂。

《西仔反傳說》是一大型戶外劇場，運用與歷史事件相關的中 法戰爭舊址：滬尾砲臺公園（又稱「和平公園」）為演出場地，結合淡水河岸老街，成為移動式的戶外劇場空間，集合淡水表演團體及一般民眾來共同演出。

三、科技多媒體的展演形態

將表演藝術與多媒體影像科技結合，以呈現數位表演藝術作品。

安娜琪舞蹈劇場（Anarchy Dance Theatre）

謝杰樺（1980-）於2010年成立安娜琪舞蹈劇場，舞團名稱來自於 "anarchy" 的音譯，期許作品能持續推展舞蹈的想像，讓臺灣的舞蹈擁有更多元的理解方式。舞團積極建構屬於自身的舞蹈訓練方式，專注培養舞者對內在肢體、外在環境的敏銳觀察力，以舞蹈作為藝術創作的途徑，並不斷尋找屬於自身的當代表現形式。其舞蹈與科技結合的作品，獲得國際間許多迴響，包括2011年《第七感官》與2015年《Second Body》。

謝杰樺

1980年生於臺北，大學就讀國立成功大學建築學系，因為對現代舞的興趣與喜好，自臺北藝術大學舞蹈創作研究所畢業後，投身現代舞領域，在建築與舞蹈的雙重背景之下，其作品顯現獨特的創作思維。

著名的作品包括獲得國藝會與兩廳院所贊助並獲選為該年度新人新視野專案優良作品的《安娜琪的夢想》和《1980的安娜琪》、受邀為臺北藝術大學舞蹈表演研究所畢業生賴炫均所編創並深獲好評的《Anarchy》、獲得由文建會所主辦「2008舞躍大地」優選獎的《Falling Kiss》、世安美學獎的現代主義作品《灰階混亂》等。在他的作品中，獨特的空間概念以及鮮明的肢體風格是最為人津津樂道的部分。

謝杰樺於2009年秋季前往美國科羅拉多學院擔任客席教師，並獲選為臺北國際藝術村出訪藝術家，受邀於2010年在德克薩斯基督大學和科羅拉多學院發表新作。

作品《安娜琪的夢想》受邀於美國「科羅拉多舞蹈節」、紐約2010年「全球舞蹈藝術節」、印度加爾各答演出。並於2010年秋天，受邀前往為新加坡Frontier Danceland舞團創作新作，並於新加坡濱海藝術中心Studio Theater發表。2011年發表了舞蹈與科技跨界製作《第七感官》環境建制計畫的呈現作品，廣受好評。

除了劇場內的藝術作品，謝杰樺也參與2009年高雄世界運動會開幕演出的舞蹈統籌與編排的工作。

七姐妹劇團
（Seven Sisters Group）

英國的七姐妹劇團是德國藝術家托馬斯（Susanne Thomas）於1994年創立，運用科技作為介質，結合了現代舞蹈、裝置、影像和口語來反思傳統和現代發展，傳達當代問題，作品包含2010年《Atalanta》、2012年《Like a Fish Out of Water》等。

劇團利用影像與舞者的配合和虛實交融的舞臺空間作為創作主軸，串連舞者的演出、即時影像合成系統與互動裝置，挑戰實體表演與虛擬多媒體的影像極限。

例如《Like a Fish Out of Water》作品，營造一種魚離開水的畫面，融合舞臺裝置、手機攝影技術，成功吸引觀眾目光。

數位表演藝術節

文化部於2010年提出「科技與表演藝術結合旗艦計畫」，藉由「辦理數位表演藝術節、徵選表演藝術團隊創作跨界作品，以及成立表演藝術與科技跨界工作小組」三大工作項目培育跨界創作人才、推廣優質數位表演藝術、增加藝術欣賞人口，以及促進經驗觀摩交流。故從2011年至2016年，每年辦理不同主題的數位表演藝術節，展現臺灣藝術科技的整合成果。

《驅動聲音的光》跨域音樂會

國立臺北藝術大學音樂學系與法國里昂國立音樂研創中心（GRAME）跨域合作，於2018年11月2日舉辦「聲音藝術實驗計劃互動藝術創作」之《驅動聲音的光》跨域音樂會，透過跨域合作運用音樂、舞蹈、多媒體影像科技等藝術表現，結合並創造視覺與聲音的新情境。

法國里昂音樂研創中心

於1982年創辦，主要提供概念發想和實踐的平臺。該中心同時也著力於音樂和科學方面的研究，並為藝術帶來創新之想法。

四、從框幕到影框

表演藝術的呈現方式除了舞臺上的展演外，有時也會結合影像攝錄科技，將舞臺戲劇搬上大螢幕，以下舉例三個轉化並以電影形式呈現之作品。

《魔法黑森林》（Into the Woods）

由美國「音樂劇之父」桑德海姆（Stephen Sondheim, 1930-）與著名編劇拉派恩（James Lapine, 1949-）根據《格林童話》改編而成的《拜訪森林》百老匯音樂劇，於2014年改編拍攝成電影版本《魔法黑森林》。

由於《拜訪森林》本身即具有相當高的知名度，因此電影《魔法黑森林》中的情節幾乎保留了原創作的完整故事內容。而藉由電影大螢幕的呈現方式，使劇場藝術的表演形態更加立體且豐富。

故事融合了英國童話《傑克與豌豆》及德國《格林童話》中《灰姑娘》、《小紅帽》和《長髮姑娘》共四個故事與角色，帶起觀眾兒時童話記憶。

音樂劇

又稱為歌舞劇，是結合音樂、歌曲、舞蹈和對白的一種戲劇表演，透過劇情與演員的語言表達、音樂、動作，以固定的演繹方式傳達給觀眾。

知名劇目包括：《真善美》、《西城故事》、《悲慘世界》、《貓》、《歌劇魅影》以及《拜訪森林》等。

《魔法黑森林》

2014年由馬歇爾執導的美國奇幻歌舞片，改編自獲「東尼獎」殊榮的百老匯音樂劇《拜訪森林》，迪士尼公司製作發行，為此公司自1999年《安妮》以來製作發行的首部百老匯歌舞片。

《悲慘世界》

《悲慘世界》為小說改編的法語音樂劇，以1832年巴黎共和黨人起義為背景，講述劇中人物在多年前為了受飢的家人而偷取麵包遭判重刑，假釋後計畫重新做人、改變社會，但卻遇上種種困難的艱辛歷程。

百老匯版本從1987年3月12日首演到2003年5月18日結束，共演了6,680場。隨之而來的無數巡迴版、國際版和地區版被搬上舞臺，2012年改編自音樂劇的電影正式上映。

《悲慘世界》

電影於2012年12月25日上映，環球影業發行，是改編自同名音樂劇的音樂劇電影，該音樂劇又改編自1862年雨果所著的同名小說。

《悲慘世界》音樂劇誕生於1980年代晚期，在25周年紀念音樂會後，製片人麥金塔宣布該片的電影版開始重新製作，主要演員在2011年確定。該片的主體拍攝開始於2012年3月，並在英國的溫徹斯特、倫敦和朴次茅斯等多地拍攝，法國巴黎也是拍攝外景的地點之一。

《媽媽咪呀！》（Mamma Mia!）

2008年《媽媽咪呀！》電影改編自1999年起公演的同名音樂劇。電影版大部分在希臘的小島拍攝，並結合了多媒體與表演藝術。

五、各類媒體宣傳載具使用

科技日新月異的快速進步，不僅帶給人類便捷的生活，也為表演藝術提供更快速且效果更為顯著的傳播媒介。

網路資訊（network information）

網際網路（internet）的發達，使許多表演藝術團體透過此媒介提升能見度，不但增加與觀眾互動的管道，也縮短與觀眾間的距離。因為社會大眾訊息取得模式的改變，讓表演藝術訊息和知識的傳遞與分享，更為快速直接。

例如文化部的「網路劇院」，蒐集表演藝術的各類資訊，並累積許多表演團隊的展演訊息。

網路劇院

文建會「網路劇院」從1998年開站，2012年改制為文化部之後，為廣大的群眾提供國內最豐富的數位藝術知識庫網站，為建構良好的藝文數位化環境，除了提供表演團隊即時表演訊息與資料更新外，也希望民眾皆能享有平等的藝術生活權利。

網際網路對於表演藝術團體的影響不只於此，大多數表演藝術團體自行架設網站，打造獨特風格的互動式網頁，除了分享近期表演資訊外，觀眾也可以在購票前先了解演出節目的內容與劇情，亦或搜尋演出內容的相關討論或評論，或是在互動模式區如（留言板）與演出團員進行對話。

此外，手機app的盛行，也帶動許多藝文團體透過遊戲程式的設計，結合傳統表演元素與現代科技，亦讓藝術團體多了一個與消費群眾直接互動的行銷宣傳管道。

藝術公關宣傳行銷

早期表演藝術的領域中，少有藝術與行政的分權概念，重心多放在藝術的展演與創作，行政工作並未受到應有的重視。直到近幾年，因演出環境日漸複雜，藝術表演者本身無法兼顧行政事務，藝術行政的專業意識才逐漸抬頭，並開始產生藝術創作與行政分權並重的文化生態。

在今日，許多表演藝術團體會將藝術展演與行政經營視為同等重要的部門。

雖然「藝術總監」代表團體的藝術權威身分，不過行銷卻需要靠「藝術公關宣傳」來進行，提升藝術的知名度與形象，更可以得到外部資源、擴大藝術市場，例如以下舉例。

藝術總監

藝術總監是職業表演團體的靈魂，也是藝術事務負責人，首要任務是為表演團體確認主要發展特色與定位；而絕大多數的藝術總監還要具備為劇團籌款的能力。一個表演團體的盛衰，也往往取決於藝術總監是否具有優異的創作力和卓越的藝術視野。

財團法人國際新象文教基金會是臺灣最早成立的藝術經紀公司，1978年以「活動推展中心」為名成立，將所有因人文及自然而產生的活動涵括在內，並以藝術及運動為主軸舉辦各種不同類型的藝術活動，對當時的社會風氣、潮流、藝術環境、群眾觀念、國際視野等，都產生了極重要的影響和改變，也因此開創了經營藝術行銷的先河。

藝術經紀公司

藝術經紀公司主要的營運項目：為國內外的表演藝術團體或個人規劃演出相關事宜，並且幫助其推廣行銷。藝術經紀公司必須視代為經紀的團體、個人的各種情況，尋求最佳的合作模式，以降低自身的節目製作成本。不僅可協助藝術團體或個人，順利的展現其藝術專業，也提升民眾對藝術文化的欣賞涵養。

爾後成立的許多藝術經紀公司，皆發展出個別特色，也推動不同範疇的藝術活動發展。如新逸藝術有限公司，主要將包含歐洲、美加地區、中國及東南亞的世界級華人音樂表演藝術家，引薦進入臺灣的藝文市場，讓民眾有進一步了解、聆賞的機會。

新逸藝術有限公司官方網站， 經營全球華人音樂家的推薦平臺業務，也舉辦音樂星秀的巡演活動。

安徒生和莫札特的創意成立於2011年，屬於表演藝術整合製作公司，主要經營項目包括表演藝術演出製作、教育培訓及發行出版，並秉持童心與創意，希望透過音樂和故事，將表演藝術自然而然地帶入生活，其建立的教育與培訓機制，經由與國際專業人才交流，創造臺灣表演藝術活絡且永續發展的產業鏈。

此外，寬宏藝術為南臺灣最早成立的藝術經紀公司，近幾年引進許多有名氣、世界級的大型表演藝術團體或個人至臺灣演出，如2014年《歌劇魅影》、2015年《迪士尼音樂劇－米奇的搖滾冒險》等劇碼。

電視廣告

電視向來是人們最常使用且喜愛的傳播媒體之一，透過節目的播出與廣告宣傳，民眾可以快速獲得最新的知識與訊息。由於快速散布及普及化的特質，許多表演藝術團體也利用電視廣告的功能來行銷，例如雲門舞集、霹靂布袋戲與明華園、個人表演技藝達人都曾結合業界，拍攝電視廣告，進行異業聯盟宣傳。

由此可了解，科技媒體發達的今日，受到外在環境多元的影響，表演藝術團體不再只利用平面、階段性的行銷手段，也增加了聲光影音的宣傳媒介，以吸引更多觀眾進入劇場欣賞演出活動。

快樂學習

❶如果你是一活動宣傳的主角，會使用哪種方式宣傳自己？請說明理由並試著設計宣傳內容。

❷分組並就本課《小太陽：一個家的音樂劇》的劇本內容，進行朗讀實作。

❸實際到劇場觀賞表演藝術的演出，試著寫下表演類型、劇場形式、表演特色以及心得感想。