●藝術生活（音樂應用）Ch04

一、影像中的聲音要素及功能

我們生活中所接觸到的影像，如電影、電視節目、動畫影片等媒介，聲音都扮演著十分重要的角色。影像中的聲音，除了讓影像生動活潑，更可幫助觀眾體會影像所要表達的情感。

影像中所聽到的聲音音量，不一定與實際生活中所聽到的音量相同。

例如在電影《蝴蝶》（Le Papillon, 2002）中，小女孩麗莎在人車擾嚷街道的公共電話亭旁邊，等候媽媽打電話來，一般而言，觀眾在鏡頭所表現的距離下，是聽不見公共電話聲以及小女孩與媽媽的對話，但電影刻意將音量放大，清楚表達小女孩一心等待媽媽，媽媽卻說要加班時的失望情緒。

影像中的聲音要素，可分為語言、音效、音樂元素三大類。

影像中的語言元素，包含人物之間的對白、影像畫面之外的旁白，以及講述主角內心感受的獨白等。

例如電影《潛水鐘與蝴蝶》（The Diving 
Bell and the Butterfly, 2008），男主角尚多明尼克因為罹患罕見的閉鎖症候群，全身癱瘓無法言語，只剩下左眼還有作用，影片中男主角大量地獨白，讓觀眾清楚感受到他內心的世界，成為該影片的一大特色。

音效元素指的是影像中除了音樂與對話之外的所有聲響，如車聲、電話鈴聲、風聲、器械打鬥聲等，用來增加影像的說服力及戲劇張力的聲響效果。

例如在電影《駭客任務》（The Matrix, 
1999）中，子彈以慢速度飛向片中主角的特寫鏡頭所產生的低頻聲響，以及男主角藉由電腦程式學會中國功夫一試身手的打鬥場面，拳腳聲與跳躍飛騰的聲響，就是吸引觀眾的音效展現。

音樂元素則是指影像中所出現的音樂，除了搭配烘托劇情的配樂外，也包含在劇情中實際發生的劇情音樂。

影像中的音樂元素在不同的時代中呈現出不同的面貌。

二、電影配樂的發展

19世紀末，原本靜態的影像隨著攝影機、放映機的相繼發明，成為可播放動態影像（moving image）的電影。

百年來，動態影像發展出電影、動畫、電視節目、廣告、音樂錄影帶等類型，配合影像的聲音，也發展出對話、音效、配樂等三要素，使動態影像的表現更加豐富。

隨著同步收音技術的提升，預錄的音樂取代樂團的現場演奏，使電影的進行更為流暢，電影配樂便成為作曲家發揮創意的新舞臺。

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1881年法國科學家馬雷發明快速攝影槍，可以在1秒內拍下12張照片，為攝影機的前身。

1891年愛迪生（Thomas Alva Edison, 
1847-1931）成功研發使用膠捲底片的活動影片攝影機（kinetograph） 與電影放映機（kinetoscope）來記錄影像。

1895年，法國的盧米埃兄弟（ Auguste
Lumière,1862-1954; Louis Lumière, 1864-1948）發明電影機（cinematographe），可讓多數人同時欣賞大螢幕，成功播放史上第一部電影短片《工人下班》（Sortie des 
Usines Lumière à Lyon, 1895），確立現代電影的形式。

無聲電影（默片）年代（1895-1920）

1895年盧米埃兄弟的電影問世時，影像還沒有任何聲音，需聘請樂師或樂團在現場演奏，為「無聲電影」（silent film）配上氣氛音樂，這是電影與音樂的首度接觸。

1910年以後，電影公司開始委任作曲家為影像譜寫音樂，並在播映現場由樂團演奏，聖桑斯、蕭斯塔科維契（Dmitri Shostakovich, 1906-1975）、札梅奇尼克（John Stepan
Zamecnik, 1872-1953）都為無聲電影創作配樂。札梅奇尼克更在電影放映的現場指揮樂團演奏。

無聲電影的經典作品包含 《國家的誕生》（The Birth of a Nation, 1914）、《國家的殞落》（The Fall of a Nation, 1915）等。

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「美國電影之父」格利菲斯（David Wark 
Griffith, 1875-1948）1914年的電影《國家的誕生》，講述美國南北戰爭與戰後的重建，片長共3小時10分鐘，為當時製作成本最高的電影。

此片委託作曲家布瑞爾（Joseph Carl Breil, 1870-1926）創作民謠形式的配樂，自此，音樂成為電影的重要元素。由於此片十分賣座，數個管弦樂團於各大戲院巡演，隔年更開拍續集《國家的殞落》，成為史上第一套系列電影。

從無聲到有聲（1920-1930）

隨著電影製作技術的進步，1927年的《爵士歌手》（The Jazz Singer, 1927）由演員講述部分劇中的對白，是史上第一部「有聲電影」（sound film），但由於同步收音技術尚未成熟，大部分的片段仍為無聲的形式。

直到1929年驚悚片大師希區考克（Alfred 
Hitchcock, 1899-1980）的《黑函》（Blackmail, 1929），史上第一部同步對話與配樂的影片才出現。

同時期的喜劇大師卓別林（Sir Charles 
Chaplin, 1889-1977），1912年移居美國，開創喜劇默片事業。卓別林以誇張的表情與肢體動作，跨越語言限制，詮釋無以言明的思維。1930年代有聲電影出現後，卓別林仍堅持不使用對白，只使用配樂來烘托氣氛。

1936年上映的喜劇默片《摩登時代》（Modern Times, 1936），描述30年代美國工業化對人們生活的影響，飾演工人的卓別林接受僱主所發明「食物機」的實驗，音樂由低音管開始，其他樂器接續以短促斷奏，表現機器的聲響，十分逗趣。

卓別林對音樂的選擇十分嚴謹，常親自創作配樂來烘托劇情，他用嘲諷的方式，在片中以無意義字詞堆疊出逗趣歌曲，堅持默片的精神。《摩登時代》獲得金像獎最佳配樂獎的肯定，片尾音樂曲調優美，被爵士樂名歌手納．京．高（Nat King Cole, 1919-1965）填上歌詞，成為經典歌曲〈微笑〉（Smile, 1954）。

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「無聲電影」或「默片」經常被表面字義所混淆，以為是完全沒有聲音的電影，其實無聲電影與有聲電影的區別，在於是否加入語言對白的元素，默片雖然沒有對白，但藉著字卡與演員的肢體表情，以及搭配劇情的配樂，觀眾依然得以充分想像，進入電影的精彩世界。

電影配樂的黃金年代（1930-1950）

1930年之後，美國好萊塢（Hollywood）發展成為商業電影的中心，片商如米高梅（MGM）、華納兄弟（Warner Bros）、20世紀福斯（20th Century Fox）、派拉蒙（Paramount）等紛紛成立音樂部門，在電影音樂上進行系統化的整合，培養出大量專職電影音樂創作的人才，如許泰納（Max Steiner, 1888-1971）、黑爾曼（Bernard Herrmann, 1911-1975）、紐曼（Alfred Newman, 1901-1970）等。

這些作曲家都受過正統的古典音樂訓練，例如許泰納與馬勒（Gustav Mahler, 1860-1911）學習作曲；黑爾曼畢業於茱莉亞音樂院（The Juilliard School），並組紐約室內樂團（The New Chamber Orchestra of 
New York）；紐曼則是荀貝格的學生。

他們在配樂上擅長以大型管弦樂團的編制，表現出情感豐沛、張力強烈的後浪漫風格，也運用大量的增減和弦，讓音樂跳脫傳統大小調和聲，呈現出非調性的當代音樂風格，例如紐曼為惠勒（William Wyler, 1902-1981）的《咆哮山莊》（Huthering 
Heights, 1939）、 黑爾曼為希區考克電影配樂的《北西北》（North by Northwest, 
1959）等，都是膾炙人口的經典之作。

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出生於維也納的美國作曲家許泰納，師承布拉姆斯（Johannes Brahms, 1833-1897）與馬勒，擁有紮實的古典音樂訓練。移民美國後，為電影創作配樂，為史上第一位專職電影音樂創作的作曲家，作品超過三百部，包含《金剛》、《白雪公主》、《亂世佳人》、《北非諜影》等。

流行音樂的影響（1950-1970）

二次大戰之後，大眾娛樂產生極大變化，電視的普及使電影的觀眾人口遞減，電影公司為了商業考量，裁撤音樂部門，大量引進流行音樂，如搖滾樂、爵士樂作為電影配樂，並發行電影配樂原聲帶。

其中由披頭四（The Beatles）主演與演唱電影《一夜狂歡》的主題曲、美國雙人重唱組合賽門與葛芬柯（Simon & Garfunkel）為電影《畢業生》所創作的主題曲〈羅賓森太太〉，以及比吉斯（Bee Gees）為電影《兩小無猜》跨刀配樂與演唱的主題曲等，都是流行音樂與電影相互影響的代表作。

電子音樂 vs. 古典音樂（1970-1990）

70年代流行音樂，如迪斯可（disco）、龐克和饒舌（rap）等，呈現多樣的風格，而電子合成樂器的發展，也讓電子音樂成為電影配樂的新潮流，以希臘作曲家范吉利斯（Vangelis, 1943-）的《火戰車》、《1492征服天堂》為代表。

1970年代中期的迪斯可音樂，節奏強烈，是一種即興式的自由舞蹈。這張同時代的電影《周末夜狂熱》（Saturday Night Fever,
1977）劇照就是迪斯可的經典動作。

電子音樂興起的同時，古典風格的配樂並未消失，義大利國寶級配樂大師摩里科內（Ennio Morricone, 1928-2020）作有超過五百部深具藝術美感的電影配樂作品，如《荒野大鏢客》、《教會》、《新天堂樂園》、《海上鋼琴師》等。

其中《教會》描述天主教神父加百利在南美蠻荒傳教，感化當地土著信主；更為了護教不惜與教廷一戰，最後全體犧牲，是一部氣勢磅礡的史詩電影。全劇最出名的樂曲莫過於〈加百利的雙簧管〉，描述加百利被印第安原住民族包圍，他以溫柔深邃的雙簧管吹奏，消弭宗教與文化的對立。此片榮獲1986年坎城影展最佳影片金棕櫚獎。

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義大利電影配樂大師摩里科內，1961年以處女作《法西斯分子》初試啼聲。曾榮獲金球獎、葛萊美獎、英國影藝學院電影獎、義大利電影金像獎等四十多項獎項肯定，並在威尼斯影展、奧斯卡金像獎、盧卡諾影展等獲頒終身成就獎。

60年代與導演里昂合作，打造一系列義大利式的美國西部電影，如《荒野大鏢客》、《四海兄弟》，使他揚名國際；之後更以《教會》、《新天堂樂園》、《海上鋼琴師》等作品聞名於世。他的音樂蘊含深厚的古典素養，不論是浪漫抒情的旋律，或是磅礡壯闊的樂曲，皆具有撼動人心的力量。

此時期重要的美國作曲家代表有紐曼（Thomas Newman, 1955-）和威廉斯（John Williams, 1932-），前者結合電子音樂與傳統樂器，極富實驗色彩，其代表作有《海底總動員》、《瓦力》，後者則擅長以古典配器創作。威廉斯與導演史匹柏（Steven Spielberg, 1946-）合作的經典電影《大白鯊》，在70年代風靡全球。

其主題音樂的開場，弦樂以不斷反覆的 E-F 半音動機，象徵神出鬼沒的鯊魚在海裡潛伏尋找獵物。

此部電影榮獲第46屆奧斯卡金像獎最佳原創音樂獎項，開啟日後與史匹柏數十年的合作關係，寫下《E.T.外星人》、《辛德勒的名單》等作品。

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威廉斯是電影配樂界的巨人，作品包括《星際大戰》（Star Wars）系列、《超人》（Superman）系列、《E.T.外星人》、《侏儸紀公園》（Jurassic Park）系列、《哈利波特》（Harry Potter）系列等。他至今已獲奧斯卡金像獎45次提名，其中40次最佳原創音樂獎項提名，5次最佳原創歌曲（Best Original Song）提名，最終5次獲獎，此外還榮獲20次金球獎提名並4度獲獎。

威廉斯的科幻電影配樂氣勢銳不可擋，幾乎寫下了好萊塢科幻影配樂的半壁江山。這時期可與其匹敵的作品，當推哥德史密斯（Jerry Goldsmith, 1929-2004）的《星艦迷航記》（Star Trek: The Motion Picture, 
1979）。

其中〈星際迷航主題曲〉（Star Trek Theme）重新定位其音樂型態，不但成為星艦系列電影的代表性音樂，也獲得奧斯卡與金球獎的肯定。

多元並陳的時代（1990至今）

隨著資訊科技的發達，各種音樂元素多元並陳，即便是前衛的極簡主義（minimalism）音樂，也可成為電影《楚門的世界》（The Truman Show, 1998）、《時時刻刻》（The Hours, 2002）的配樂。

電影配樂不再拘泥於形式，作曲家不僅使用傳統樂器創作，也混合電子合成樂器等虛擬音源，其中以德國作曲家季默（Hans Zimmer, 1957-）最為人所知，其代表作有《神鬼戰士》、《黑暗騎士》、《星際效應》、《敦克爾克大行動》等。

季默作有超過百部的電影配樂，其中《神鬼戰士》描寫戰場上的常勝將軍，卻在權利鬥爭下淪為奴隸，為了生存與復仇，將競技場轉為戰場，最後導致羅馬帝國的滅亡。主題曲以略帶悲壯的旋律，象徵忠心不二的悲劇英雄，抒情的弦樂描寫其細膩深刻的內心世界，內斂自省。季默以緊湊的電子節奏、幽遠的人聲吟唱，以及磅礡的管弦樂團，交織成豪情萬丈的壯闊樂章。

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榮獲7座金球獎、7座奧斯卡金像獎、7座葛萊美獎的好萊塢配樂工作者季默，無論是氣勢恢宏的壯闊樂章，或是溫馨浪漫的都會小品，曲曲扣人心弦，引領當代的配樂潮流，其音樂風格與地位無可取代。

自1988年的《雨人》（Rain Man, 1988）首次入圍奧斯卡最佳原創音樂獎，季默成功地結合電子合成音色與傳統交響音樂，以高戲劇張力的配樂融入電影情節，被視為好萊塢動作電影音樂的翹楚。

好萊塢之外的電影配樂，如希臘作曲家卡蘭德若（Eleni Karaindrou, 1939-）在電影《永遠的一天》中，以濃厚的民謠元素，表現希臘傳統音樂的特色，此片曾獲坎城影展金棕櫚獎最佳影片的肯定。

法國作曲家提爾森（Yann Tiersen, 1970-）則是另一位以民間傳統音樂為素材的電影配樂家，他在《艾蜜莉的異想世界》，搭配大量三拍子華爾滋舞曲，營造出女主角明亮愉悅的個人特質，以及法國優雅浪漫的街景氛圍。

亞洲電影配樂通常極富東方禪意的深刻樂思，著名的作品有日本作曲家武滿徹（Toru Takemitsu, 1930-1996）的《亂》、久石讓（Joe Hisaishi, 1950-）的《龍貓》、坂本龍一（Ryuichi Sakamoto, 1952-）的《末代皇帝》，中國作曲家譚盾（1957-）的《臥虎藏龍》等。

臺灣著名導演李安（1954-）電影《臥虎藏龍》改編自王度廬（1909-1977）武俠小說《鶴鐵五部》（1940-1942），描寫四代俠侶之間的恩怨情仇。譚盾以豐富多樣的配器，為電影營造出東方史詩的效果。

在主題曲〈臥虎藏龍〉中，大提琴以悠揚深沉、充滿禪意的主題旋律貫穿整部影片，描繪情侶間壓抑多年的深情之愛。大提琴如泣如訴的低吟，表現劇中人物言談間的哲思與情感，透出一股深邃的東方氣質，此片榮獲奧斯卡金像獎最佳原創音樂獎。

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「武俠三部曲」是中國作曲家譚盾為電影《臥虎藏龍》、《英雄》和《夜宴》所作的配樂，故事包含綠林江湖的兒女情長、深宮內院的權力鬥爭，以及國家興亡的一念之仁。譚盾分別與古典樂壇三巨星——大提琴家馬友友、鋼琴家郎朗（1982-），及小提琴家帕爾曼（Itzhak Perlman, 1945-）合作，為武俠電影配樂開創新的里程碑。

印度電影中的配樂與舞蹈場景，也是別具特色，拉赫曼（A. R. Rahman, 1967-）的音樂富有濃厚的印度風情，並巧妙的結合電音和嘻哈等多種音樂元素，被《時代》雜誌譽為「印度莫札特」。

他為電影《貧民百萬富翁》創作配樂，這部描述出身孟買貧民窟的青年，在參與超級有獎徵答中的追夢過程，其中最終曲的〈勝利之歌〉（Jai Ho），男女主角相逢的火車站化身為寶萊塢華麗歌舞的場景，以富民族性的音樂貫穿其中，眾人歡唱逆轉命運的勝利之歌，讓人印象深刻。

三、電影配樂的分類

電影與音樂的關係十分緊密，電影配樂從音樂創作的角度，可分為原著音樂（Original Music）及非原著音樂（Non-original Music）。

原著音樂是作曲家為電影量身訂作的樂曲，如譚盾為《臥虎藏龍》飛簷走壁橋段所寫的鼓樂〈夜鬥〉（Night Fight）。

非原著音樂則是將既有的作品用在電影中，如維斯康提（Luchino Visconti, 1906-1976）在《魂斷威尼斯》（Death in Venice, 1971）中運用馬勒《第五號交響曲：第四樂章》（Symphony No.5: Ⅳ, 1901-1902）來貫穿全片。

電影配樂從配樂與劇情的關係，則可分劇情配樂（source music）以及非劇情配樂（score music）。

前者寫實，是為了增加劇情的真實感，如《英倫情人》（The English Patient, 
1996）中，女主角在鋼琴上彈奏巴赫鋼琴曲《郭德堡變奏曲主題》（Goldberg 
Variations: Theme）。

後者寫意，是為了烘托或強化劇情效果：如《似曾相識》（Somewhere in Time, 
1980）的男女主角生離死別的纏綿配樂。

綜合兩者，電影配樂可分為以下四大類：

1. 原著劇情音樂

為影片量身而作以增加劇情的真實感。電影《鋼琴師和她的情人》（The Piano, 1993）中女主角彈奏的主題曲〈應許〉（The Promise），是為該片量身而作。

2. 原著非劇情音樂

為影片量身而作以強化劇情。電影《大白鯊》的主題曲，以不斷反覆的半音音程象徵神出鬼沒的巨大鯊魚，增添劇情驚悚的張力。

3. 非原著劇情音樂

使用已存在的作品以增加劇情的真實性。電影《鋼琴師》（Shine, 1996）男主角彈奏拉赫瑪尼諾夫（Sergei Rachmaninoff, 
1873-1943）的《第三號鋼琴協奏曲》（Piano Concerto No.3, 1909）。

4. 非原著非劇情音樂

使用已存在的音樂以強化劇情。電影《2001年太空漫遊》（2001: A Space 
Odyssey, 1968）以約翰．史特勞斯二世（Johann Strauss II., 1825-1899）的〈藍色多瑙河〉（An der Schönen Blauen 
Donau, 1867）描繪太空船在無垠的太空中航行。

換你DIY

電影音樂搭配

請同學們分組，每組5至6人，選擇「現有或者是自行拍攝的5分鐘任意動態影像」，並搭配適合的配樂。配樂可選自現有之音樂，也可以自行創作。請說明所挑選配樂的理由，以及所要呈現的氛圍。