●藝術生活（表演藝術）Ch04

壹、文化對表演藝術的影響

一、戲劇之美學

西方戲劇與中國傳統戲曲為世界戲劇兩大基本系統，在獨具特色的文化薰陶下，產生各異的藝術氛圍。兩者的舞臺表現方式截然不同：西方的戲劇注重「寫實」，而中國的傳統戲曲則以「寫意」為主。

戲曲

戲曲是戲劇和曲藝的總稱，包含了文學、音樂、美術、舞蹈、雜技、武術及人物扮演的藝術。中國戲曲萌芽於秦漢，成就於宋元，為中國歷史悠久且獨具風格的戲劇形式。

西方的戲劇透過演員在舞臺上逼真的摹仿，再現現實生活狀態，使觀眾產生接近真實的幻覺感應。舉凡人物造形、外貌、布景、道具、服裝、動作、語調等，都追求貼近真實。

2018年，加拿大達辛妮亞劇團
（Dulcinea Langfelder & Co. Dulcineas Lament），《唐吉軻德的雙面繆思》。

音樂劇《歌劇魅影》配合劇情將船隻搬上舞臺演出

中國的傳統戲曲則完全相反，它不求逼真的生活動作，而是以誇張、裝飾或想像等「虛擬化」的方式來呈現，如以鞭代馬、以槳代船、以旗代車等，並配合鮮明的節奏模式和舞蹈動作。

砌末

砌末是傳統戲曲舞臺上的道具與一些簡單裝置的名稱，它們不是實物的仿製品，而是代替實物在戲曲表演中的一種藝術表現。包括生活用具如文房四寶、燭臺、茶具、燈籠、扇子、手絹，交通工具如車旗、船槳、馬鞭等，武打用具如刀、劍、鞭、棍等，以及表現場景環境的布置如門旗、布城等。

從演員和觀眾的互動關係來看：西方戲劇透過舞臺呈現真實的生活情態，讓觀眾產生身臨其境的幻覺，感知所看到的不是演出來的戲，而是真實的人生反映；而中國傳統戲曲的演員則從來不向觀眾隱瞞他們是在「作戲」，並承認舞臺上的一切其實都不是真實的。

二、戲劇表演特質

西方戲劇的表演相當講究體態動作的表現力，但更注重語言的表現特徵；這也是為什麼西方戲劇的基本形態又稱為「話劇」的原因。

話劇

話劇是以「對話」為主的戲劇形式，也可使用少量的音樂和歌唱穿插其中，但主要是透過演員在舞臺上的獨白或對白的敘述手段向觀眾呈現故事內容。

一般常見的西方戲劇皆為此形式，重要的代表作有莎士比亞的《羅密歐與茱麗葉》、《哈姆雷特》、《馬克白》等。

英國楊維克劇團（The Young Vic Theatre 
Company）《卡夫卡的猴子》（Kafka's Monkey），描寫改編自卡夫卡（Franz Kafka, 1883-1924）的短篇小說〈學院報告〉（Report to the Academy）,描寫黑猩猩向人類講述他的記憶以及蛻變為人的過程。是一齣演講文本的獨角戲，除了與觀眾互動的少數即興演出段落，並無增加過多新編臺詞。

西方戲劇表演中的言語動作，遵循的是對生活進行摹仿的原則，由於生長環境的不同，每一個人說話都有自己的特徵，這些特徵反映了性格特點。因此，寫實話劇中的對白、獨白、旁白，不論在音色、音量、音域、速度節奏和語調的運用方面，都盡可能接近生活語言的自然狀態，從而使每個劇中人的語言都有獨特的口氣和嗓音。

中國傳統戲曲的表演手段主要由「唱、念、做、打」組成，與實際生活情態的語言表達有很大的差別，屬音樂化的藝術語言。

2010年，臺灣豫劇團，《花嫁巫娘》，臺北市國家戲劇院。這齣新編豫劇是跨界演出的型態，運用現代話劇及歌劇的表現手法，還混搭京劇唱腔與臺灣民謠，別具特色。

戲曲中的「唱」，指演唱。為了塑造人物性格，根據劇情和人物情感的發展需要來安排，一般情節唱的不多，在劇中人情緒特別激動、矛盾衝突激烈的時候通常會有大段的唱。

「念」指念白，是一種音樂化了的語言，大致分為兩類：一、接近日常生活中的語言，稱為「散白」。二、經過藝術加工的舞臺語言，聲調抑揚頓挫，富有音樂性，稱為「韻白」。

「做」指身體動作、臉部表情等作功，包括手、眼、身、腳步的各種形體動作和甩髮、水袖等技法。演員運用這些動作突出人物性格，表達人物內心情感。

「打」指武打，即翻滾跌撲總稱，是傳統武術的舞蹈化，在戲曲中占有重要位置。

「唱、念、做、打」這四個表演手段都不是單獨運用，而是有機結合，融為一體的戲曲表演形式。

三、戲劇在舞臺之表現

西方戲劇採用的是分幕和分場制，舞臺上的時空比較固定，每一幕（場）基本上都運用寫實的布景，如宮殿、花園、客廳等。

舞臺的時間和地點一經確定便不再改變，而且在角色上場前，舞臺上的場域時空便可獨立存在。角色上場之後，就在既定的舞臺環境中進行表演。只要不換布景，無論角色上下場多少次，舞臺場域時空呈現的依舊是同樣的演出場景。

中國傳統戲曲則是採用上下場體制。舞臺上沒有明確寫實的布景，也不依靠舞臺技術創造現實生活的形象。在角色尚未上場前，舞臺場域的空間安置是未定的，不代表任何特定的地點和時間；角色上場後，具體的地點和時間才隨之在舞臺上呈現，而且是通過角色的唱念內容及肢體動作表示。

例如：一個圓場可以代表行程萬里、或空間轉換，一次上下場的轉換可能是短促的須臾之間，也可能是三年五載。角色下場後，這個具體的環境便隨之消失，此種對舞臺時間和空間處理的靈活性，成為戲曲藝術虛擬性的主要特點。

圓場

演員在舞臺上按圓形路線行進，表示空間的轉換。按速度快慢有走圓場、跑圓場；按所繞圈子大小，有大圓場、小圓場；按行進方向，則有正圓場、反圓場等。

不論是哪一方面的藝術創作形式或內容，都很難完全脫離其民族文化的影響，而真正的藝術在於強調創造性，並要求能呈現不同的變化，以期得到觀眾的目光與歷史的傳承紀錄。藝術作品涉及的審美觀因人而異，但藝術本身的內在豐富性與特質，往往能讓觀賞者藉由寄情、抒發等轉化過程，一探生命中最深刻的體驗。

貳、臺灣特色表演藝術與團體

臺灣的表演藝術產業日趨茁壯，越來越多的表演藝術在各地演出，舉凡個人或是團體，不論是傳統藝術，或是以創新方式結合多媒體的方式演出，都展現出無限的創造力，除了帶給民眾嘆為觀止的表演外，在國際的藝術節慶活動上亦表現亮眼，深獲好評。

一、臺灣定目劇

十鼓文創園區

十鼓擊樂團成立於2000年，「傳創臺灣土本文化，發揚鼓樂藝術薪傳」是主要發展目標，「十」字代表著鼓棒交疊，匯集十方的能量。2007年十鼓落腳於臺南市郊區，承租閒置的臺南仁德糖廠建築，自給自足建造了一座占地約7.5公頃的十鼓文創園區。以活化閒置空間的概念，化身為亞洲第一座鼓樂主題國際藝術村。

十鼓曾獲海內外金曲獎、葛萊美獎、美國獨立獎三項大獎提名，並榮獲亞洲文化推展聯盟入選2013年「亞洲藝術瑰寶」臺灣代表團隊之一，2013年更推出電影《加油！男孩》。

為使世界看見臺灣傳統鼓樂之美，十鼓於其文創園區內的夢糖劇場策劃定目劇展演，每日分上、下午共兩場，每場四首樂曲，以十鼓特色鼓樂搭配中國笛融入武術，再加上燈光、配樂的輔佐，讓遊客在歷史建物內享受聲光並俱的震撼演出。

定目劇

定目劇一詞源自於日本，其詞意為定點、定時的表演藝術劇場。如美國百老匯《貓》、《歌劇魅影》或日本歌舞伎劇院表演。是代表國家軟實力的文化精華呈現。

國立傳統藝術中心

位於宜蘭縣五結鄉的國立傳統藝術中心，鄰近冬山河親水公園，於2003年10月正式對外開放營運，為全國第一個由政府主導設立的民藝技藝園區，以傳統藝術之薪傳為首要目標，兼具教育、文化、休閒等功能，肩負國內傳統藝術研究、保存、傳習、推廣的重任。

該中心每年皆會推出一部年度大戲，固定於廣孝堂結合園區地景環境與露天戲臺進行演出。

2016年度大戲《孫悟空鬧龍宮》，結合特技、傳統戲曲、民俗藝陣，以踩街方式逐漸走向定點的戶外劇場。

以往作品則包含 《廖添丁傳奇》（2012）、 《廖添丁傳奇2—櫻花劫》（2013）、《九尾狐》（2014）、 《擺陣》（2015）。

二、臺灣特色表演藝術團體

明華園

明華園為陳明吉於1929年所創立，於1979年由其子陳勝福接掌，開啟嶄新的一頁。在時代潮流的急速發展震盪中，明華園成為臺灣第一個以現代化、企業化、制度化手法經營的傳統劇團，其經營特色涵蓋建立現代編導制度、改善舞臺聲光效果、兼顧傳統與創新、深入校園培養年輕觀眾族群、主動與企業行銷結合等。創新、獨有的經營哲學，亦拓展了傳統藝術嶄新的生存契機。

明華園為臺灣目前規模最大，也是最著名的歌仔戲團之一，其下共設8個子團：天、地、玄、黃、日、月、星、辰，並有繡花園、勝秋團、揚明園、藝華園等4個協力團隊，組織已成龐大的文化事業體，不但成功將歌仔戲化身為最有群眾魅力的文化產業，更使這項表演藝術驚豔國際舞臺。

明華園的歌仔戲表演展現了千變萬化的藝術想像，融合民俗、戲劇、詩詞、音樂、舞蹈、雜技、美術、電影、現代劇場等多種藝術元素，並運用黑光劇（black theater）、空中飛人等特技效果，娛樂感十足。強烈的視覺色彩、豐富的聲光影音、具親和力的肢體語言，在在展現開朗熱情、廣納多元的演出風格。

黑光劇

黑光劇亦稱為「幻象劇」，是捷克戲劇活動中最特殊、知名度也最高的一種。演出方式是在全黑的舞臺上用黑燈打光投射在螢光繪製的服裝、道具、舞臺上，演員全身著黑衣，以默劇方式配合生動的表情、誇張的肢體動作與燈光輔助，營造出奇異幻麗的效果。

明華園亦在臺灣傳統戲劇創下多項首例，2007年《超炫白蛇傳》是全臺首創第一部實景體驗劇，結合現代多媒體科技，將整座舞臺化身為一座大型的裝置藝術，劇中「水淹金山寺」一幕，搭配現場水柱噴發的臨場感，令人感受有如置身3D科幻場景的極致體驗。

實景體驗劇

實景體驗劇以真實建築作為舞臺場景，運用各種舞臺與影視的科技多媒體，以特效演示經典故事情節，也可與觀眾互動。

近年來，明華園持續不斷地推出新作品：2015年《流星》、2016年《散戲》、《四兩皇后》，皆受到觀眾的喜愛。

亦宛然掌中劇團

1931年由李天祿（1910-1988）所創立，因唱工、口白與布景極為新穎，成立不到三年就與老布袋戲劇團宛若真、小西園相抗衡。日本殖民統治時期結束後，布袋戲成為主要娛樂，李天祿創造出京劇為底本、參考漳州京劇唱腔與身段的「外江戲」（指帶有外地表演風格的劇種），是其布袋戲風格的高峰。

1980年代，法國人班任旅（Jean-Luc Penso）來臺向李天祿學習布袋戲並將所學傳至法國，成立小宛然劇團，李天祿也受邀於巴黎市政廳開設大師班，並獲得法國榮譽軍團勳章騎士勳位。

李天祿於1985年獲得首屆「民族藝術薪傳獎」，並參與電影如《悲情城市》、《戀戀風塵》及連續劇《英雄世家》演出，使臺灣布袋戲透過影像傳播，成為傳統文化的表現與記憶。1996年，位於其故鄉三芝的李天祿布袋戲文物館開館，不僅作為臺灣傳統文化的記憶寶庫，更持續傳承、保存工作。

2018年上映的楊力州執導紀錄片《紅盒子》， 記錄臺灣布袋戲的興衰更迭，以及李天祿與其子 ——同為布袋戲大師的陳錫煌，彼此間的情感。

長義閣掌中劇團

長義閣掌中劇團創立於1947年，屢獲戲劇比賽優勝，成為具有地方性特色的民間社團之一。劇團歷經三代傳承，長期致力於布袋戲相關文物的保存，於2013年榮獲文建會時期文化資產保存傳統藝術類的殊榮。

長義閣每年固定推出創作新劇目，並積極推廣布袋戲，深入校園進行布袋戲的教學傳承，也培養傳統文武場的演出人員。

其創新品包括敘述歷史的《岳飛傳》（2013）、適合親子一同觀賞的劇碼《沒有耳朵的貓》（2014）、黑光劇《沉香打洞》（2014）、《寶蓮燈－劈山救母》（2015），以及開發設計創新布袋戲偶的作品《開台英雄顏思齊》（2016），該作品的後場音樂以傳統北管搭配爵士鼓、吉他、鍵盤樂器，造就一個嶄新的布袋戲賞析經驗。

上圖為2016年由臺灣南北傳統戲劇協會製作、長義閣執行之有別於傳統的創新戲偶演出作品《開台英雄顏思齊》。

下圖為後場音樂，以傳統北管搭配爵士鼓、吉他、鍵盤樂器等。

雲門舞集

1973年春天，雲門舞集創辦人林懷民以中國最古老的大型舞作名稱《雲門》作為現代舞團的名稱。這是臺灣第一個職業舞團，也是全世界第一個華人創立的當代舞團，帶動了臺灣現代表演藝術的發展。

綜觀雲門的舞作，衍化自古典文學、民間故事、臺灣歷史、社會現象，乃至前衛觀念的嘗試，舞碼豐富多元。

另一方面，雲門訓練舞者頗為嚴謹，方式多樣，包括現代舞、芭蕾、京劇動作、太極導引、靜坐、拳術、書法與老莊哲學等。而雲門舞集也以精湛的舞藝、獨特的肢體語言和無可取代的藝術內涵，在國際間備受好評。

基於文化藝術薪傳，雲門成立雲門2，持續培養年輕編舞家與專業舞者，接棒推廣舞蹈藝術。亦成立雲門舞集舞蹈教室，運用企業化的經營模式以傳承雲門創團精神，並開創表演藝術產業的另一道路。

雲門曾推出許多經典的舞蹈作品，包括1978年《薪傳》、1993年《九歌》、1994年《流浪者之歌》、1998年《水月》、2001年《行草》、2003年《松煙》、2008年35週年作品《花語》、2013年40週年作品《稻禾》、2014年《白水微塵》、2017年《關於島嶼》等。

漢唐樂府

漢唐樂府於1983年創立於臺北，以重建南管古樂及培訓人才為宗旨，並不斷嘗試新的表演形式。1996年編創發表之《艷歌行》，汲取傳統南管古樂與典雅梨園科步精髓，創作出新古典風格的南管梨園樂舞，實現了古典與前衛並俱，「立足傳統、再造傳統」的文化理想。

其主要作品有：1996年《艷歌行》、1997年《儷人行》、1998年《荔鏡奇緣》、1999年與巴黎小艇歌劇院（La Péniche Opéra）合作之中法古典歌舞戲《梨園幽夢》、2002年《韓熙載夜宴圖》、2006年《洛神賦》、2012年《殷商王后》等。

多年來漢唐樂府屢獲歐、美、亞地區國際性重要藝術節、大劇院邀演，頗受佳評。

台南人劇團

台南人劇團原名華燈劇團，於1987年成立，是光復後在臺南成立的第一個現代戲劇團體。自創團以來一直以「培育地方戲劇人才」及「實驗開發跨界且具本土特色的戲劇展演」為目標，作品多以臺語為主要舞臺語言，至今已推出五十多齣不同形式風格的製作演出，並且累積了三十多部原創劇本。

近年來致力推動「新劇展─尋找劇作家的台南人劇團」的新劇創活動，作品包含2004年《私房記》、2005年《念你如昔》等。

另一系列的作品則是以「西方經典劇作臺語翻譯演出」為主軸，作品如2003年《女巫奏鳴曲 - 馬克白詩篇》、2004年《終局》。

此外，「莎士比亞不插電」的系列作品，亦深受年輕觀眾喜愛，已先後推出多部作品如2004年《羅密歐與朱麗葉》，以及2005年以爵士藍調音樂語言融合莎翁戲劇的作品《哈姆雷》。

不僅展現臺灣在跨文化戲劇製作的高度創意與實踐精神，同時也積極引介當代臺灣優秀年輕劇作家的作品。該劇團作品的主要特色就是以創新實驗的手法，開啟觀眾看戲時的創造力與想像力。

不插電

不插電，就是 "unplugged"，直譯為「拔掉電源插頭」，原意為「不使用（電源）插座」，專指不使用電子樂器、不經過電子設備修飾加工的現場流行音樂表演形式，也指一種摒棄全電聲樂隊效果的音樂形式。

「不插電」音樂人用本身的聲部和鋼琴、木吉他、木貝斯或人的掌聲等原聲樂器來保持音樂的純樸性。

霹靂布袋戲

霹靂國際多媒體對布袋戲傳統藝術的承繼及創新過程，儼然可稱為是一部近代臺灣布袋戲產業發展史。從黃馬的錦春園開始，到國寶級藝術大師黃海岱創立的五洲園，再到黃俊雄創始的電視布袋戲；直至黃強華、黃文擇兄弟從其父手中承接衣缽之後創立的霹靂國際多媒體，不但在本業上更加精進，並且以企業化經營的方式，開創布袋戲在各種媒體與媒介上運用的舞臺，發展各項周邊商品，建立自我文化品牌與獨特優勢，跨足多項產業，打造特殊影視產業文化，也於傳統文化逐漸式微的逆境中開創新局面，突破以往的表演方式及格局，推出革命性的電影版布袋戲，創造另一種布袋戲文化新境界。

霹靂國際多媒體所產製之霹靂布袋戲劇集，乃因每齣劇名皆有「霹靂」二字得稱，並以1984年《霹靂城》為最初創始。然現為大家所熟悉認知的霹靂布袋戲，是指1988年《霹靂金光》以後，以素還真一角作為主線衍生發展的天下武林故事。

「霹靂」系列由黃強華職司編劇、黃文擇統籌口白，從《霹靂金光》、《霹靂眼》、《霹靂至尊》一路鋪陳而下，至2016年《霹靂狼煙之古原爭霸》已有66部之多，共計已播出超過二千餘集。

霹靂國際多媒體將臺灣的偶劇文化，帶上現代舞臺；而「角色扮演」（costume play）的另類藝術型態，亦強化其在當代臺灣表演藝術領域中的獨特地位。

除了電視節目、錄影帶出租、DVD、攻略本等將戲劇內容做不同形式的產品轉換之外，其延伸的周邊、授權產品多元且大量，舉凡食、衣、住、行、育、樂，幾乎每個面向都可以找到霹靂人物的蹤跡，說明霹靂國際多媒體成功開創臺灣特有的霹靂文化經濟，也讓我們看到文化與產業間無可限量的發展性。

優人神鼓

1988年，優人神鼓於臺北市木柵區老泉里的一座原始山林中創立，以獨特的藝術、文化、宗教概念將藝術融入生活，也讓生活進入表演團體中，奠定劇團的訓練及表演形式，也開啟一系列以擊鼓為主軸的經典作品。

「優」在中國傳統劇場的解釋正是「表演者」的意思，「神」則是指自己內心的寧靜，也是每個人身上所擁有的能量，「優人神鼓」之意即是在自身寧靜中，透過個人身上無形的能量所擊出的鼓聲。

中華文化自古以來對藝術最高境界的認定有相當嚴格的標準，真正的藝術家是必須要能將「道」（自我修練）與「藝」（藝術的學習與成長）融於一身，才能成就真正高度的藝術作品。

其演出於國際藝壇受高度重視，不斷獲邀參加國際重要藝術節表演，深獲好評。1998年，首齣經典作品《聽海之心》受到法國《世界日報》評為「法國亞維儂藝術節最佳節目」，2000年再度被讚譽為「法國里昂舞蹈藝術節最受觀眾歡迎的節目」。

2002年作品《金剛心》，榮獲 「第一屆台新藝術獎—表演藝術類首獎」； 2014年更榮獲「第一屆總統創新獎」 團體組之殊榮。

紙風車劇團

紙風車劇團成立於1992年11月，是一個以兒童戲劇為主要演出內容的表演團體。

劇團於2006年12月發起「319鄉村兒童藝術工程」，希望透過活動的推展，讓臺灣每個鄉鎮的兒童都有機會接觸到兒童舞臺劇的藝術表演。此活動採自由募捐的贊助方式，在過程中近八十萬觀眾觀賞演出、超過3萬人捐款。紙風車劇團在2011年12月於新北市萬里國小公演，完成臺灣319個鄉鎮的巡迴演出，耗時5年完成看似不可能的任務。

延續此精神，「紙風車368兒童藝術工程」隨之而來，不受城鄉差距等外在因素的影響，紙風車劇團融合美術、戲劇、舞蹈、音樂與黑光劇等多樣化元素的演出，透過藝術欣賞激發兒童的創意，並培養美學與關愛的能力。

延續此精神，「紙風車368兒童藝術工程」隨之而來，不受城鄉差距等外在因素的影響，紙風車劇團融合美術、戲劇、舞蹈、音樂與黑光劇等多樣化元素的演出，透過藝術欣賞激發兒童的創意，並培養美學與關愛的能力。

綠光劇團

綠光劇團1993年創團至今，以原創的中文歌舞劇作品激發臺灣藝文市場對歌舞劇的重視。繼創團作品《站在屋頂上唱歌》後，1994年描繪上班族的故事《領帶與高跟鞋》創下演出場數最多的紀錄，更獲邀至北京、紐約等地演出。作品《結婚？結昏！—辦桌》將族群融合問題以及人生經驗，以幽默詼諧的方式呈現，不僅票房開出佳績，並在2000年獲得金曲獎最佳作曲人獎、最佳作詞人獎、最佳專輯製作人獎提名。

綠光劇團於2001年開始將劇團回歸戲劇展演，創作貼近民眾真實生活的「國民戲劇」系列，從2001年推出《人間條件》至2014年《人間條件6》，一連6部作品成功地吸引許多從未觀賞舞臺劇的民眾走進劇場，並引進當代世界知名劇團的創意新作「世界劇場」系列，如2013年《CLOSER情迷》、2014年《八月，在我家》；也透過「臺灣文學劇場」系列，如2010年《清明時節》、2015年《押解－菜鳥警察老扒手》，與觀眾分享在臺灣生活的經驗與感動，認識優秀的本土文學家。

2018年吳念真和陳明章攜手打造音樂劇《再會吧北投》，述說50年代新北市北投區溫泉鄉的故事。

近年來，綠光劇團開創「表演學堂」規劃戲劇訓練課程，致力於戲劇推廣，以輕鬆有趣的呈現方式拉近民眾與表演藝術的距離，培養新一代的年輕觀眾走進劇場。

無垢舞蹈劇場

1995年創立於臺北，是臺灣一現代舞蹈表演團體，藝術總監為舞蹈家林麗珍，團長為設計家陳念舟。名為「無垢」，意指藝術的道路，是對至善至美無止盡的追求。舞蹈風格從臺灣本土素材出發，卻不受限於本土，融合前衛現代的視覺風格與沉緩細緻的獨特美學。「靜、定、鬆、沉、緩、勁」六字訣是無垢獨特的身體美學，並主張「中心點、中心圓、中心軸」為核心的身體，開創舞蹈嶄新語言。

藝術總監林麗珍秉持著對藝術的理想與堅持，以「十年磨一劍」、重質不重量的精神，淬煉出歷久彌新的經典之作，其代表作品有1995年《醮》、2000年《花神祭》、2009年《觀》、2014年《觸身．實境》、2017年《潮》，皆於國家戲劇院首演，亦受邀於國際重要藝術節演出，如法國馬恩河谷國際雙年舞蹈節、西班牙馬德里夏季城市藝術節、德國杜塞朵夫國際舞蹈博覽會、墨西哥塞萬提斯國際藝術節；2008年受中國邀請參與北京奧運藝術節，成為臺灣第一支由官方正式邀請於北京國家大劇院演出的藝文團隊。

1995年，無垢舞蹈劇場，《醮》。以中國古典美學為延伸，身體塗彩的男女舞者代表陰陽兩界的靈魂，如同民間祭儀或原始族群的慶典須以妝扮後的面容敬天禮地，以紋面；面具、塗彩作為儀式的初始。

2017年，無垢舞蹈劇場，《潮》，臺北市國家戲劇院。舞者身下的厚重白布意味著冰天凍地。

無獨有偶工作室劇團

無獨有偶工作室劇團創立於1999年，秉持「無物不成偶」的觀點以及「偶戲表現於現代劇場的可能性」之實驗精神，積極創作深具創意的作品，呈現以「偶」表達現代視覺媒介的無限想像，並大力推展現代偶劇在當代表演藝術裡的自由空間。同時，劇團也致力偶戲藝術的教育、推廣以及國際交流，希望帶動臺灣創新偶戲風潮。

劇團擅長將情感注入戲偶靈魂，找到新的偶戲演繹，以及人與偶之間互動的和諧感動。多元的演出，專業且細膩的操偶技巧，充滿創意的造形風格，為觀眾帶來許多想像空間。

其代表作品有2003年《小小孩》、2005年《戲海女神龍》、2008年《快樂王子》、2010年《剪紙人》等，並曾於2006年和國家交響樂團（National Symphony Orchestra, 簡稱NSO）攜手共同演出《火鳥》，為國內少見結合交響樂與偶戲的跨界演出。該劇團並改編安徒生（Hans Christian Andersen, 1805-1875）經典童話，以偶戲方式重新呈現，包括2015年《雪王子》以及2016年《夜鶯》。

勇氣即興劇場

勇氣即興劇場，2004年成立於臺北，是臺灣第一個專事即興劇的劇團。

自成立以來，持續舉辦各種形式的即興劇工作坊，積極推展即興劇這種全新的表演形式。2014年專屬的即興劇小劇場完竣，位於臺北捷運雙連站附近的70席「勇氣即興主舞臺」，固定每年公演定目即興劇。

2007年，勇氣即興在臺北主辦「亞洲即興劇運動大會」，與日本及香港即興劇團隊於臺北、香港兩地進行國際交流。2013年受邀赴上海現代戲劇谷市民劇場「華語小劇場作品展演」演出。

「讓即興劇在臺灣發生」是勇氣即興劇場勇往直前、努力實踐的目標！

2015年，勇氣即興劇場，《超即導演》，臺北市勇氣即興主舞臺。是一種新型態的「現場導演」即興劇形式，3位沒有劇本的即興導演，運用現場觀眾難以預測的建議為靈感，臨場發揮演出。

沙丁龐客劇團

沙丁龐客劇團成立於2005年3月，團名「沙丁龐客」這四個字來自於法文 "Saltimbanque"，意思是「街頭賣藝者，街頭藝人。小丑，江湖騙子。」藉由面具、小丑、歌舞、默劇、物件和體操等西方戲劇元素，融合街頭戲劇、馬戲團與肢體劇場的特色，摸索出新的表演形式。

沙丁龐客劇團的成立宗旨是「創作能反映當代社會現象與問題，同時又兼具藝術性與娛樂性的作品，以貼近民眾的戲劇形式，呈現出生活的真摯情感」。

2005年的創團作品《在世界的房間》，以及2007年由劇團創辦人馬照琪自導自演的女丑獨角戲《一個人的晚餐》，皆曾入選文建會計畫（現為文化部）前往法國亞維儂藝術節參與演出。

2008年兒童劇《馬穆與精靈》參加臺北兒童藝術節演出，並到花東偏遠地區學校進行義演。2009年作品《五個小丑與一張椅子》榮獲牯嶺街小劇場年度優良節目首獎。

「紅鼻子醫生計畫」源於馬照琪在巴黎求學期間曾接受小丑醫生的相關課程與訓練，回國後建立臺灣第一個「紅鼻子醫生」的小丑醫生團隊，為病童與家屬帶來歡笑。

紅鼻子醫生計畫

「小丑醫生」（clown doctors）是由紐約「大蘋果馬戲團」（Big Apple Circus）創辦人之一克利絲汀森（Michael Christensen, 1947-）首度提出，他於1986所建立的「大蘋果小丑醫生團隊」是全球首度將專業小丑帶入兒童醫療體系的團隊，後來影響到許多國家，在歐洲國家，或者是紐澳、南非，甚至是巴西等，都存在類似的小丑醫生組織。這是由一群受過專業訓練的演員，固定而長期為醫院裡的人們表演，透過量身打造的即興演出，幫助病童與家屬紓解苦痛，也讓長期服務的醫護人員獲得放鬆。

狠主流

狠主流為一個新穎而有活力的多媒體製作公司，成立宗旨是希望在創作以及演出之間，能超越主流與非主流、文化與商業、藝術與娛樂的界限。

以影像創作為核心，延伸出多元的設計與藝術創作，包括在2011年至2012年的數位表演藝術實驗計畫中，邀請編舞家周書毅共同創作《空的記憶》，以「空」和「記憶」為發展主軸，運用環景攝影、即時影像處理、感測器與無線舞臺裝置等技術的整合，創造一個虛實並存之「空的空間」。

2014年的作品《我和我的午茶時光》，演員在戲中使用平板電腦，舞臺背景亦投射出平板電腦的畫面，一方面顯示手機滲透現代生活的各面向，另一方面反映現代人過度依賴手機的現象，以大量多媒體成像，引出既真實又虛假、既存在又虛擬的雙重意味。

2016年狠主流首次與丹麥共同挹注資源製作，完成科技跨界表演計畫《臺北．哥本哈根》，丹麥埃爾西諾文化庭院（Culture Yard）致力發展的4D互動投影技術，由世界劇場設計大展首獎得主周東彥將劇場及影像成功串聯。此作品從丹麥國寶安徒生的童話開始敘述，用充滿魔幻感的4D互動投影技術，追蹤臺灣與丹麥兩地的生活點滴。

互動投影技術

3D投影技術讓平面的畫面，投射成立體的畫面，而目前最新的4D互動投影技術則將人與機器交互的概念引入，打造可互動、更擬真的虛擬場景。

參、國際特色表演藝術與團體

國際表演藝術市場蓬勃發展，從各國的傳統表演藝術，到當代科技與藝術結合的表演，國際間的文化交流讓我們更加了解各國的文化特色，因而拓展世界觀。

一、國際特色表演藝術

泰國箜舞（Khon）

華麗深奧的箜舞，為一種戴上面具的角色扮演舞蹈，亦被稱為面具舞劇，源自於阿瑜陀耶王朝（1351-1767），當時是只有貴族男性才能粉墨登場的宮廷娛樂。早期箜舞演出的製作費用極高，大量的服飾、精巧的面具、頭飾及其他的裝飾物需要由非常熟練的工匠精心製造，因此只侷限於宮廷中演出。

傳統箜舞表演的故事背景取自一系列泰國民族史詩《拉瑪堅》（Ramakien）的重要章節，以善惡對抗作為原始命題，由舞者、伴奏和旁述者三者高度藝術合作的表演形式，融合了舞蹈、音樂、詩歌、武術和皮影藝術，呈現泰國舞蹈藝術注重造形美的特點。

箜舞的角色分為男人、女人、惡魔及猴子，舞者的臺詞由旁白讀出，演出中每一個動作都代表一種特殊的涵義。

箜舞難度高且排場宏偉，舞者、音樂伴奏、 旁白需培養完美的默契，是集動作複雜的舞蹈、音樂、詩歌、武術於一體的表演。

日本文樂（bunraku）

最初被稱作「人形淨琉璃」的日本傳統藝能，現在通稱為「文樂」，是諸多人偶表演藝術中的一種，最早出現於17世紀初期。透過精準的操作表演，人偶劇從江戶時代（1603-1867）經歷數百年結合了街頭說唱藝術傳承至今。

淨琉璃一詞含有「美麗寶石」之意，15世紀中葉作為全新說唱藝術的「淨琉璃」誕生。

16世紀後半期，加入了三味線的伴奏，後來又融合了木偶表演。現在的木偶演出需三人操縱，分別是「主控者」操縱脖子和右手，「左控者」操縱左手，「足控者」操縱腿腳，每人都要按照主控者的暗號，統一呼吸節奏，表現木偶的動作。在舞臺上，只有主控者會露臉，左控者和足控者都穿著黑衣並遮住臉。

文樂在1995年被指定為國家重要非物質文化遺產；2009年9月亦入選聯合國教科文組織非物質文化遺產名錄，是一項寶貴的日本民間傳統表演藝能。

三味線

三味線（shamisen）是日本傳統弦樂器，與中國的三弦相似。

樂器由四角狀的扁平木質板面蒙上皮製成，一般用絲做弦，也有用尼龍材料做成，在演奏時，使用撥子撥弄琴弦。

越南水上木偶（water puppetry）

水上木偶是越南最具特色的傳統民間舞臺戲，又可稱為水上木偶戲，通常在越南鄉村各處的池畔上表演。水上木偶戲偶平均約四十公分高，以輕的木頭刻製而成。

因越南鄰近中國，依據史料記載，中國亦曾有水上木偶演出的偶戲紀錄，最早可追朔至曹魏時期《三國志》裴松之注《魏書．杜夔傳》之記載。因此，有一說法為越南的水上木偶是由中國傳入的。

水上木偶一般於節日或喜慶時候上演，表演臺是在水上搭一座紅瓦磚頂的小水榭，稱為「水上神亭」，由隱藏在後臺的演員用長線或竹竿操縱戲偶。

越南的水上木偶擁有獨一無二的演出方式，最特別的地方是戲偶於水面上演出，表演者必須長時間浸泡於水中，利用其強勁的臂力及純熟的控制技巧，讓戲偶活靈活現的演出各種傳說故事，其動靜合宜的神態令人讚賞。

二、他國定目劇

韓國《拌飯秀》（BIBAP）

為了向全世界宣傳韓國經典美食「拌飯」，由韓國農林水產食品部、三星集團及韓餐世界化推進團共同企劃，於2011年5月在韓國首爾以定目劇正式演出，特別聘請韓國《亂打秀》與《Jump秀》的舞臺劇導演崔哲基（Choi Cheol Gi）擔任監製。

《亂打秀》

韓國導演崔哲基於1997年推出《亂打秀》，其靈感來自「四物農樂」。在早年農業社會中，農樂是民眾生活娛樂與表達情感的媒介，主要由四物（四種樂器）演奏：鑼、小鑼、長鼓、圓鼓。

《亂打秀》是韓國第一部無言舞臺表演劇，以幽默手法敘述廚師在時間緊迫的情況下準備婚禮宴席而惹出的麻煩，搭配鍋、碗、瓢、盆組成的打擊樂，呈現強烈的節奏感以及歡樂的趣味性，現場氣氛熱絡，深受好評。

《Jump秀》

《Jump秀》結合韓國傳統的跆拳道、飛腳術、功夫等東洋武術，和精彩的空中雜耍與歡樂生動的音樂，由7至8人演出，每人都有獨特的造形，從遊戲人物角色、中國功夫好手李小龍等裝扮，運用豐富的肢體語言及臉部表情，劇情融入韓國傳統家庭、友情觀念，是一齣拳腳相向、詼諧風趣的功夫特技舞臺秀。

該劇以默劇形式呈現，融合打擊特技、中國功夫、有氧舞蹈、B-boy、跆拳道等肢體運動，並用無伴奏合唱（a cappella）以及節奏口技（beatbox）配音。透過強烈的重節拍、充滿活力的人聲節奏與精采舞蹈，完整呈現切菜、炒菜、淘米的聲音效果，藉以描寫廚師們身體不由自主地隨著節奏擺動，並一邊完成拌飯的喜劇。

B-boy

B-boy是breakdance-boy的縮寫，遍指熱衷於嘻哈文化的愛好者。約1970年源自於紐約，與Breaking有著相似的舞步，為動感和節奏感非常強烈的舞蹈形式，B-boy能夠利用肢體動作和節奏表達自己的想法或感受，通常這些具有特色風格的動作被稱為「霹靂舞」，因此B-boy也廣泛被認為是霹靂舞者。

皇家莎士比亞劇團
(Royal Shakespeare Company)

皇家莎士比亞劇團是英國極具影響力的劇團，也是目前規模完整、組織最健全的職業劇團之一。主要演出地點在英國埃文河畔斯特拉特福，是文豪莎士比亞的出生地，另外於倫敦亦經常有演出。劇作忠實呈現莎士比亞時期的英國文學語言，在莎劇演出的歷史和權威性，是舉世聞名的。

莎士比亞

是英國文學史上最傑出的戲劇家，被尊稱為「莎翁」。1590年到1613年是莎士比亞創作的黃金時代，早期劇本主要是喜劇和歷史劇，後期作品以悲劇和悲喜劇為主，留下38部戲劇、155首十四行詩、2首長敘事詩和其他詩歌等等。其戲劇作品有各種主要語言的譯本，且表演次數遠遠超過其他戲劇家的作品。

劇團成立於1961年，前身為有著一百多年悠久歷史的莎士比亞紀念劇院（Shakespeare Memorial Theatre），這座紀念劇院成立於1875年，曾在1925年獲得皇家特許狀（Royal Charter），於1961年承英國女王伊莉莎白二世（Elizabeth II, 1926-）之命更名為「皇家莎士比亞劇院」（Royal Shakespare Theatre）。

該劇團雖以演出莎劇而聞名，但亦不乏古典及現代名劇的作品。近年來除了致力於培育人才外，對學生團體以及參觀民眾亦開放課程，讓戲劇觀賞者的年齡分布更趨年輕化。

三、國際特色表演藝術團體

馬林斯基劇院基洛夫芭蕾舞團暨交響樂團
（Mariinsky Ballet and Orchestra of the Mariinsky Theatre）

被譽為「俄國古典芭蕾之最」的基洛夫芭蕾舞團，原為馬林斯基劇院其附屬的芭蕾舞團。擁有二百多年輝煌歷史，該舞團多次走過不同的歷史政治轉折，歷經帝俄到蘇聯解體，其團名亦更名三次之多，但最為人熟知的還是基洛夫芭蕾舞團。

基洛夫芭蕾舞團承繼了歷史傳統榮耀，所以紀律嚴明，其舞者接受最嚴苛的訓練，挑戰自我體能極限，舞團得以維持精湛的水準，因此培育出許多世界偉大芭蕾舞星，如尼金斯基（Vaslav Nijinsky, 1889-1950）、帕芙洛娃（Anna Pavlova, 1881-1931）、巴瑞辛尼可夫（Mikhail Baryshnikov, 
1948-）、馬可洛娃（Natalia Makarova, 
1940-）等。

早年舞團受限於共產體制，舞碼製作極為封閉，而後受到蘇維埃國家民族主義意識高漲，編舞家伐伊諾能（Vasily Vainonen, 1901-1964）的作品《巴黎火焰》（The Flames of Paris）成了時代的產物。俄國向來以芭蕾舞劇聞名，雖不缺乏芭蕾舞劇可演出，不過隨著時代潮流演變，拓展新舞碼成了舞團努力的方向，因此與多位編舞名家合作，如享有「現代芭蕾舞之父」美譽的佛金（Michel Fokine, 1880-1942）的作品《火鳥》（The Firebird）、巴蘭欽（George Balanchine, 1904-1983）《四種氣質》（The Four Temperaments）、尼金斯基《春之祭》（The Rite of Spring）及佛塞（William Forsythe, 1955-）等現代舞作，為基洛夫芭蕾舞團朝全方位的演出形態發展。

薩爾茲堡偶戲歌劇院
(Salzburg Marionette Theatre)

1913年奧地利雕塑家艾舍（Anton Aicher,
1859-1930）在薩爾茲堡運用其製作的木偶演出莫札特（Wolfgang Amadeus Mozart, 
1756-1791）歌劇《巴斯汀與巴斯汀娜》（Bastien und Bastienne），因而成立了薩爾茲堡偶戲歌劇院。

透過精緻小巧的木偶演出西方音樂史上具代表性的歌劇曲目，且擔任幕後音樂錄製的歌唱家、指揮家和管弦樂團，都是非常傑出優秀的人才，因此吸引了世界各地的歌劇愛好者。除了演出莫札特的歌劇作品外，該劇院亦致力於新作品的創作並積極擴大劇目，特重適合兒童觀賞的童話故事。

碧娜．鮑許烏帕塔舞蹈劇場（Tanztheater Wuppertal Pina Bausch）

德國現代舞編舞家鮑許（Pina Bausch, 1940-2009），1960年於紐約茱麗亞音樂學院深造時即獲頒特殊學生獎，同時她亦加入紐約大都會歌劇院芭蕾舞團，開始她的職業舞者生涯。1973年接任烏帕塔芭蕾舞團（Wuppertal Opera Ballet）藝術總監一職，後來鮑許將該舞團改名為「烏帕塔舞蹈劇場」，有許多原創的固定舞碼，並且時常在世界各地巡迴演出。

烏帕塔舞蹈劇場的舞碼大多來自與現實生活接近的童話、夢境及神話的片段，搭配類似交響樂般的音樂，將真實與幻想相互交融。

歷年作品包含1967年《片段》（Fragmente）、1974年《費里茲》（Fritz）、《慢板─五首馬勒的曲子》（Adagio - Fünf Lieder von Gustav Mahler）、1980年《一九八○，碧娜．鮑許的一個舞作》（1980 - Ein Stück von Pina Bausch）、1998年《熱情馬祖卡》（Masurca Fogo）、2007年《碧娜．鮑許的一個舞作，未命名》（Ein Stück von 
Pina Bausch）。

德國導演溫德斯（Wim Wenders, 1945-）為鮑許所拍攝的半紀錄片式的舞蹈電影《Pina》（2011），採用3D拍攝手法，場景主要是烏帕塔舞蹈劇場；其中收錄著名的四齣舞作：〈春之祭〉、〈慕勒咖啡館〉、〈交際場〉、〈滿月〉。

2015年六度訪臺，帶來作品《巴勒摩、巴勒摩》（Palermo Palermo），此劇內容描寫1989年柏林圍牆轟然倒下，德國在歷史上所留下的特殊一刻。

弗洛茲劇團（Familie Flöz）

德國弗洛茲劇團成立於1994年，是一個集結劇場工作者、演員、舞者、音樂家、導演、面具、燈光、服裝設計等的默劇劇團。創辦人舒勒（Hajo Schüler, 1971-）和米查羅斯基（Markus Michalowski）皆畢業於著名的福克旺藝術大學。他們以面偶默劇樹立獨特演出形式，藉由面具帶來的假象，注入人類的真實靈魂，透過肢體表達，不需語言就能啟動觀眾的笑與淚。

弗洛茲劇團的作品《天堂大酒店》（Hotel Paradiso）曾巡迴21國，並於世界知名的法國亞維儂藝術節、英國倫敦默劇節、以色列藝術節、布拉格國際藝術節、波蘭華沙默劇節等19個藝術節中演出，2014年首度來訪亞洲，第一站就選在高雄表演。

太陽劇團（Cirque du Soleil）

1984年由街頭藝人拉利伯特（Guy Laliberté, 1959-）與史特．克洛伊克斯（Gilles Ste-Croix, 1949-）創立於加拿大鄰近魁北克的一個小鎮拜爾聖保羅，其為馬戲藝術和街頭娛樂的戲劇性組合的表演團體。

太陽劇團甫成團之際，以雜耍、跳舞、踩高蹺、噴火，搭配原創音樂為主要特色。1987年第一次造訪美國，為洛杉磯的觀眾帶來全新的劇場體驗。1990年初進入歐洲，開始於倫敦和巴黎演出。

1993年於美國拉斯維加斯首演的作品《Mystère》，其劇情取自希臘羅馬的神話，搭配驚險的高難度動作，如平衡、跳躍及空中技巧，令人讚嘆。首演至今二十餘年，仍是太陽劇團於拉斯維加斯長年演出的經典作品。

其他在拉斯維加斯長年演出的作品有2006年《The Beatles LOVE》、2008年《KÀ》、2011年《Michael Jackson ONE》等，亦有新作品於全世界各地巡迴演出，如2010年的《Totem》、2012年的《Amaluna》、2015年的《TORUK - The First Flight》等。

世界秩序（WORLD ORDER）

近年來受人矚目的世界秩序，2002年於日本創立，為舞蹈結合音樂的創意表演團體。其舞蹈風格為機械舞，音樂則以輕鬆愉快的搖滾樂與日本流行音樂為主。最大特色是穿著黑色西裝搭配電子節奏，於熱鬧的街道上表演機械舞，透過重複的循環動作，展現視覺錯亂的效果。

該團曾赴紐約、倫敦等地演出，且為拍攝歌曲《The Next Phase》MV，到法國巴黎的羅浮宮、巴黎鐵塔、凱旋門等觀光景點前大跳機械舞。2015年受邀參加日本職棒的開球式，以「千手觀音」的動作進行開球，造成熱烈迴響。目前共發行三張專輯與兩張單曲，作詞、作曲與編舞，皆由團員自行創作。

肆、表演藝術的經營與發展

一、臺灣表演藝術產業發展現況

藝術可以改善生活品質，可以提高全民的創意與活力，亦可改變社區的生活風貌，同時也具有經濟影響力，包括博物館、劇院、音樂廳所衍生的文化生產與藝文消費體系，都帶來相當規模的文化經濟價值。

表演藝術不僅具有經濟影響力，隨著國際情勢與環境的演變與發展，透過國際交流，可以促進各種文化族群的對談，不會受到政治或語言因素的干擾。廣義來說表演藝術的交流亦可成為文化外交的一環。

《2015臺灣文化創意產業發展年報》將表演藝術產業定義為：從事流行音樂以外之音樂、戲劇、傳統戲曲、舞蹈之創作、訓練、表演等相關業務、表演藝術軟硬體（舞臺、燈光、音響、道具、服裝、造形等）設計服務、經紀、藝術節經營等行業。而根據表演型態其大致可分為音樂、現代戲劇、傳統戲曲、舞蹈等四大創作與表演類型。若就產業的概念來看，則是以圍繞這四大表演類型所衍生的相關周邊服務等經濟活動。

因此，臺灣表演藝術產業的整體發展情況，在官方的數據統計方面將之與音樂產業統合整理。

以下就表演藝術產業在臺灣的發展概況自2009年到2014年間，分別依經營團體數量暨成長概況、營業額暨成長概況的統計數據，對產業發展概況進行了解。

產業經營團體數量暨成長概況

在產業經營團體數量的歷年統計資料中，2009年至2014年的變化，從1,607家增加至3,005家，6年間的成長率為86.99%。不過，近幾年來經營團體數量之成長速度有略為減緩的現象。

產業營業額暨成長概況

在產業營業額的官方統計方面，2009年至2014年間，臺灣表演藝術產業的營業額從84.91億元增加至158.54億元，6年間的營業額雖有倍數之長，但就逐年比較而言，成長速度同樣有下降的趨勢。

二、表演藝術團體營運

臺灣致力於推動文化創意產業政策，其中表演藝術產業是所有類別的核心產品中，同時具有無形產品與人力密集的特質。再者，表演藝術產業發展最重要的基礎就是觀眾的開發，並與市場的消費者管道連結起來。

過去政府相關部門提供給藝術團體的協助大多僅是經費挹注，但更為重要的是關注於藝術的管理與行銷策略，如此才能真正達到文化推廣的效益。因此，臺灣的表演藝術產業，不論是以藝術為核心的創作產出，或是以多元藝術表演所匯聚的藝術節慶為發想點，政府與藝術團隊皆須面對整體環境的待解決問題，諸如創意人才培養、文化行銷研究、經營管理、政策支持等，才能對表演藝術團體在現階段的經營發展上，提供有效的實質性幫助。

未來發展方面，大型的表演藝術團體將會趨於越大，小型或以非營利為主的團體將會趨於越多。其次，城市藝術節將成為表演藝術發展的新基點，使藝術跟產業、消費型態結合在一起。另外，進一步提升與跨領域技術的結合，也將替表演藝術產業帶來更多轉型機會。

臺北市政府自1998年就開始舉辦「臺北藝術節」，是其推行的重要文化政策，鼓勵年輕人創作，提供優秀藝術人才發揮創意，並整合相關藝文資源，成為藝術跨界合作豐富多元的重要平臺。

整體來說，臺灣的表演藝術產業在多樣性的文化底蘊支持之下，深具國際競爭優勢，也為文化經濟與創意產業的發展注入新活力。在面對全球化時代的競爭，臺灣的表演藝術產業將持續保有創新的優勢。不論是推動城市行銷，或是發展文化觀光，表演藝術產業都將會扮演重要的角色。

因此，不管是政府或民間企業都應該對表演藝術產業積極的投資與贊助，將會為臺灣帶來可觀的文化經濟效益，並進而形塑臺灣當代表演藝術的獨特風格，提升國家文化競爭力。

三、表演藝術發展策略

精確的策略方向擬定，是協助表演藝術未來發展的重要動力。

全球國際化整合

全球國際化整合是政治、經濟、文化各領域共同發展的過程，而國際化的整合與配置，可培養具有世界級水平的表演藝術產業人才，實現有形的物質文化資源與無形的非物質文化資源整合的工作，落實表演藝術產業資本化、加快表演藝術產業發展的過程。

在地多元化拓展

在今日教育普及化的環境中，觀眾的參與度與水準都普遍提高，相對的，對於族群文化的自我認知也逐漸成形，不願在全球化的洪流中被統整，更不願淡化族群特質。

因此，表演藝術產業的未來發展可奠基於民族文化的特性，藉以提高表演藝術產業的國際文化競爭力，並得以凸顯臺灣藝術文化在國際間的能見度，形成多元化發展的型態。

藝術元素融合創新

藝術元素的融合與演出作品的形式創新，是表演藝術得以持續發展的要素之一，惟有不斷進行藝術文化內涵的吸收，並發揮在作品的創作精神中，才能使表演藝術產業在現代多元的藝文市場中，取得優勢。

近年來，藝術與科技的異業合作為舞臺效果帶來創新的改變，也是表演藝術的發展趨勢。臺灣表演藝術跨界合作大多深受劇場表演影響，透過兩者的結合，為表演藝術呈現多元的風貌。歐美各國跨界結合的形式較為多元，例如錄影藝術、互動設計等等。

因此，嘗試突破既有的侷限，促進藝術與科技能有更多層面的合作，將是未來發展重要趨勢之一。

市場定位與開發消費族群

就一般傳統產業的發展而言，市場定位與消費族群開發是兩大重點，表演藝術產業的市場行銷策略也是如此。針對不同表演藝術消費族群的文化類型進行市場定位，進而開發年輕、具潛力的藝文消費族群，是協助表演藝術產業在擁擠的市場競爭中，保持優勢的另一主要關鍵。

綠光劇團表演學堂

雲門舞蹈教室的設立，採多元且往下紮根的經營模式，不僅開發團體的另一經濟來源，也培養年輕族群的未來消費者。

結合觀光產業

有「綠色產業」美稱的觀光產業，為表演藝術產業帶來可觀之前瞻性。許多民眾隨著旅行社的安排，在韓國欣賞《亂打秀》，到中國欣賞「印象系列」實境劇，或是喜愛表演藝術的觀眾到美國紐約欣賞百老匯音樂劇，或前往法國參加亞維儂藝術節等。

因此，近年來臺灣各縣市政府亦積極推廣表演藝術結合在地觀光特色，如高雄推出與觀光結合的藝文活動《LOVE高雄ing》，結合原住民族樂舞、客家紙傘及夜市文化，並邀請知名表演團隊演出，藉以開發潛在表演藝術市場群眾。

為營造愛河夜間觀光新亮點，高雄市觀光局特推出夜間年度定目劇《LOVE高雄ing》。

「藝企合作」——異業結合

2013年知名百貨業者新光三越首度與屏風表演班合作，將劇場搬進百貨公司造成熱烈迴響，因此在2014年擴大規模舉辦「百貨表演藝術月」，演出類型動、靜皆有，也與小丑默劇團、表演工作坊與果陀劇場等劇團合作演出，並以「小劇場」形式推出表演節目，提供表演團體更多空間，開啟百貨頂樓經濟的經營模式。

此外，現在最為常見的藝企合作模式為企業冠名贊助表演藝術團體，以此扶植文創演藝產業發展。例如2016年華南金控與表演工作坊合作，將經典舞臺劇《暗戀桃花源》重新搬上舞臺。該劇於1986年首演，引起熱烈迴響，曾三度重返臺灣舞臺，且於1992年推出電影版，2015年推出英文版。 華南金控以提供折扣優惠給其銀行信用卡之持卡人，回饋給喜愛藝術的客戶，並期望讓更多民眾接觸優質的多元表演藝術。

藝企合作的方式不只僅贊助資金，也可透過國家藝術基金會之藝企平臺，引進優勢產業資源與技術，與表演藝術相互協助，例如東和鋼鐵藝術家駐廠創作專案，為國藝會第一個完全採用「實物贊助」模式，使著重管理與生產效能的鋼鐵重工業，與追求創意與美學的藝術創作，進行具高度實驗性的「異業合作」，同時為藝術與企業注入新活力。

資金與文化創業

近年來，文化部推動以在地文化的文創產業為核心，藉此發展臺灣的文化經濟。因文創多屬微小型企業，需要政府加以支持與協助，文化部專案設置來服務文創產業之整合及推動，透過多元資金挹注，結合民間資源共同投資，打開藝文市場，以及藉由國際參展及產業媒合，協助其建立品牌與海外通路。

2015年夢田文創與故事工廠共同推出大型舞臺劇《男言之隱》，由夢田文創執行長蘇麗媚擔任監製，故事工廠藝術總監黃致凱擔任編導，本劇結合夢田文創的文創資源與故事工廠的藝術價值，以「一源多用」的策略，以電視劇、影集、小說或動畫等方式，讓好的故事可以持續延伸，共同為臺灣的獨立製作加油。

快樂學習

❶ 請挑選一個喜愛的臺灣表演藝術團體，回答下列問題。

1. 此表演藝術團體名稱為：
2. 此團體創立時間為：
3. 請簡述此表演團體的演出特色：
4. 寫出此表演團體之經典作品名稱，並簡述此作品之表演故事內容。
5. 你是否曾欣賞過此表演團體的演出？請你蒐集此表演藝術團體相關展演紀錄，或可將你曾蒐集的入場票據、宣傳摺頁黏貼於下方。

❷ 你認為本課列舉的國外表演藝術，與臺灣的表演型態、內容有何不同？列出你喜愛的國外表演團體，並介紹給大家。

❸ 請舉出一個藝企合作的案例，並簡單敘述合作方式。