羅浮宮

羅浮宮
 Musée du Louvre

位於法國巴黎市中心的塞納河邊，原是法國的王宮，現在是羅浮宮博物館，擁有的藝術收藏達3.5萬件，包括雕塑，繪畫，美術工藝及古代東方，古代埃及和古希臘羅馬等7個門類。

Web：《羅浮宮 Musée du Louvre》官方網站

歷史

羅浮宮始建於12世紀末，由法王腓力二世（「奧古斯都」）下令修建，最初是用作防禦的城堡，邊長約90米，四周有城壕，其面積大致相當於今羅浮宮最東端院落的四分之一。
當時的羅浮宮堡並不是法國國王的居所，而是被用來存放王室財寶和武器。

Web：《腓力二世》維基百科

14世紀，法王查理五世覺得羅浮宮堡比位於塞納河當中的西岱島的王宮更適合居住，於是搬遷至此。
在他之後的法國國王再度搬出羅浮宮，直至1546年，弗朗索瓦一世才成為居住在羅浮宮的第二位國王。弗朗索瓦一世命令建築師皮埃爾·勒柯(Pierre Lescot) 按照文藝復興風格對其加以改建，於1546年～1559年修建了今日羅浮宮建築群最東端的卡利庭院(Cour Carree)。
擴建工程持續到亨利二世登基。亨利二世去世後，王太后卡特琳·德·美第奇集中力量修建杜伊勒裡宮及杜伊勒裡花園，對羅浮宮的擴建工作再度停止。

Web：《查理五世》維基百科
Web：《弗朗索瓦一世》維基百科

波旁王朝開始後，亨利四世和路易十三修建了連接羅浮宮與杜伊勒裡宮的大長廊，又稱「花廊」(Pavillion de Flore)。路易十四時期曾令建築師比洛(Claude Perrault) 和勒沃(Louis le Vau) 對羅浮宮的東立面按照法國文藝復興風格（法國古典主義風格）加以改建，改建工作從1624年持續到1654年。

1682年法國宮廷移往凡爾賽宮後，羅浮宮的擴建再度終止。路易十四曾計劃放棄羅浮宮，並將其拆除，但後來改變了主意，讓法蘭西學院、紋章院、繪畫和雕塑學院、以及科學院搬入羅浮宮的空房，此外還有一些學者和藝術家被國王邀請住在羅浮宮的一層和大長廊的二樓。1750年法王路易十五正式提出了拆除羅浮宮的計劃。但由於宮廷開支過大，缺乏足夠的金錢來僱傭拆除羅浮宮所需的工人，該宮殿得以倖存。

1789年10月6日，巴黎的民婦集群前往凡爾賽宮，將法王路易十六挾至巴黎城內，置於杜伊勒裡宮，該時期對羅浮宮進行了簡單的清理打掃工作。
法國大革命期間，羅浮宮被改為博物館對公眾開放。
拿破崙即位，開始對羅浮宮大規模擴建，建造面向裡沃利林蔭路的北翼建築，並在圍合起來的巨大廣場中修建了卡魯索凱旋門，作為杜伊勒裡宮的正門。
拿破崙三世時期修建了黎塞留庭院和德農庭院，完成了羅浮宮建築群。

Web：《卡魯索凱旋門》維基百科

1871年5月，巴黎公社面臨失敗時，曾在杜伊勒裡宮和羅浮宮內舉火，試圖將其燒燬（當時公社決定燒燬的還有巴黎市政廳、王宮Palais Royal等具指標性建築）。杜伊勒裡宮被完全焚燬，羅浮宮的花廊和馬爾贊長廊被部分焚燬，但主體建築倖免。第三共和國時期拆除了杜伊勒裡宮廢墟，形成了羅浮宮今日的格局。

Web：《巴黎公社》維基百科

博物館

法國國王對藝術品的收集始於弗朗索瓦一世時期，弗朗索瓦一世曾從義大利購買了包括油畫蒙娜麗莎在內的大量藝術品。
至路易十四時期，法國王室已經收集了約2000幅油畫、150多座雕刻、700多張素描、以及其他大量美術作品。
路易十五和路易十六時期繼續從義大利、佛蘭德斯和西班牙購入藝術作品。

Web：《蒙娜麗莎》維基百科

1793年8月10日(法國大革命期間)，共和政府決定將收歸國有的王室收藏集中於羅浮宮，並將其作為博物館向公眾開放，命名為「中央藝術博物館」。11月8日，博物館正式開放，展出了587件藝術品。此後共和政府又用從教堂、貴族和地方政府等處沒收來的藝術品源源不斷地補充博物館收藏。

Web：《法國大革命》維基百科

拿破崙在征服歐洲各國的同時，將被征服國家的藝術品大量運往法國，送至羅浮宮（此時已改名為「拿破崙博物館」）展出，還增加了古羅馬和古埃及藝術品展廳。
但隨著1815年拿破崙的第二次退位和終生放逐，羅浮宮藏品中約有5000多件藝術品被歸還給原來所屬國。

此後的100多年裡，羅浮宮的收藏範圍不斷擴大，加入了東方、亞述、古埃及等時代的藏品。隨著藏品數量的增多，展覽空間越來越小。
1981年，法國政府決定將羅浮宮建築群的全部建築劃撥博物館，並對羅浮宮實施了大規模的整修。
由華裔美籍設計師貝聿銘設計的位於羅浮宮中央廣場上的透明金字塔建築。整修後的羅浮宮於1989年重新開放。

展覽區域劃分

 黎塞留庭院（Richelieu Wing）
遠東、近東、伊斯蘭文物；雕塑；14世紀至17世紀的法國油畫；德國、尼德蘭和佛蘭德斯油畫；其他繪畫和形象藝術

 蘇利庭院（Sully Wing）
古埃及文物；近東文物；古希臘、伊特魯里亞、古羅馬文物及雕塑

 德農庭院（Denon Wing）
古希臘、伊特魯里亞、古羅馬雕塑；17世紀至19世紀的法國油畫；義大利及西班牙油畫

玻璃金字塔

羅浮宮擴建工程，是1989年法國大革命200周年紀念巴黎十大工程之一，也是唯一一個不是經過投標競賽而由法國總統密特朗親自委託的工程。此工程由美籍華人建築師貝聿銘設計，玻璃金字塔成為羅浮宮的入口處。

Web：《貝聿銘》維基百科

分館：
羅浮宮朗斯分館 
 Louvre - Lens 

2003年，法國文化及通信部為解決文化機構過度集中巴黎的現況，首度提出羅浮宮設置分館的計劃，當時有亞眠、阿拉斯、濱海布洛涅、加萊、朗斯、瓦朗謝訥等6個城市入選，最後在2004年11月29日由朗斯出線。
羅浮宮朗斯分館（Louvre-Lens）由日本SANAA建築事務所設計，2009年12月4日動工，2012年12月4日開館。

分館：
阿布達比羅浮宮
 Louvre Abu Dhabi

阿拉伯聯合大公國斥資10億歐元，買下「羅浮宮」這個招牌30年的使用權，還包括法國博物館運作知識，阿布達比羅浮宮預計最快2015年開館。

羅浮宮館藏傑作

當羅浮宮於1793年開始向公眾開放展示法國國王的藏品時，其初衷是向未來的藝術家提供典範教材，以復興昔日的“偉大風格”。
每年，八百多萬來自不同國家不同文化的參觀者慕名來到羅浮宮，每個人參觀的方式自然不盡相同。然而，所有參觀者對某些“傑作”的熱情幾乎是一致的，似乎能觸動參觀者的靈魂，不論其國籍或文化。

西元前四世紀，希臘哲學家柏拉圖（Platon）認為沒有藝術家能達到至美的境界。縱觀歷史，藝術家們都要面對這一問題，試圖在極致永恆的美中尋求反映所在時代以及自身獨特才華的方法。而這個問題的某些答案直至今日仍然能夠在我們的身上引起共鳴。

然而到了十九世紀，藝術作品被賦予了新的作用，藝術傑作不一定意味著讓人觀賞的美或是美學抽象。一部分作品發出了新的聲音，開始從多個角度彰顯出我們社會中當代藝術作品的氣質。

《蔣勳談羅浮宮：參觀羅浮宮的心態與進程》(7:37)

1. 菲力浦•奧古斯特二世和查理五世統治時期的羅浮宮城壕遺跡 Remnants of the moats dug by Philip Augustus and Charles V

約1190年，正值中世紀，當時的法國國王菲力浦•奧古斯特二世為防止由西面而來的入侵在巴黎的城牆外建造了一座堡壘：羅浮宮就這樣誕生了。
這座城堡長78米，寬72米，四周有壕溝圍繞，並建有多座圓柱形高塔以保障每一面的防禦，中心建有一座巨大的城堡主塔。當時的巴黎城區比現在我們所知道的巴黎要小很多。

150多年後的十四世紀，在查理五世統治時期，巴黎城區開始向防禦城牆以外擴展，因此必須修建第二道城牆來防護新擴展的市區：這樣一來羅浮宮就位於巴黎城牆以內，也就失去了防禦堡壘的作用。
於是，羅浮宮成為了舒適的王室住所。在城壕遺跡入口處看到的大型模型反映的就是處於第二個時期的羅浮宮。帶有吊橋的一面是城堡的東門。吊橋的橋墩得以保存下來，而旁邊的四方形塔是在查理五世時期補建的，塔下方的豁口曾是廁所的溝，汙物則排放到護城河中。

十六世紀時，法國國王弗朗索瓦一世，決定新建一座文藝復興風格的宮殿。羅浮宮中心的城堡主塔被完全移平，城壕也被土填滿。但是方形中庭（Cour Carrée）下方深七米的城壕得以完好地保存下來，並在1983-1985年的挖掘工作中重見天日，于1989年羅浮宮金字塔落成時開始向公眾開放。

2. 塔尼斯（埃及古代城市）的斯芬克斯像 Great Sphinx of Tanis

這尊花崗岩雕刻的斯芬克斯（獅身人面）像位於羅浮宮的古埃及文物館入口處。
法國著名學者讓-弗朗索瓦•商博良（Jean-François Champollion）在1822年破解了古埃及象形文字，在他的推動下，法國國王查理十世（Charles X）收入一系列埃及藏品，其中就包括這尊斯芬克斯像。

斯芬克斯像綜合了獸中之王、象徵太陽的獅子以及國王的形象。
我們從其頭飾（被稱為“尼美斯”的法老典型頭飾、頭飾上的聖蛇（古埃及的眼鏡蛇，是法老的保護神）、下巴上的假鬍鬚和寫在橢圓形邊框內的國王名字）可辨認出國王的身份。
專家們認為“斯芬克斯”一詞源于古埃及語中的“seshep-ankh”，意為“生動的形象”。

3. 阿弗洛狄忒《米洛島的維納斯》Aphrodite

《米洛島的維納斯》也被稱為《米洛斯島的阿弗洛狄忒》（1820年雕像出土于一個叫米羅的島上），就屬於珍貴的的原作之一。
裸露的上半身表明她是希臘愛和美的女神阿弗洛狄忒，她從海中誕生，被羅馬人稱為維納斯。
根據雕塑風格上的一些細節，作品的年代可以確定在西元前100年左右。舒展的曲線、極富立體感的體態和豐腴的裸體說明該作品創作於希臘化時期（西元前323-31年），也是希臘歷史上最後一個重要時期。

然而，作品中形成鮮明對照的是人物沉著淡定的面部表情與身體的寫實。雕像遵循了明確的比例規則：整個臉的長度是鼻子的三倍，筆直的鼻樑與額頭連成直線，也就是人們常說的“希臘式輪廓” 。
當然，希臘人實際上並沒有這樣的臉部輪廓！這一手法意在表現神的美，而不是現實世界。這件雕塑是對美無止境的追求的完美表現，是一部超越時間的偉大作品。

4.《薩莫色雷斯的勝利女神》
Winged Victory of Samothrace

這尊雕像表現的是勝利女神，希臘人稱之為“尼凱Nike”。作品表現的是勝利女神正站在一艘船的船頭宣佈勝利。
希臘原作在一次地震中被損毀，而後於1863年在愛琴海東北部的薩莫色雷斯島上被發現，已成碎塊。《薩莫色雷斯的勝利女神》最初屹立在眾神聖地（卡比利聖地Kabeiroi）的山丘之頂，向小島駛來的船隻在遠處就可望見。

一些學者認為這件雕像可能是西元前190年左右羅德島（愛琴海）的居民在一次海戰勝利後為感謝神明而奉獻的貢品。其身體的比例、形態的逼真、衣裙迎風被吹起褶皺的表現力、以及極富戲劇感的動作氣勢都是那個時期對寫實主義追求的完美證明。
她的雙翅中只有左邊的保存下來，右翅是左翅的石膏複製。雕像腳下的水泥底座也是現代添加的，女神本應直接站在船的甲板上。到1950年她的右手（展示在旁邊的玻璃櫥窗中）才被發現，讓她得以恢復原本的姿勢：手向上抬起，正宣告著勝利。

5.《荷拉斯兄弟之誓》The Oath of the Horatii

這幅畫作於1784年，即1789年法國大革命的前夕，作品描繪了荷拉斯家族的三兄弟在他們的父親面前宣誓效忠於羅馬城：為了祖國，不是勝利就是犧牲。
整個畫面佈局嚴謹，舞臺般的光線效果，共和制時期風格的房屋裏幾乎沒有什麼多餘的裝飾。形成強烈對比的是表現男性人物的剛毅筆直的線條和強烈的暖色，以及表現女性群體所用的柔軟線條和較淺色彩。

當時的法國革命者們主張為祖國作出最大犧牲，試圖追溯古代文化，在古羅馬歷史中找到某些突出的片段來為革命思想服務。
畫家雅克-路易•大衛便是這一 “新古典”運動的領導者，並創作了這個流派具有代表性的作品。

6.《拿破崙一世與約瑟芬皇后加冕禮》 The Coronation of the Emperor Napoleon I

大衛奉拿破崙之命，花了三年時間完成巨作，用畫卷紀錄下1804年12月2日拿破崙在巴黎聖母院舉行加冕儀式的這一不朽的時刻。就像所有的政治宣傳作品一樣，在這幅畫中也有一些對現實的加工：皇帝的母親端坐于寶座上，位於畫面中間很顯著的位置。而事實上她因為生兒子的氣而沒有出席。

拿破崙的形象被理想化了，變得更高瘦，跪在他面前的約瑟芬皇后，也在大衛的筆下年輕了許多。由於拿破崙是自己將皇冠戴到了頭上，大衛沒有在畫中表現他加冕的情節，而是最終選擇了不那麼有爭議的約瑟芬加冕作為主題，但坐在拿破崙身後的教皇庇護七世並非衷心為新皇帝祝禱。

畫面光線處理的技巧十分嫺熟，在一百五十個人物肖像中，很自然地突出了主要人物，並恰到好處地照顧到某件首飾上鑲嵌的寶石或某件衣物面料的柔滑。從某種角度來說，大衛是現代攝影師的先驅，就像他們紀錄世界重要人物的大事件，在報紙上展現出的奢華場景不禁令民眾浮想連翩。
在畫面上所有這些人物中，最生動的應該是身穿紅衣站在畫面右端的外交部長塔列朗Talleyrand，他似乎對這台透著炫耀味道的好戲投去嘲諷的一瞥。

7.《大宮女》Odalisque

創作這幅裸體女性作品的是大衛的門生之一：讓-奧古斯特-多明尼克•安格爾。在此他將女性裸體這樣的古典題材搬到了他僅在夢裏遊歷過的東方世界，這個世界只是他表現異國情調中的後宮妃妾或宮女，裸體形象的一個藉口。安格爾多次表現東方主題，以及他最鍾愛的題材之一，女性裸體。

從他的創作技巧及對古代文化的興趣來說，安格爾都是一位古典流派藝術家。但他又偏離了這一流派，追求對輪廓、身體的曲線的表現，並根據需要對人體構造進行變形處理：如這個宮女的脊椎骨足足多了三塊！同樣，她右乳和左腿與身體的連接都顯得十分奇怪。

同身體的變形處理形成反差的是，厚重的藍色帷幔、頭巾或是水煙筒都以極為寫實的方式表現。當時的評論家對這樣的手法無言以對，對安格爾如此獨特的風格嗤之以鼻。然而，安格爾卻對現代藝術家產生了極大影響，畢卡索Picasso就借鑒了他的創造性和解構人體的手法，並用自己的方式表現出來。

8.《加納的婚禮》 The Wedding Feast at Cana

此巨幅油畫曾用於裝飾威尼斯的聖喬治•馬喬雷（San Giorgio Maggiore）修道院。委羅內賽是16世紀威尼斯畫家，以創作多人物的大場面作品著稱。
本畫作中，畫家表現的是《新約》中所記載的基督完成的第一個聖跡：基督、他的門徒們和他的母親瑪利亞受邀參加伽那城的一場婚禮。婚禮上，酒不夠了，基督請人將酒罎子灌滿水，然後讓人把罎子送到主人面前：水變成了酒。

委羅內賽把這一聖經故事搬移到了他所處的16世紀富庶的威尼斯。請注意畫中華麗的衣料、富貴的首飾、銀器、鍍金銀器，典雅的建築構成了十分壯麗的背景，而故事本應發生在一群在婚宴中酒不夠喝了的窮人家裏。
一個穿著綠色衣服的男人走向左邊柱子前面的新婚夫婦，問為什麼把最好的酒留到最後才拿出來。
在端坐中央的基督右邊，瑪利亞手持一隻不太顯眼的杯子，她注意到酒已不夠。畫面右邊，前排一個穿黃色衣服的人正在倒一壇由水變成的酒，他身後的兩個人目睹了這一聖跡。

作品中多處具有象徵意義的形象：畫面中間欄杆後切肉的屠戶、樂師們桌上的沙漏以及下方啃著骨頭的狗預示著基督的犧牲，即他被釘死在十字架上。但狗也象徵忠誠，即忠誠的基督徒們的信仰可以驅散烏雲。

9. 法蘭西斯科•戴爾•喬孔達之妻 麗莎•蓋拉爾迪尼肖像（蒙娜麗莎） Portrait de LisaPortrait of Lisa Gherardini, wife of Francesco del Giocondoco del Giocondo

法國國王弗朗索瓦一世（François I）於1518年獲得此畫，這幅達芬奇最著名的畫作受到當時藝術家們的廣泛好評；但直到20世紀《蒙娜麗莎》才真正出名，與其說這是由於它本身頗高的藝術價值，還不如說是由於它離奇的經歷，尤其是它1911年的失竊。《蒙娜麗莎》可能看起來比較小，但實際上，它已經是當時最大的畫像之一了。達芬奇的繪畫技巧是絕妙的，甚至可以說是神奇的：他用透明淡色層的手法表現形狀，擦暈輪廓線（義大利語稱這種手法為“sfumato”，意為“煙熏”）並恰當地運用陰影和光線。

模特的身份引起各種離奇的猜想：有人聲稱《蒙娜麗莎》其實是一個男人的畫像。事實上，這幅1503至1507年間在佛羅倫斯創作的作品的主人公最有可能是蒙娜（意為“女士”）麗莎•蓋拉爾迪尼•戴爾•喬孔達（ Monna Lisa Gherardini del Giocondo）。這就是為什麼在義大利語（la Gioconda）和法語（la Joconde）中，《蒙娜麗莎》也被稱為《喬孔達》。這個詞有雙重含義，因為蒙娜麗莎神秘的微笑也象徵了她丈夫的姓氏，因為“喬孔達”在義大利語中是“快樂”的意思。

10.《梅杜莎之筏》The Raft of the Medusa

傑裏科的這幅畫在1819年沙龍展出並成為轟動一時的醜聞。“沙龍”是美術學院每年組織的官方展覽會。這是首次由一位元藝術家在沒有任何訂單要求的情況下，完全出於自發描繪一個當代事件並在巨幅畫作中以無名氏為主人公，而通常巨幅畫只用於歷史畫的創作。

作品描繪的是1816年皇家海軍“梅杜薩”號在塞內加爾海域發生的海難。由於缺少救生艇，149人擠在一個木筏上在大西洋上漂流了12天；只有十幾人逃過殘殺和同類相食活了下來！這場悲劇的主要責任在“梅杜薩”號的船長，他當時已20年不曾航行，是通過政治關係才獲取這一職位的。所以，傑裏科的這幅畫是對政府的辛辣諷刺，因為政府對這場海難的發生負有間接責任。

畫的視角表現出木筏的極不穩定性。兩條對角線是整個構圖的框架：一條線把觀眾的視線引向畫面左側正向木筏撲來的大浪，另一條線把觀眾的視線引向地平線上幾乎看不見的救援船的微小側影。
畫中人物表現出各種心理狀態：懷抱死去兒子的男人的沮喪和迷茫、垂死者的突然振奮和向救援船揮手的人們的強烈渴望。但就在此時，誰也不知道這可怕的天平會向哪邊傾斜。在這震撼人心的故事裏，人類是唯一的主人公，至今仍令人感動。

11. 7月28日：自由引導人民 July 28. Liberty Leading the People

這幅作品是法國19世紀著名畫家德拉克羅瓦職業生涯中的一個特例：他其實更喜歡創作東方題材作品，而很少像這幅畫那樣以當代事件為主題。1830年7月，“光榮三天”，即三天革命民變，將國王查理十世（Charles X）趕下了台。後來，路易-菲力浦一世取而代之成為國王，儘管巴黎人民試圖在1830年7月28日這天重建共和國：

畫中正是在慶祝這一天。右邊，可以透過煙霧看到巴黎聖母院的高塔。在一個巨大的路障上，屍體堆積如山，一個女子手持步槍、揮舞著法蘭西三色旗號召人民追隨她。她象徵共和國。
由畫中人物的衣著可以看出他們來自不同的社會階層：共和國的左側，一個男人身穿禮服、頭戴高帽，他是資產階級；再往左，一個戰士頭戴貝雷帽、手揮佩刀，從他的圍裙和褲子可以看出他是製造業工人。

這幅別出心裁而又強有力的畫作在1831年的沙龍掀起波瀾。
德拉克洛瓦沒有把共和國表現成一個象徵性的形象而表現成一個真實的女子，她髒兮兮、衣不遮體且帶著體毛（可以看到她的腋毛），這對德拉克洛瓦同時代的人來說十分刺眼！因為他們只能接受光滑的理想化裸體形象！

12.《被縛的奴隸》The Slave

米開朗基羅是義大利文藝復興時期的藝術家，他的作品中保存在義大利之外的十分稀少，但羅浮宮擁有這兩件傑出的雕塑。它們表現的是兩個俘虜或者奴隸：圖片中的是《抗爭的奴隸》，另一個是《垂死的奴隸》。
這兩件作品本應用于裝飾教皇尤裏烏斯二世（Jules II）的陵墓，但這個原本宏大的陵墓規劃後經多次修改而大大簡化。對該作品的象徵意義可以有多種解讀，可能是被挫敗的激情，也可能是被縛在體內的靈魂，或象徵屈服于教皇權威的民族。

作者在1505年為第一個陵墓計畫而構思作品，在1513年第二個計畫出臺時開始創作。作品最終在第四個計畫執行時被棄用，這時教皇已過世，考慮到經濟原因，陵墓的規劃被縮減。這兩件作品在米開朗基羅在世時就被送給了法國國王弗朗索瓦一世（François I）。

雕塑上的大量工具痕跡證明，這兩件作品並未完成。請注意《抗爭的奴隸》的手仍是未雕好的大理石。只有直接在石料上進行創作的非常傑出的藝術家才會這麼大膽。他以自己的作品為榮並把它展示出來，是一位真正的尋求創作自由的文藝復興藝術家。