●藝術生活（音樂應用）Ch05

一、音樂與科技的相遇

1877年愛迪生發明以錫箔滾筒為記錄載體的留聲機（phonograph），讓聲音可以被記錄並複製再生，不必親臨現場才能欣賞音樂演出，從此改變了人們聆賞音樂的方式。

1888年貝林納（Emile Berliner, 1851-1929）發明5吋圓盤式唱片，並加以改良成為78轉7吋蟲膠唱片，奠定當代唱片的基礎。

1901年至1903年間，10吋與12吋蟲膠唱片相繼問世，隨著尺寸的加大，錄音時間也加長。1928年，盤式錄音帶（open reel 
audio tape）問世，磁帶的錄音與播放成為另一種被大量應用的音樂科技。1948年哥倫比亞唱片公司開發12吋的33又1/3轉密紋黑膠唱片（LP），雙面播放時間將近50分鐘，建立現代唱片的標準規格。

音樂儲存媒介演進所帶來的影響

在LP黑膠唱片問世前，78轉蟲膠唱片一面僅能播放一首歌，大約3到4分鐘的長度，雙面播放總長度也不過將近9分鐘，有限的容量也影響了流行歌曲的創作不超過5分鐘的原則。LP黑膠唱片問世後，單面可播放長度約25分鐘，雙面將近50分鐘的容量，讓音樂錄製與販售的成本大為降低，也使唱片公司藉低成本高容量的優勢，打破音樂聆賞僅存在於上流社會的侷限，擴大了音樂聆賞範圍到社會一般階層，另一方面，二次大戰後磁帶錄音剪輯技術的成熟，提高唱片母帶的品質，使得唱片音質提升，讓黑膠唱片成為二次大戰後主流的音樂儲存媒介。

與LP黑膠唱片大約同時期的卡式錄音帶，則藉著它體積小，容易攜帶的特性，成為唱片公司另一個推升音樂銷售的利器，唱片產業也藉著LP黑膠唱片與卡式錄音帶的出現，迅速發展擴大規模，成為音樂傳播不可或缺的力量。以臺灣為例，1962到1980年間，登記立案的唱片公司數曾高達300家以上，便可了解黑膠唱片與卡式錄音帶所帶動的唱片市場榮景。

黑膠唱片的容量由轉速多寡來決定，一張專輯一般為33轉（12吋），單曲是45轉（7吋），78轉（10吋）的慢速唱片在1960年早期漸漸被淘汰。

播放黑膠唱片的攜帶式留聲機

1982年雷射唱片的問世，使得唱片製作從類比錄音逐漸轉為數位錄音，數位化的錄音剪輯，讓母帶即使經過多次處理也不會降低品質或失真，唱片後製的可能性大為增加。

1989年MP3編碼的發明，改變了音樂傳播的方式，從雷射唱片實體的音樂儲存媒介，轉換到網際網路上，雖然影響了實體唱片的銷售量，卻創造出數位音樂傳播方式的全新面貌。

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音樂儲存媒介隨著科技的日新月異，經歷各式的改良與變革。1928年盤式錄音帶問世後，到1950年代技術逐漸成熟，不僅可以多軌錄音重複剪輯，也成為黑膠唱片的母帶。1963年，飛利浦公司的卡式錄音帶問世，其體積小、容易攜帶的特性，成為70至90年代廣受歡迎的聲音儲存媒介。

1982年，飛利浦與新力公司合作發表雷射唱片（CD），音樂透過光學讀寫執行數位化的儲存與播放，逐漸取代類比方式的黑膠唱片與卡帶，進入數位化時代。

1989年，德國工程師布蘭登堡（Karlheinz 
Brandenburg, 1954-）發表MP3編碼技術，將74分鐘的雷射唱片，從700MB容量壓縮至69MB，藉著高度發展的網路科技迅速傳播，成為數位音樂的標準格式。

機械科技題材所引發的創作風潮

20世紀初的音樂家們，在圓盤式唱片發展的同時，也對當時生活隨處可見的科技產品與機械題材，產生高度的興趣，不約而同地發表將機械科技融入藝術創作之中的理念與作品，如法國作曲家薩悌（Erik Satie, 1866-1925）將打字機、左輪手槍的聲音，放入芭蕾舞劇《遊行》（Parade, 1917），產生奇特的聲響效果。

薩悌運用打字機、左輪手槍的聲音元素創作芭蕾劇《遊行》，其舞臺是由西班牙畫家畢卡索繪製設計。

1913年，義大利作曲家盧梭洛（Luigi Russolo, 1885-1947）更發表《噪音的藝術》（The Art of Noises, 1913），主張生活中的噪音也可以是音樂素材，製作可發出各種聲響的噪音器，並發表作品《城市的甦醒》（Awakening of A City, 1914）、《汽車與飛機的約會》（Meeting of Cars and Aeroplanes, 1914），開啟電子音樂的先河。

機械與科技的發展，不僅給予作曲家創作的靈感，也使他們著手設計有別於傳統，可以發出各種聲響的電子樂器，如噪音器、電傳簧風琴等，雖然這些嘗試受限於當時有限的技術而顯得天真，卻預告了二次世界大戰後，與電子科技密切相關的「具體音樂」（musique concrète）即將興起。

具體音樂與電子音樂的競合

1950年代磁帶錄音技術成熟，讓作曲家擷取大自然的聲響，並利用各種錄音技巧，如加速、減速、倒轉、重疊等方式，將聲音加以編輯，之後在唱片上輸出，這種新穎的音樂創作方式，稱為「具體音樂」。

如法國作曲家亨利（Pierre Henry, 1927-2017）與工程師薛費爾（Pierre Schaeffer, 1910-1995）共同創作的《單人交響曲》（Symphonie pour un 
Homme Seul, 1950）。

《單人交響曲》顛覆傳統音樂創作，將笑聲、哭聲、說話聲、敲門聲等日常生活的聲響，以磁帶錄下，再與片段的音樂混合剪輯，不僅擴展音樂素材涵蓋的範圍，也改變世人對於音樂聆賞的觀念：「音樂不僅是旋律及節奏，生活周遭所發生的任何聲響，都可以是音樂創作的材料。」

此作品於1955年由法國編舞大師貝嘉（Maurice Béjart, 1927-2007）改編成為現代芭蕾作品。

在具體音樂之外，音樂家與工程師也在音響實驗室中，朝著「電子音樂」（electronic music）的方向前進，他們將聲響轉譯為聲波的振幅與頻率，加以計算編輯，創造出各種不同效果的原創聲響。之後，具體音樂與電子音樂相互結合，成為「電子音響音樂」（electronic-acoustic music），代表作品有史托克豪森（Karlheinz Stockhausen, 1928-2007）結合電子音樂與人聲的《青年之歌》（Gesang der Junglinge, 1955-1956）。

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電子音樂的研究與創作，往往需要大量資金與技術的支援。自50年代開始，廣播電臺或學術機構紛紛成立電子音樂實驗室，提供資源與技術，作為音樂家與工程師合作的平臺。

1951年德國科隆西德廣播電臺（West German Radio）創立最早的電子音樂實驗室，作曲家史托克豪森在此完成《練習曲I》（Study I, 1953）、《練習曲II》（Study II, 1954）等早期電子音樂作品。

其他著名的電子音樂實驗室還有：1951年由瓦列茲（Edgard Varèse, 1883-1965）與巴比特（Milton Babbitt, 1916-2011）主持的紐約哥倫比亞-普林斯頓電子音樂中心（Columbia-Princeton Electronic Music 
Center）。

1953年由諾諾（Luigi Nono, 1924-1990）與貝里歐（Luciano Berio, 1925-2003）主持的米蘭音響實驗室（Studio di Fonologia）。

1976年巴黎音樂音響研究中心（Institut de Recherche et de Coordination Acoustique Musique, IRCAM），更在政府的支持下，耗費九十億法郎建造而成，由布雷茲（Pierre Boulez, 1925-2016）主持，為世界現今規模最大的電子音樂中心。

1958年，法國建築師柯比意（Le Corbusier, 1887-1965）與希臘建築師桑那奇斯（Iannis Xenakis, 1922-2001）合作，為荷蘭飛利浦公司在布魯塞爾世界博覽會興建飛利浦館，並邀請瓦列茲創作《電子詩篇》（Poème Électronique, 1958）。

此曲融合具體音樂、電子音樂、光線與影像，在造形前衛的飛利浦館中使用350個揚聲器，成為當年世博會最令人驚奇的多媒體創作。

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1958年比利時布魯塞爾世界博覽會中的飛利浦館，是跨聲音、光線、影像、藝術的大型表演展場，吸引兩百多萬參觀人潮。這個尖錐形空間，有著特殊設計的入口及密度集中的窗戶，強調空間與光影、光線的投射關係。

瓦列茲為之創作8分鐘的《電子詩篇》，夾雜轟然如砲彈的聲響，實驗性的聲波由350個環場的擴音器播出，傳達對人類歷史的回溯與對戰爭的控訴。

商業性的電子音樂

1964年，美國發明家穆格（Robert Moog, 
1934-2005）成功開發體積小巧，容易攜帶，能夠搭配鍵盤演出的「穆格合成器」（Moog synthesizer），成為真正導入市場機制的產品，不僅用於創作嚴肅的前衛音樂，更廣泛應用於商業性的流行音樂。

披頭四、爵士鋼琴家韓考克（Herbie Hancock, 1940-）、汪達（Stevie Wonder, 1950-）都使用穆格合成器來演出。

1967年，作曲家亨利與流行音樂創作人哥倫比爾（Michel Colombier, 1939-2004）共同譜寫芭蕾舞劇 《當代彌撒曲》（Messe pour le Temps Present, 1967），利用音色合成器混合具體、電子、搖滾音樂等元素，推出後大受歡迎，成為嚴肅電子音樂商業化的特例。

之後亨利將其中的片段重新混音，製成單曲〈內在搖滾〉（Psyché Rock），為經典的搖滾樂作品。

隨著製作技術的精良，以及流行文化的興起，音色合成器不僅搭配鍵盤，也可與吉他、爵士鼓，甚至銅管、木管樂器結合，讓音色更富變化。

音色合成器的發明，奠定流行音樂的發展基礎，促使歐美興起電音樂團風潮，從較早期美國的銀蘋果（Silver Apples）、德國的發電廠（Kraftwerk），到近年英國的化學兄弟（The Chemical Brothers）等，都是令人津津樂道的電音團體。

電音團體發電廠的音樂風格鮮明，以強烈的節奏、流暢的旋律、古典的和聲，搭配音色合成器、改變人聲的聲音傳播器（vocoder）或電腦軟體編輯，製造出機械式的聲響效果而引領風騷。創團至今四十餘年，影響力足以跨越新浪（new wave）、鐵克諾、嘻哈（hip hop）各大音樂流派，對電子音樂的貢獻可與披頭四之於搖滾樂相提並論。

其專輯同名歌曲〈放射性〉（Radioactivity, 1976）描述人類創造核能而付出的慘痛代價，以英國核能發源地塞拉菲爾德、俄國車諾比核災、日本廣島原子彈轟炸、美國三浬島等核子事故，強調核能污染的可怕，表達對核能源議題的關懷。

1945年8月6日早上8點15分，美國在大日本帝國（今日本）廣島市投下原子彈，結束第二次世界大戰。原子彈爆炸造成廣島市十幾萬居民死亡，摧毀整個都市，當初的存活者受到核能影響而產生各種疾病。

雙人電音組化學兄弟則將發電廠所領導的電子舞曲文化擴展到全新的層次，成為90年代中期流行樂界不容忽視的新勢力，每張專輯都贏得全球傳媒的熱烈激賞，被樂壇奉為當代電子音樂的領導者。

歌曲〈別猶豫〉（Don't Think, 2010）為電影《黑天鵝》（Black Swan, 2010）的插曲，電音舞曲強烈的節奏與電子合成器的特殊聲響效果，成功營造出電影場景氛圍。

化學兄弟除了創作電音舞曲，也跨足電影配樂，為《少女殺手的奇幻旅程》（Hanna, 
2011）製作電影原聲帶。

時至今日，拜電腦科技進步之賜，電子音樂繼續朝著電腦音樂的方向前進；音色合成器的各種音響效果，或是傳統樂器的擬真式音源，都可以在電腦中模擬，並進行數位編輯與輸出。無論是在學院派的嚴肅音樂、大眾文化的流行音樂、錄音工程，或是影像配樂上，都成為不可或缺的應用工具，電子音樂的藝術創作者，更可以藉著各種自製電子樂器，結合影像、聲光效果，在舞臺上盡情展現科技所帶來的自由想像。

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2007 年發表，初音未來設定為16歲少女，音域廣泛，擅長節奏約在70-245 BPM間。她的聲音技術，來自知名企業山葉集團（YAMAHA）所開發的語音合成引擎VOCALOID，只要在軟體中輸入歌詞和音調，進行氣音、轉音等聲音參數微調，就能讓電腦唱出來。

初音未來的誕生，不僅是電腦音樂的進步實證，更是商業上的勝利，全球擁有超過三億粉絲的初音，曾於美國、新加坡、臺灣、上海等地，以全息投影方式巡迴演出，也與時尚品牌路易威登（Louis Vuitton）合作，由其提供服裝造形，打造專屬音樂劇《結局》（The End, 2013）。

美國歌手女神卡卡（Lady Gaga, 1986-）公開表示初音未來是她最喜歡的電子流行音樂明星，還邀請初音擔任演唱會開場嘉賓。她也是日本全家便利商店、豐田汽車美國廣告、谷歌（Google）瀏覽器「Chrome」的代言人，以虛擬身分在現實世界中持續展現無遠弗屆的影響力。

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1957年，「美國電腦音樂之父」馬修斯（Max Mathews, 1926-2011）撰寫全世界第一個電腦音樂程式MUSIC I，在IBM 704電腦上演奏出17秒的音樂，是史上電腦音樂的首次演出紀錄。然而電腦音樂的普及，一直要到70年代IC積體電路的問世，才真正實現。

1981年英國工程師史密斯（David Smith, 1949-）向音響工程協會（Audio Engineering Society, AES）提出關於電子樂器數位介面規格化的論文，1983年，音響工程協會正式發表「電子樂器數位介面」（musical instrument digital 
interface, MIDI）的規格標準，該技術規格使得電子樂器、音色合成器、電腦軟硬體、乃至於今日的錄音編輯工程、手機鈴聲、控制舞臺燈光等，都能相互協調，造就如今音樂製作全面數位化的盛況。

古典性的電子音樂

創立於美國的電玩交響音樂會（Video Games Live, 簡稱VGL）是巡迴世界各地演奏電玩遊戲音樂的組織，演出的曲目包含《瑪利歐》、《俄羅斯方塊》、《魔獸世界》、《星海爭霸》等電玩遊戲名作；融合古典交響樂團、大型合唱團、電子合成器、多媒體放映，短短數年間在全世界演出超過兩百場次。

2008年於臺灣正式演出，得到空前的迴響。2009年受國立中正文化中心之邀，於自由廣場演出膾炙人口的《瑪利歐組曲》（Mario Medley），將電玩迷們追求的聲光效果發揮到極致，創造出結合交響樂、電子音樂、數位科技、多媒體行銷，以及流行話題的融合表演模式。

2015年移師臺北小巨蛋，帶來41人編制大樂團加32人合唱團的浩大演出，精彩絕倫。

獲英國《留聲機》雜誌評選為「21世紀最具啟發的管弦樂團」的YouTube Symphony 
Orchestra成立於2009年，藉由在YouTube上傳指定演出片段，號召全世界青年參與。

2009年在美國卡內基廳首演成功後，2011年更擴大規模，號召全球33國，101位團員參與澳洲雪梨歌劇院演出，並委託美國作曲家貝茲創作《母艦》。此作品以管弦樂團、電子合成樂器、多媒體，搭配古箏、小提琴、電吉他、電貝斯四位獨奏家的創新編制演出，傳達地球村概念。樂團團員的甄選與音樂會的演出則全程在YouTube平臺上播出，預示數位時代的無限可能。

為推動科技與表演藝術結合的蓬勃發展，文化部與相關單位合作，每年邀請國內外從事數位藝術創作的製作團隊發表創作，交流數位科技創造藝術價值的理念與方法。

2012年數位表演藝術節以「雲端冒險」為主題，邀請香港電子音樂工作者梁基爵與其團隊，在臺灣發表《電紫兔／克II》（Digital Hug ver. 2.0）。

梁基爵以各種不同樣貌的自製電子樂器，配合互動感應、映像投影，與音樂同步連繫，展現極富趣味的電子音樂盛宴。他表達電子機械音樂其實並不冰冷，其奇幻異想的實驗性質演出，帶領聽眾進入令人著迷的音樂世界。

2016年以「潮」為臺灣科技藝術節之宗旨，演出節目包含融合動畫、舞臺演出的《Animate立體書劇場—小王子》（山豬影像）、人類與人工智慧之角色／關係的《Solo Date》（台南人劇團）等。

台南人劇團聯合藝術總監蔡柏璋的劇作《Solo Date》，探討人類與科技的互動關係，2016年受文化部補助於愛丁堡藝穗節演出，2018年5、6月赴美參加舊金山國際藝術節。

二、認識錄音室

自愛迪生發明留聲機後，人們得以將聲音保存並再生，50年代歐美各地興起的電子音樂實驗室，進行著各種聲音的紀錄與編輯，成為最早的錄音工程場所。

直至今日，有著良好隔音設備的錄音室，廣泛地應用在唱片製作、影視配樂、音效製作、廣播節目製作、音樂會錄音等領域。就空間來說，錄音室可分為錄音間與控制室兩部分；就錄音方式而言，則分為類比錄音以及數位錄音兩種不同的形式。

類比錄音

大自然所有的訊號，包括我們聽到的聲音、看到的影像，都屬於類比訊號。說話的聲音經由麥克風收音後，可將聲量轉換成電壓，得到一個連續的電壓變化，這種「連續的訊號」稱為「類比訊號」（analog signal）。

1980年以前，錄音室的設備，如麥克風、擴大器、磁帶錄音機、混音器，都是以類比信號的方式運作。在類比的錄音過程中，聲音經歷一連串的能量轉換，藉由麥克風接收、擴大器放大，混音器將音色調整編輯，最後再輸出至盤式錄音機，完成錄音編輯。

類比錄音室的錄音師，需要具備有磁帶剪輯的技術，此類的剪輯也稱為「線性剪輯」，其剪輯過程繁複耗時，也容易在多次處理後，音質因為能量的耗損而失真。

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傳統錄音室中，聲音的訊號在器材中轉換成不同型態，其原理如下：

1.麥克風（microphone）：將接收到的聲波，轉換為電波。

2.後級擴大器（power amplifier）：將電波能量放大以利混音器編輯，或由喇叭轉換為聲波。混音器雖然有擴大聲音的效果，但多軌混音器只能當作前級放大器的一種，將信號微弱不足的聲音，加以放大調整到所需的訊號量，而再將混音器的輸出送到後級擴大器，再放大到更大的倍數，提供給揚聲器（喇叭）做最終的音響發聲。因此，使用混音器是需要後級擴大器的，才能將聲效完整的擴大播放出去。

3.類比混音器（analog mixer）：將聲波轉換後的電波，予以調整編輯。

4.磁帶錄音機（tape recorder）：將電波轉換為磁性微粒排列，記錄在磁帶中。

5.磁帶放音機（tape player）：將磁帶中的磁性微粒排列，轉換為電波。

6.喇叭（speaker）：將電波訊號轉換為聲波。

7. 盤式錄音帶：盤式錄音帶是專門供作盤式錄（放）音機錄（放）音使用的磁帶。捲盤尺寸有5、7、10（1/2）、14吋等四種，以7吋最通用，10（1/2）吋多用於廣播電視等專業錄音，14吋則多見於音樂專業錄音領域，理論上盤子愈大，能容納的磁帶就會愈多。

數位錄音

麥克風接收聲音後的類比訊號，經由數位轉換器成為「數位訊號」（digital signal），得以在電腦軟體上進行編輯工作，稱為數位錄音。在數位化錄音室中，所有的數位訊號可一次讀取，並且進行跳躍式的剪輯工作，稱為「非線性剪輯」，這樣的剪輯方式，讓多軌錄音的整合更為快速，而數位錄音的訊號也不會因為多次剪輯而耗損失真，其便利性成為現代錄音室的主流。唱片主要的錄音過程如下：

1. 收音（tracking）：由麥克風或電子合成樂器收音。
2. 擴音（pre-amplified）：將收音後的訊號由擴大器放大。
3. 錄音（recording）：將收音的訊號儲存在數位錄音機中，轉換為數位訊號。
4. 混音（mixing down）：將收錄好的聲音，混合成兩軌立體聲，再根據聲音的需求，調整各軌的訊號動態、平衡各軌的音色、加入各種效果器等。
5. 後製（mastering）：當所有片段編輯完畢，錄音師需審視整體音量與音色的平衡，作最後的處理調校，並將「國際標準錄音錄影資料代碼」（international standard 
   recording code, ISRC）寫入唱片中，輸出成母帶，錄音工作才告一段落。

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在數位化的錄音室中，電腦軟體的運算功能已經能支援多軌錄音、混音，以及後製上的各種需求，常見的錄音編輯軟體包括Adobe（Audition）、Sony（Sound Forge）、Steinberg（Nuendo），以及Digidesign（Pro Tools）等，這些軟體不僅能夠同時載入多個聲波檔以利多軌錄音，並且能夠直接在軟體中進行各種音色效果的處理，如延遲、殘響、迴音等，十分便利。

換你DIY

自製手機鈴聲

市面許多手機已內建自製鈴聲的功能，可試著運用網路上免費簡易的手機鈴聲編輯軟體，動手製作獨一無二的手機鈴聲。

步驟

❶ 選定你喜歡的音樂，或是自行錄下有趣的環境聲響。

❷ 將音樂轉檔成為數位格式（wave格式、mp3格式）。

❸ 在網路搜尋免費的mp3編輯軟體，或是有提供手機鈴聲音樂製作網站。

❹剪輯你需要的音樂片段後輸出，就完成專屬的手機鈴聲囉！