藝術生活（表演藝術篇）資源版 Ch02

一   表演藝術的展演創作分工

要成就一齣好的表演藝術作品，其背後所要付出的精神與人力是相當可觀的。表演製作團隊的良窳，關係著整體演出是否能夠成功。導演統籌戲劇的演出，亦是演出作品是否能夠成功的關鍵者。一場成功的戲劇演出需要靠演員豐富的肢體動作與口白，因此如何甄選出優秀的演員，可以說是導演的重要工作。

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著名指揮家蕭提爵士（左）在排練威爾第的《茶花女》時，向男高音羅帕多（右）示範劇中的激動情緒。

在與舞臺布景設計師、燈光設計師、服裝設計師、音效設計師等各領域藝術家共同討論，並且取得演出藝術風格的共識後，排演的過程中，導演還必須將劇本中的文字轉化為舞臺上的具體形象，並且藉由演員的實際演出將作品創作的想法呈現在場景中。

一部表演藝術作品的前期預備製作完成之後，便進入展演創作的實際各組類項分工。

表演組的展演創作分工

排演助理

由於導演的工作龐大且複雜，為了不遺漏任何環節，導演可聘任專門的助手來分擔部分導演的工作，這個職位即稱為排演助理。

演員

演員在演出之前，都必須熟讀劇本並且分析劇本，除了應了解劇中的主題內容之外，更須進一步了解劇中所有角色的性格，及本身所扮演的角色與其他人物之間的關係與衝突。演員也必須要與導演充分溝通，以確認所要建立出的角色形象，並且在揣摩角色心理層面時慢慢修正，以達到導演的目標要求。

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2009年電視劇集《痞子英雄》，成功為演員塑造警察形象。

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韓國女高音曹秀美在莫札特的《魔笛》中飾演夜之后；該角色已成為她的招牌角色。

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藝人曾國城於屏風表演班經典舞臺劇《徵婚啟事》浪漫版中，一人分飾15位求偶男子，展現其驚人的演技。

技術組的展演創作分工

在表演藝術展演創作的分工中，技術部門又可細分為「設計製作組」及「技術執行組」兩種類別。「設計製作組」即是針對舞臺、道具、燈光、服裝、化妝、音效、舞蹈七種類型進行適於演出舞台的內容設計。「技術執行組」則是針對舞臺、道具、服裝、化妝、燈光及音效六大部分進行後製的實際執行。而整個技術部門的領導者即為技術指導。

設計製作組：舞臺設計

「舞臺」意指表演藝術演出的所在地點，包含延伸性的區域，例如舞臺的前沿、樂池、側臺、後臺，甚至觀眾席。舞臺設計有兩種主要功能：解釋演出劇本以及增強演出的張力。每一個演出劇本都一定有其發生的時間、空間和特定出現的人物，透過舞臺設計，可以協助觀眾了解表演作品的時間背景、空間背景以及人物角色。此外，舞臺設計師可利用色彩、線條、形狀、對比等技巧鋪陳舞臺效果，以增強表演作品演出的張力。

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鏡框式舞臺的設計圖式。

執行舞臺設計的過程中，繪製草圖是一重要的階段。草圖通常採用平面、立面甚至剖面的方式，將劇場比例縮小後進行繪製。平面圖可以清楚反應景物間擺放的位置及相對距離，而立體圖則更可進一步表現出整體的空間感。

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此圖為1875年，比才的歌劇《卡門》在巴黎歌劇院首演時，最後一幕的布景設計。

設計製作組：道具設計

道具的使用不但能幫助重現演出內容當時的時空狀況，亦能協助詮釋人物角色的性格。由於不同性格的人所使用的隨身物品都會產生不同的品味，因此設計師可以根據這些差別來設計演出人物所使用的道具。

設計製作組：燈光設計

舞臺燈光具有明暗度、色彩、光源、形狀、移動等特性，燈光設計師利用這些特性來調整光源，以呈現舞臺整體的清晰度與舒適度。例如：燈光會隨著舞者韻律情境上的變化做出明暗度的調節，讓觀眾的視覺感官能隨時聚焦在舞者身上。良好的燈光設計不僅能幫助建立舞臺的焦點，也能營造出表演藝術作品所欲表達的場景氣氛。

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雲門舞集《行草》中之一景；利用影像將文字投射在舞臺上，透過舞者跳動的肢體，將原本靜止的文字圖騰，幻化為流動的影像藝術。

設計製作組：服裝設計

服裝設計在分析執行的程序中，不僅要能配合劇情，還必須找出劇本衝突的樣式與對象，並分離出服裝因素與劇中人物的連屬關係。此外，人物的分析也很重要，由於服裝能夠顯現一個人的性格，因此設計師必須掌握劇中角色的表現，透過服裝加以詮釋。

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裁縫師在戲服加上最後的修飾；戲服組的挑戰，就是將原始設計轉換成演員可以實際穿著的衣物。

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服裝設計師依照每位不同角色的演員設計其合適的服裝。

若設計對象為舞者，服裝設計師通常在設計前，會先聽取編舞家的創作構想，並且一起討論進行發想；再者必須了解舞作中的重要段落，或舞者的舞蹈動作，才開始進行設計。對舞者來說，布的質感很重要，例如：實質布料重量夠不夠、舞動時布料呈現的質感如何等；因此設計師會先選定好布料，在材質、顏色都選定後，才開始進行服裝草圖的設計，並且再與編舞者做進一步的溝通。

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雲門舞集《行草》中，女性舞者的水袖設計圖（左），與男性舞者褲管設計結構圖（右）。此為服裝設計師林璟如於2001年繪製創作。

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雲門舞集《行草》中，舞者在白色布幕前，揮舞象徵毛筆軟性書寫特性的黑色水袖裝。

設計製作組：化妝設計

化妝主要的設計範圍在演員頸部以上，以及露在服裝之外的肢體。與服裝一樣，化妝對於演員角色特性確立的幫助與改變是較為直接且明顯的。

化妝除了能修飾並且加強演員外觀顯現之外，亦能協助演員進入角色情境。當演員依照演出作品中人物描述著裝並且化妝，演員便較容易產生呼應著裝風格的心理變化，所扮演的角色性格逐漸由本身心境變化而顯現出來。人物外在形象亦是靠化妝設計來呈現，這個功能於中國傳統戲劇的表演中更為顯著，例如京劇中將角色類型分為生、旦、淨、丑等，每一種角色都有特定的化妝方式，也就是我們熟知的「臉譜」，觀眾可以依照特定的臉譜了解角色在劇中的身分。

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臉部表情的適度運用能傳達深刻、靈活的情緒反應。

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京劇的行當於初期原分為生、旦、淨、末、丑五種角色，後來把生行和末行合併，取消了末行，因而變為生、旦、淨、丑四大類。圖片依序為生行臉譜：文老生、扇子小生；旦行臉譜：花旦；淨行臉譜：正淨、副淨；丑行臉譜：文丑、武丑。

設計製作組：音效設計

劇場音效包含了「音樂」與「效果音」。效果音指劇中除了人聲之外其他具體的聲音，例如蟲鳴鳥叫、雷聲、門鈴聲等，相較於音樂，效果音多屬於技術性上的執行。

音樂在所有藝術類別中，可說是最容易引發情感的一種方式，因此可以幫助表演藝術作品在演出時建立特定的場景氣氛，並且快速引發觀眾的情緒變化，進入戲劇性假設的情境中。除了音樂之外，效果音搭配背景音樂也能製造場景中的特殊效果，例如雷鳴、閃電的聲響等。

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摩擦赤貝貝殼呈鋸齒的一面，可模仿田中的蛙鳴聲。

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將兩個漆碗倒扣，於地板上敲擊，可表現馬蹄聲。

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將豆類放入貼有和紙並加裝把手的竹製方箱中，將竹製方箱傾斜到一半並加以抖動，讓豆子跳動，可發出浪花拍岸的聲響。

設計製作組：舞蹈設計

相較於其他部門的設計師，舞蹈設計師除了進行舞蹈設計外，還必須帶領舞者或演員實際執行排練，因此舞蹈設計師比起其他創作者在工作內容上更為廣泛且複雜。因此，舞蹈創作者都必須具備創作與實務的豐富經驗，並能有效處理排練時，舞者所產生的任何意念或技術上的問題。

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無垢舞蹈劇場在《花神祭》的〈春芽〉中，編舞者以舞者的步行沉緩，象徵宛若盤根錯節的百年老樹精靈。

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漢唐樂府的代表作品《韓熙載夜宴圖》的排練情景；陳美娥女士（右）悉心指導團員梨園劇的身段與科步。

技術執行組：舞臺裝置與執行

一般表演藝術演出的彩排大都在排演場進行，而不在實際演出的劇場中。在演出布景尚在製作的過程中，為了讓導演能順利排戲，並協助演員能對舞臺布景空間的構造有正確的概念，舞臺執行人員必須在排戲時依照設計圖，將舞臺上的裝置先以膠帶於地板上標示出來，協助導演及演員對整體舞臺有清楚的空間概念。待所有場景更換的次序與內容確定後，舞臺執行人員便可以製作一份記錄所有換景情況的更動表，作為日後演出進行時工作的依據。

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雲門舞集《行草》初期舞臺設計模型。

演出前景物的裝車運送，舞臺執行人員必須考慮景物的大小、體積與重量，依照卡車的承載量做好裝載的規劃。在裝臺完成後，舞臺執行人員必須把握多次練習換景的機會，掌握換景的速度。於彩排之前，舞臺執行人員應與其他工作部門討論換景實際執行的時間點，確定執行的先後次序。

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中國文化大學戲劇學系學生於文化大學大義劇場排練原創劇目《洛希極限》，圖為技術舞臺組換景。

技術執行組：道具製作與執行

道具製作與執行人員須根據實際演出情況列出一張道具清單，包括道具名稱、擺放位置、上下場的時間，以及對道具使用的補充說明等。演出時的道具有的會事先置放在舞臺上，或是由演員帶上臺，因此道具執行人員必須熟悉所有道具的擺放位置、或應由哪位演員帶上場、從舞臺哪一邊出場、由哪一位執行人員負責進行更換工作等。

技術執行組：燈光執行

進入劇場後，執行人員須將已準備好的燈具依照燈圖裝在燈桿上，待所有燈具準備好後，再依使用情況進行接線及串連，確保迴路的流暢；燈光執行人員也須依照燈圖上的燈源配色，將色紙放入色片夾中，再裝置到燈具上。其後，燈光執行人員再依照燈光設計師的指示，現場調整燈具的位置、方向、燈區的大小，並進一步將每一個燈光所構成的畫面、所需要使用的輔助道具、使用情形，一一做成紀錄，並輸入於控制器中。

技術執行組：音效製作與執行

特殊效果音可以在演出進行中現場製作，或是利用現成唱片中的音效轉製而成。若採用現場製作的方式，則音效執行的工作人員必須事先準備好道具，在舞臺監督的指揮下，依照正確執行時間點來完成特殊效果音的呈現；若是使用事先錄製完成的音效帶，就必須對控制播放的機具有相當高的熟悉度。

待所有音效實際執行時間點確定後，執行人員必須列出一份正確的清單，清單上清楚記錄音效的順序、內容與正確執行的時間點，並註明透過錄音帶播放或是現場操作。

技術執行組：服裝製作與執行

演員的正式演出服裝有幾種不同的來源：一是為演出內容需要而量身訂作；二是依據設計圖樣去採買現成的服裝；也有以租借的方式來配合劇中所需要的服飾需求。在量身訂作的方式中，服裝部門負責人所要領導的人員編制與工作量相對比較龐雜，需要由包含立體剪裁師、縫紉師、繪染師、製帽師等，協力共同合作完成。

除了上述三種情形外，服裝部門負責人也會視實際狀況需求，以訂做、採買、租借三種混合的方式來進行服裝製作。

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青春版崑曲《牡丹亭》服裝細部刺繡手工精緻。

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青春版崑曲《牡丹亭》服裝製作完成品。

技術執行組：化妝執行

化妝執行人員主要以設計師的設計圖為基礎，並考慮演員自身的各種外在條件狀況進行造形工作。舞臺演出的化妝與一般生活化妝大為不同，必須針對舞臺空間大小、與觀眾的距離、燈光明暗度、導演的詮釋及劇種的不同，在化妝造形上進行衡量與改變。

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無垢舞蹈劇場《醮》中的〈獻香〉一幕，舞者飾演的媽祖引領著陰間亡魂，隨著浪潮走進中元普渡的祭儀中。

二   創作實務的操作過程與說明

如何進入劇本的狂想世界

劇本的閱讀在戲劇創作過程中，扮演啟發創意思維的先聲部隊。透過閱讀的操作過程，可以啟迪觀察力、想像力、理解力，是進入創作實務操作的良好開端。

Step1 翻開劇本第一頁

翻開劇本後第一件事，首先從頭到尾閱讀完整劇本，之後將自己對劇本內容的閱讀反應記錄下來，例如感受到刺激性的事件點、對劇本內容感到困擾不解之處，或特別感到喜歡的原因所在等。爾後再次反覆閱讀，進一步釐清劇情內容走向及劇中人物情緒起伏。

Step2 注意劇本內容提供的任何訊息

正式進入劇本的深度閱讀之後，必須注意劇本中所提供的任何訊息。包括劇本中最關切的事物議題、劇本中的背景時代氛圍、劇中時代的道德倫理觀、劇中角色人物的言行舉止、劇本內容時代的建築風格特色、劇本內容時代的音樂形式與風格、劇本內容時代的服裝儀容等，都是協助理解劇本內涵的關鍵因素，也是幫助閱讀者提升自我創作能量的訓練途徑。

Step3 閱讀劇本的技巧

有效的劇本閱讀是需要技巧的。建議從戲劇主要的六大內容對劇本進行解讀：
1. 情節：內容、開頭、中間、結尾。
2. 主題：生活、責任、觀點。
3. 人物：生理情況、外表特徵、個性、價值觀。
4. 語言：臺詞、對話、旁白、獨白、誦詩、歌唱。
5. 時空：時間與空間的概念。
6. 音樂：形式、風格、素材、功能、特色。

創意歌舞劇場的實務操作

將生活的經驗聯結想像、創造一個故事，並運用歌唱、圖像與肢體動作，表達出所欲傳達的意念，開發創作者的表演潛能，並實際學習劇場展演。從活動策劃中，享受專屬於個人或群組的創意計畫，及一步步執行。創作團體可分為數組分別動手實作，最後在觀眾的面前，表現出富含美感的舞臺創意劇作。

Step1 分工合作動起來

各小組分別選出藝術總監、行政總監、技術組、宣傳組、文書組、音樂組、表演組等人員。藝術總監主要掌控包含以配樂選擇及歌詞改編為主的音樂組；編排肢體動作配合音樂律動或演唱，推動劇情發展的表演組；以及負責劇場形象符號、道具、舞臺、服裝、燈光、音效設計的技術組，並確實負責掌控排練的進度及完成度。行政總監則負責管理包括：創意劇場相關文字記錄檔案製作、入場券及節目單製作的文書組；以及負責海報設計，並推出周邊創意商品的宣傳組。

Step2 啟動創意，創造戲碼

創意要能挑戰傳統思維，並嘗試創造新的意念，也就是一種創新。創意可以說是一種能力，或是一種思考的過程，並且能夠具體展現出來。創意不完全是與生俱來的天賦，更可以靠後天的努力加強學習。

演出的劇本內容通常以集體創作的方式進行，通過想像力與創作力，將不同時代的人、事、物進行不同的組合方式，故事內容可以超越現實世界，自電視、電影題材改編而成；或以另類童話故事的方式串連；亦或以親人、朋友間深厚情感的描述為基礎，並增加一段浪漫甜蜜的愛情，讓故事發展變得更有趣味，且更具獨特性。

Step3 渲染情感的音樂創作

演出中的音樂運用可以分為背景音樂、情境音效以及歌曲演唱。試著與夥伴分析劇情後，設計使用不同類型的音樂來導引觀眾進入戲劇情境，可靈活運用一些生活中的音效，或是古典樂、電影配樂等；亦能運用適合在該情境演唱的樂曲，諸如臺語歌曲、流行歌曲、經典老歌、電影歌曲或是兒童歌謠等，利用歌曲更能表達劇中人物的情感，按照原有歌詞的字數，發揮文字創作能力，重新填詞以配合演出，讓整部演出作品內容更加精彩。

Step4 舞動肢體大顯身手

肢體和聲音是人類最自然、單純的本能表達。運用想像能力將身體、聲音、語言，與人合作互動，來表達出表演者對於劇情故事的想法。依照其劇情的發展，適當安排加上舞蹈場景設計，可以是獨舞、雙人舞或是群舞。

Step5 創意logo延伸商品宣傳

透過文化、藝術、創意，與同組的夥伴打造獨屬於創意戲劇作品的特色形象，以戲劇logo意象符號為主題標誌，置入海報、節目單以及入場票券等等設計工作，並試著開發設計出多樣化不同的商品，更能成功的宣傳表演藝術活動。

圖2-25
為創意戲劇設計具有圖像意義的logo（德光中學學生作品）。
圖一：《俗女變淑女》
圖二：《Wow 3p》
圖三：《花史戀傳》

Step6 小試身手進行排演

準備適當的場景布置及道具，以配合每幕演出的氣氛營造，並依照角色的需要設計服裝的搭配，找尋相關的衣物及配件。將各角色演唱之歌曲、舞蹈動作整合於演出形式中，好戲就要登場。

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集體創作一段團體肢體舞蹈，認真投入的排演為求成功的演出：德光中學《木蘭粽》。

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自製演出道具，讓海底世界的動物悠遊於舞臺上：德光中學《小美人魚》。

Step7 粉墨登場正式演出

不論在課堂上的小型演出，或召集親朋好友在全校性場域的公開表演，皆可以攝影的模式全程拍攝，利用完整的影像記錄，為自己的高中藝術生活，留下美好且珍貴的紀錄。

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學校中庭戶外劇場表演：德光中學《花史戀傳》。

圖2-29
學生自製創意戲劇作品，為自己留下美好的回憶。

從無到有的過程，真實的經驗一個表演的完整呈現，在整體企劃的課程安排中，紮實的體驗到表演藝術的製作過程，整合小組團隊之多元能力，以文字、音樂、肢體、圖像等設計，運用在表演當中。

從實際操作的過程中，體會到在舞臺、燈光下能歌善舞的表演，或是位居於幕後以文字、音樂、圖像進行創作，都不是件容易的事情，因此我們應更用心去欣賞各類型的表演藝術呈現，也必須尊重藝術工作的獨特價值。

三   表演藝術的劇場呈現方式

傳統劇場的演出形式

西方傳統戲場的歷史演進

劇場（Theatre）一字的來源是希臘文「Theatron」，意思是「一個看的地方」。簡單的說，劇場的基本結構主要由兩個部分組合而成：一是觀眾席，也就是群眾觀看的地方；二是舞臺，也就是表演者進行演出的地方。西方劇場形式的發展起源由來甚早，可追溯至古希臘、羅馬時期，此時期演出的功能機制，即已有初步的完整架構。

希臘早期具有儀典性質的戲劇，是一種全民的活動，因此露天劇場成為最適合的劇場形式。西元前6世紀，希臘的露天劇場是由一片山坡和山腳下的一塊平臺所構成的，觀眾可在山坡上坐著觀賞。平地則供演員表演使用；在平地的表演區，是供演員和歌隊所使用。

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雅典希羅德茲圓環型劇場。

西元55年，羅馬人在龐貝建立了第一座永久性的石造劇場。雖然羅馬劇場以希臘劇場的形式作為建立的基礎，不過，兩者在空間架構概念上仍有顯著的不同；譬如，標準的羅馬劇場建在平地上，其舞臺高度與觀眾席相同，並且互相連結；而希臘劇場裡的舞臺與觀眾席則是分離的。羅馬劇場的觀眾席面對表演區，樂池呈半圓形，位置稍低，且與表演區之高度有所落差。

圖2-31
里昂羅馬式戶外劇場，夏季經常在此舉辦藝術節演出。

中世紀時期普遍被稱為人文、科學、藝術的黑暗時期。此乃由於整個西歐政治文化受制於教會的嚴格規範，除了基督教會宗教劇大量的演出外，戲劇演出在其他方面，並沒有突出的活動或表現。該時期的宗教劇演出，已出現大型布景，代表天堂、人間、地獄等地方的景物，都搭建在舞臺上。中世紀戲劇演出的最大特色在於不需要固定的專設建築，也就是沒有固定的劇場建築。

宗教劇
約於西元11世紀左右，歐洲教會開始以戲劇演出的方式進行傳道工作，這種戲劇形態稱為「宗教劇」。宗教劇內容主要取自《聖經》故事，語言均以拉丁文為主，並搭配有音樂演奏的部分。

當時演出場地大致分為三大類：
1. 教堂內
2. 教堂外
3. 活動臺車

16世紀前，倫敦無任何劇場的設立，戲劇多於露天舞臺舉行；直到1576年，演員伯比其於倫敦城東建立「劇院」。當時劇院建築有兩種形式：露天劇場及室內廳堂。

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中世紀教堂的舞臺陳列方式。景觀站設在教堂內部四周，中間空出來的地方則成為演員演出與觀眾觀賞的場地。每個景觀站都是獨立的，觀眾依循故事發展，順著景觀站，一站一站往下觀賞。

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中世紀的移動戲劇臺車，每部車就是一個小型的活動舞臺。

文藝復興時期在義大利引發劇場革新運動，其所建立的劇場建築觀念與劇場形態，產生的影響一直延續至今。義大利舞臺的形制設計受到兩大因素的影響，一是維楚維斯的建築學著作，二是透視法的研究。

維楚維斯在西元前1世紀完成著作《建築十書》共十冊；其中第五冊專門討論劇場建築的相關問題，此部書一直到1414年才被發現。在透視學方面，則是由於佛羅倫斯的建築師布魯尼斯奇將前人的知識歸納、整理而成。之後，許多畫家和建築師開始喜愛透視法所設計出的布景，充分利用透視美學的操作法則，達到逼真的視覺效果。

圖2-36
利用透視法設計，呈現在舞臺上的布景視覺效果。

第一個設置永久舞臺鏡框的劇院是1628年建立在帕爾瑪宮廷的發納斯劇院。鏡框式舞臺顧名思義即是舞臺由一拱門形式，架構出一實體的固定形構，就像鏡框或畫框一樣，將演員的表演區和觀眾的觀賞區明顯的分開。此時應劇情需要而設計場景的觀念漸漸形成，舞臺空間的設計，也較以往得到更多的發揮。

圖2-37
鏡框式舞臺基本示意圖。

20世紀的劇場與舞臺擺脫以往侷限狹隘的寫實觀念，加上科技的進步神速，劇場建築相關的結構學、機械學、聲學、光學、電學等，各領域都有嶄新的理論提出與新的技術開發，且廣泛迅速的被應用，使現代劇場不論在整體建築外觀、舞臺機械設備或觀眾席的舒適多樣化上，都獲得很大的改善。

舞臺可透過完善精密的電腦操控各種機械裝置，包括：電動轉臺、車臺、升降臺等各種懸吊起重裝置，並可透過電腦控制燈光系統，使舞臺演出效果更盡完美。

二次大戰後，許多新興的劇場建築打破鏡框舞臺的迷思，大量非鏡框式舞臺劇場出現，使表演者和觀眾之間縮短距離，營造更密切而直接的互動。

非鏡框式舞臺大致可分類為三種形式：
1. 中心式舞臺
2. 伸展式舞臺
3. 黑盒子劇場

中心式舞臺此種劇場形式的表演區在中間，觀眾席圍繞著表演區。由於表演區與觀眾席的造形可能以正方形、多角形或是只有兩端有觀眾席的方式呈現，因而統稱為中心式舞臺。

中心式舞臺由於無法使用大型布景，因此只能使用高度不高的桌椅、櫥櫃等道具。其優點在於，表演者被觀眾圍繞，觀眾可以非常親近演員，不過由於近距離的接觸，不能有太激烈或危險的表演動作，以免干擾觀眾欣賞演出，相對的，演員也容易受到觀眾席氣氛的干擾。

伸展式舞臺又稱為開放式舞臺，為鏡框式舞臺的變形。伸展式舞臺與鏡框式舞臺最大的區別在於「突出」的舞臺部分，此種舞臺延伸到觀眾席，觀眾席形成一個寬廣的弧線，三面的觀眾席圍繞著舞臺區觀賞。

此種舞臺比鏡框式舞臺與觀眾距離較接近，加上視線分布廣泛，觀眾從三面觀戲的特點，因此導演、演員和舞臺視覺設計必須非常謹慎，排場位置必須顧及到每一面的觀眾席。宜蘭縣立文化中心演藝廳，即擁有此種特殊的舞臺空間。

黑盒子劇場為二次大戰結束後逐漸出現的劇場形式，是一種實驗型或沒有固定模式的劇場。此種劇場所採納的舞臺形式打破了傳統舞臺與觀眾面對面的空間規範，表演區、觀眾區的位置、大小和高低都可以任意安排，因此觀眾能夠坐立在舞臺的兩側或四方，甚至部分舞臺更可延伸至觀眾席中，使觀眾與表演者距離縮窄，甚至成為演出的一部分。

中國傳統劇場的歷史演進

由中國原始時代的壁畫中，可發現刻劃出人物各種身體姿態以及舞蹈動作的岩畫作品；由此可知，原始初民時期已發展出歌、樂、舞一體的觀念，奠定了先秦時期表演藝術活動的初步基礎。

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甘肅嘉峪關市西北黑山石刻畫像中人物的舞蹈畫面。

中國漢代無論在民間或是宮廷皆流行「角牴戲」。民間的角牴戲表演場所大多由戶外野地移到人群齊聚的廣場或家中廳堂；而宮廷的角牴戲由於加入了貴族的藝術品味，及諸多傳自西域的競技表演，在表演內容及項目上都比民間角牴戲豐富許多；例如：技藝防禦、吞劍吐火、自縛自解，無不標新立異，因而又被稱為「百戲」。

從隋代開始直到唐代，表演場所逐漸有固定的名稱出現，且劇場建築已稍具規模。其表演場所有樂棚、舞臺、戲場與寺廟之戲臺等處。

宋代開始出現專門供表演者公開演出的場所「勾欄」。勾欄內有戲臺、戲房（後臺）和腰棚（看席）。勾欄的舞臺部分稱為戲臺，戲臺是有頂的建築，後臺稱為戲房。勾欄有樂床，是女伶坐的地方，觀眾則可於腰棚觀賞戲劇，其規模可容納數千人。

勾欄所演出的表演藝術形式非常多元：如小說、講史、諸宮調、武藝、雜技、皮影戲、說笑話、猜謎語、舞蹈等。而大城市娛樂場所集中的地方稱為「瓦舍」，又稱為「瓦子」、「瓦肆」，同樣除戲劇之外，還有許多表演活動在此演出。

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宋代張擇端著名畫作〈清明上河圖〉中，說唱藝人隨興即地演出的場景。

元代劇場表演多使用「歌舞」、「雜劇」的戲臺，觀眾圍繞舞臺四周觀看；之後逐漸發展背後有牆，觀眾在三面看戲的舞臺；進而發展改良在臺牆兩端築短牆，以加強正面看戲的效果；最後將舞臺的兩側也用牆封上，形成類似鏡框式臺口的形式。

清代宮廷建造一種上、中、下三層樓的特殊大戲臺，這種大戲臺共有三座：一是熱河行宮中福壽園的清音閣，二是寧壽宮中的暢音閣，三是頤和園中德和園的戲臺。這些戲臺都是為了演出宮中特製的大戲、節戲而設立的。

此外，明清時期也因海上交通的便利，加速與西方文明的互動接觸；商業活動行為也相對活絡而多元。民眾擁有較多的個人資產，並享有更大的生活自主權。 因此，市民文藝的發展，在此時期快速推進，文化表演藝術也進入民眾的日常生活中，成為不可缺的娛樂項目。

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乾隆二十四年（1759）徐揚繪〈盛世滋生圖〉，圖中為蘇州地區五彩繽紛的戲臺；臺上正演出明代傳奇《紅梅記》中的一齣〈打花鼓〉。

圖2-55
明人繪〈南中繁會圖〉中，南方城郊的戲劇演出場景。

中國劇場發展自近代起，開始仿效歐美，採用新的科技技術，相繼建造出許多世界一流的表演場館。如臺灣於民國76年建立之國立中正文化中心；中國於2007年完成的國家大劇院。而在地方性的劇場展演場館方面，臺灣自80年代開始，即在各縣市成立文化中心，發展地方藝文表演相關活動，其規模及硬體設施的配置上，也都相當具有專業水準。

圖2-58
中國大陸為迎接2008北京奧運，在北京長安大街建蓋的國家大劇院，於2007年12月正式開幕，設有三個專業展演場地，共可提供6500個座席。

多元活化的劇場演出形式

環境劇場

「環境劇場」意指以環境為創作題材，結合空間、劇劇、舞蹈，配合現場情境設計創作演出，脫離舞臺鏡框式的表演形式，將演出者及肢體動作融入周遭景物。也就是說，此種劇場不一定在既定的室內空間，或是備有齊全設備的場所裡，是開放性的、戶外性的演出空間。這些開放性的演出場所包含廟口、街頭、公園、古蹟等。觀眾能夠自由選擇最佳的角度欣賞戲劇演出。

臺灣本土性劇團金枝演社許多劇碼，即是透過此種環境劇場概念進行展演的。例如1996年所創作的《臺灣女俠白小蘭》，演出空間不僅在流動夜市的小卡車上進行表演，並在社區廣場、廟口、公園等戶外空間進行展演。不同的地點，所帶來的觀眾群也會有所不同，讓《臺灣女俠白小蘭》在每個不同場所表演時，都會產生不同的意義與趣味。此外，金枝演社也曾於2005年10月，於淡水的二級古蹟滬尾砲臺首演《祭特洛伊》，此為一戶外古蹟劇場的演出形式。

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金枝演社1996年的作品《臺灣女俠白小蘭》，時常於戶外空間進行展演。

1998年9月於中國北京紫禁城所演出的《杜蘭朵公主》亦是一典型的戶外古蹟劇場。此劇自從在20世紀初問世以來，因其故事背景的地緣性，包括赫伯特．馮．卡拉揚在內的許多藝術家們，都希望能在劇情發生的真實地點紫禁城上演出這部歌劇。但早期中國大陸因特殊立場考量，並未全面性對外開放，此一想法終未實現。直到1998年由指揮家祖賓．梅塔帶領佛羅倫斯五月音樂節管弦樂團爭取到在紫禁城實地演出的機會，並且邀請中國著名導演張藝謀擔綱執導。

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1998年由張藝謀執導，於中國北京紫禁城戶外演出的《杜蘭朵公主》。

明華園歌仔戲團於2007年在新北市中正河濱公園演出《超炫白蛇傳》，亦是利用廣大戶外空間的靈活性，製造許多令人驚豔的舞臺效果。例如劇中一幕「水淹金山寺」即是運用消防局的消防車於公園兩旁，將四百噸的水噴向觀眾區，不僅利用大型戶外空間製造出磅礡的氣勢，也讓觀眾能夠親身體驗「水淹金山寺」的臨場感。

閒置空間再利用

閒置空間再利用的範圍很廣泛，諸如酒廠、糖廠、港口倉庫、舊鐵道皆能成為活化再利用的建築物。臺北市華山1914創意文化園區即是利用臺北酒廠的舊建築重新整建而成的。2002年，文建會開始運用菸酒公賣局民營化後閒置的酒廠，進行舊空間活化再利用，為解決華山長期藝術表演權與公民使用權之間的爭議，因此將原本華山藝文特區整併調整為創意文化園區，進一步作為推動文化創意產業之特別用地。此創意文化園區涵括了不同的藝術展覽表演，包含大型展演活動、大型發表會、戲劇演出、小型研習會、音樂會、創意藝術市集等。

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華山1914創意文化園區舉辦「華山百戲雜技節」，一群熱血青年於園區內大展好身手。

總爺糖廠創立於民國前2年，在日治時期屬於明治製糖株式會社總社所在。由於歷經內海淤積、麻豆港消失、糖業式微後，糖廠也面臨了關廠的命運。經過麻豆地方人士極力呼籲、搶救，於民國88年總爺糖廠被列為臺南縣縣定古蹟，並經文建會評選為「閒置空間再利用」及「藝術家進駐」的實施點。現今總爺藝文中心經常舉辦各種藝術文史、音樂展演與生態活動等，也經由藝術家的進駐促進與鄰近社區的藝文互動。

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總爺藝文中心於莫拉克風災過後，舉辦以《探索麻豆．印象總爺》為主題的「柚香傳情意」活動，由南瀛民族樂團在藝文中心綠色廣場現場表演，吸引不少民眾前往聆聽。

高雄市駁二藝術特區位於港口碼頭，是經由港口倉庫改建而成的藝文空間。「駁二」意指第二號接駁碼頭，駁二倉庫原是港口倉庫，學者推測此倉庫應是於日治中期開闢蓬萊商港區之後所建造的，後因功能消失而被閒置。

民國90年由一群熱心藝術家及藝文活動人士以駁二碼頭為基點，成立駁二藝術發展協會，開始發展駁二碼頭的藝文空間。其後，高雄市政府文化局承接駁二藝術特區，並以此為「社區藝文中心」、「在地藝文資源起始點」、「高雄港灣藝文休憩中心」、「南臺灣文化創意產業」的作業平臺，開拓了大高雄一個嶄新的藝文發展舞臺。