美術（二）Ch06

圖6-1 畢卡索／吻／1969年 ／油彩 畫布／60×70公分／巴黎畢卡索美術館藏

受到日本版畫中平塗與線條表現的影響，畢卡索粗黑的邊框與大膽單色平塗技巧，使得畫面看起來十分平面並富有張力，立體派多視點的透視法，使得在同一個畫面上看到各種不同角度。如畫面中男子的鼻子就同時呈現出正面與側面兩種不同角度。

圖6-2 馬格利特／情人／1928年／油彩 畫布／54×73公分／紐約當代美術館藏

以寫實的技法畫出超現實的內容，令人感到宛似夢中的場景。

圖6-3 羅特列克／巴黎夜總會海報／1893年／平版印刷海報／80.3×60.7公分／紐約現代美術館藏

羅特列克為當時中產階級娛樂活動製作宣傳海報，畫面左上角雙手交疊的女角是當時著名的歌手依貝特．古爾貝。前面戴帽子的女郎就是當時著名的康康舞舞者珍．阿芙麗兒。在巴黎的酒館或某些餐廳，時常會有歌舞秀的表演。在這幅海報作品的構圖中，穿黑色衣服的女子占了大片面積，對角線的構圖和強烈的明暗對比使得畫面活潑而醒目。

圖6-4 路易斯．盧米埃／餵寶寶／1895年／35釐米黑白默片，45秒／紐約現代美術館藏

1895年12月28日，盧米埃導演與與其兄弟奧古斯都（Auguste）製作了家庭生活系列短片，記錄奧古斯都與妻兒進餐的場景，並在巴黎的某咖啡座向觀眾售票放映。雖然影片長度不到1分鐘，但《餵寶寶》卻是電影在公開場合售票放映的先驅。

圖6-5 莫內／日出．印象／1872年／油彩 畫布／48×63公分／巴黎馬摩坦莫內美術館藏

以前學藝術的學生必須拜在大師門下或經過藝術學院嚴格的訓練，才能變成在沙龍展上一顯身手的藝術家，他們幾乎都在室內創作，遵循著某種精巧的傳統風格。
到了1860年代，有一群年輕的巴黎藝術家如莫內、雷諾瓦，發現只有在戶外及寫生時才能捕捉到最新鮮的畫面，他們落筆快速如光點，物體邊界模糊如光暈，在當時人們眼中作簡直就是混亂的塗鴉！但卻被這群年輕藝術家稱為完整的藝術。
〈日出．印象〉這幅畫在展出時被譏為只畫個「印象」而已，因為完全看不出水上的船隻或任何的細節，但事實上那橘紅色的太陽以及模糊的灰影，在看似潦草的筆觸之下，正生動地捕捉到法國Le Harve碼頭日出時透明的空氣、微暖的日照和蕩漾的波光，「印象派」一詞也因此而產生。

圖6-6 雷諾瓦／煎餅磨坊的舞會／1876年／油彩 畫布／131×175公分 ／巴黎奧塞美術館藏

這幅畫中場景位於巴黎蒙馬特區，離雷諾瓦住處不遠，他是現場寫生完成這件作品的。舞會舉辦的時候陽光普照，前景的人們坐在樹蔭下，陽光透過樹葉枝枒撒落在衣裙上，使整個畫面充滿光線的躍動感，人們的動作似乎不斷進行著，從畫中彷彿可以感受到跳舞的人們，正愉快地跳著舞步呢！

圖6-7 
（左）莫內／穿日本和服的女子．卡美伊／1876年／油彩 畫布／231.8×142.3公分／波士頓美術館藏
（右）菱川師宣／回眸美人照／江戶時代17世紀／絹本／63×31.2公分／東京國立博物館藏

由以上兩幅畫的對比，可看出日本浮世繪對印象派繪畫之影響。

圖6-8 席涅克／亞維儂教皇宮／1900年／油彩 畫布／75.5×92.5公分／巴黎奧塞美術館藏

直接把各種對比色的色點放置於畫布上，在視網膜上產生混色的視覺效果，比直接在調色盤中調好了顏色畫在畫布上來得明亮許多。

圖6-9 秀拉／大傑特島的星期日午後／1884～1886年／油彩 畫布／208×308公分／芝加哥藝術中心藏

這幅作品在描繪一個陽光普照的星期日下午，人們在公園遊玩的景色。為了製作這一幅巨作，秀拉花了兩年的時間繪製四百多幅素描稿和顏色效果圖，為的是讓顏色更加準確。

圖6-10 塞尚／玩撲克牌的人／1890～1892年／油彩 畫布／45×57公分／巴黎奧塞美術館藏

塞尚曾以玩紙牌的人為主題畫了好多張習作，共有五幅大小不一、人物數量不等、裝飾不同的同一主題畫作。這件作品是塞尚成熟期的作品，畫中人物看起來嚴肅專注，畫面只保留簡單的基本元素──人物與周圍的畫面與顏色筆觸，都具有同樣特質的色塊構成；無關緊要的細節消失了，作品簡潔有力。這種技巧給後來的立體主義帶來靈感，在此預見了畢卡索在20世紀的新風格。

圖6-11 高更／戴芒果花的大溪地姑娘／1899年／油彩 畫布／94×72.2公分／紐約大都會博物館藏

高更著迷於大溪地姑娘那純樸自然的風姿，他努力地用繪畫捕捉女性魅力和姿態，表情含蓄而豐富。這幅畫中，手持花盤的少女微微傾斜的面容似在沉思又像凝視，兩位少女手捧潔淨鮮花意味潔淨無瑕的形象，象徵著以一種神祕誘人的力量將大溪地的生命力奉獻給我們每個人。

圖6-12 梵谷／星夜／1889年／油彩 畫布／74×92公分／紐約現代美術館藏

梵谷運用對比強烈的色彩，使用更長、更有力量的線條，以漩渦狀的造形表現夜空中大氣擾動與星月交輝的景象，具強烈個人風格。

圖6-13 盧梭／入睡的吉普賽女郎／1897年／油彩 畫布／129.5×200.5公分／紐約現代美術館藏

盧梭40歲才開始自學繪畫，原本的職業是在巴黎一家收費站工作，退休後致力繪畫，博得「關稅員」的稱號。他的作品風格獨特，充滿著童話故事般的夢幻效果。

圖6-14 馬諦斯／綠色條紋的馬諦斯夫人／1895年／油彩 畫布／40.5×32.5公分／丹麥國立美術館藏

畫中的人物是馬諦斯的夫人，乍看之下臉部的那道綠色條紋十分駭人，但是我們若將畫拿遠一點觀看，就會發現那道綠色是左右臉明暗的交界帶，背景的平塗背景色又將前景主題襯托出來，他利用對比的顏色而非加深、加暗顏色來表現明暗與空間，使得較冷的顏色有暗面的感覺。

圖6-15 馬諦斯／巨大的紅色室內／1948年／油彩 畫布／146×97公分／巴黎龐畢度藝術中心藏

這件作品中大面積平塗的紅色最為醒目，簡潔而沒有粗細變化的線條、消失的地平線，以及畫中物體曖昧的前後關係，將畫面徹底的平面化。

圖6-16 杜菲／開著窗子的房間／1928年／油彩 畫布／66×82公分／巴黎丹尼爾馬林格畫廊藏

淡黃色調的房間明亮無瑕，窗外寶藍色的大海映入眼簾，鮮豔的紅色地毯襯托著潔白清新的鮮花，杜菲的作品流露出漫不經心的愉快氣氛，卻又隱含一股渾然天成的優雅。

圖6-17 孟克／吶喊／1893年／蠟筆 廣告顏料 畫紙／91×73.5公分／挪威國家畫廊藏

孟克的母親及姊姊在他童年時就因肺結核去世，而他自己也飽受疾病所苦，他說他想讓作品表達出「有呼吸、有感覺、有愛、有痛苦、活生生的人們」。這幅畫是表現主義最知名的作品，畫面中沒有任何具體形象發出尖叫聲，只有前景中的人物 雙手摀著耳朵，呈現空洞、令人毛骨悚然的表情。
畫面中的顏色近似於自然但被誇張得富有表現性：紅色的天空、藍色的水、棕色的地，加上動盪的天地，及利用強烈透視縮小左邊兩個遙遠不相干的行人，讓人感到一股十分鬱悶的情緒，不斷地隔著一層隔音玻璃傳遞過來。孟克說這幅畫是在他散步的時候得到的靈感，他當時感覺到：「一陣無止境的吶喊聲從大自然中穿透過來。」

圖6-18 克林姆／女人的三個階段／1905年／油彩 畫布／180×180公分／義大利羅馬國家現代美術館藏

1897 年，克林姆成為「維也納分離畫派」（Vienna Secession）的第一任主席，他開啟了一種新畫風，具有象徵性和裝飾性的特色，因此也特別適合用於設計應用領域，但因他的作品多半十分大膽前衛，所以在當時保守的社會中常遭到詆毀，但目前已被公認是不朽的藝術創作。
這幅作品將生命的週期深刻地表達出來，左邊年老的女子身體乾癟彎曲，顯示歲月痕跡無情地停在人的身上；而處於中間的是一位年輕的母親，頭髮綴滿花朵，新鮮潔淨的膚色，讓人感受到充滿成熟的生命力，她懷抱可愛的新生嬰兒，沉浸在母愛的光輝中。

圖6-19 席勒／穿長統襪斜躺的女人／1917年／水粉顏料 黑蠟筆 紙張／29.4×46公分／私人收藏

席勒的繪畫受到克林姆的影響，作品具有明顯的裝飾意味。而他也深受佛洛依德心理學的啟發，毫不掩飾地畫出人的心理與情感，生與死的欲望和恐懼交織成一幅幅驚恐不安的畫面。
他筆下的人物表情冷峻，形體扭曲瘦長，線條剛硬，特別能表現出人物神經質的情緒，令人望之震顫。為了描繪處在非常緊繃的精神狀態中的人物，他還特地去精神病院研究病人的神態與動作，果然畫出來的人物令人震撼並感動不已。

圖6-20 畢卡索／亞維儂姑娘／1907年／油彩 畫布／243×233公分／紐約現代美術館藏

畢卡索以簡潔的線條刻畫女子的五官，俐落地勾勒出或站、或坐的姿態，但他打破了傳統的視覺原理，以多視點的方式組成畫面，奇怪扭曲變形的臉孔，以及誇張地分解成幾何形狀的身體，展開了全新的藝術風格。畢卡索的藝術也深受非洲雕刻的影響，仔細看右側兩位女子的臉部，鼻子被拉長，鼻翼呈現銳利的削刻狀，眼睛被簡化成橄欖形狀，這些造形與非洲木雕的藝術特徵相符。

圖6-21 畢卡索／哭泣的女人／1937年／油彩 畫布／61x50公分／倫敦泰德畫廊藏

此作品是畢卡索最具爆發性的一件作品，女人哭泣的眼睛、張開抽搐著的鼻翼、還有似乎一面咬著白色手帕一面啜泣的嘴巴，在在把女主角哭泣時的動態表現得生動又有喜感。
立體派的繪畫技巧在此畫中十分明顯：在同一平面上，可以同時看見正面的眼睛與側面的眼瞼、側面的鼻子和正面的鼻孔，在前面的白色手帕卻與其後的兩旁牙齒交疊在一起，手指好像在擦拭鼻涕又同時抹去眼淚……。

圖6-22 布拉克／壁爐上的豎笛和蘭姆酒瓶／1911年／油彩 畫布／81×60公分／倫敦泰德畫廊藏

立體派的作品具有分割物體成各不同部分的特色，不同部分代表著不同的角度與視點：可看到畫中央有一半豎笛的指孔，還有一些像樂譜捲曲起來的符號，下方有個“WALSE”的字樣，但是“WA”卻是上下顛倒的，上方有個模糊的“RHU……”是萊姆酒“RHUM” 的前半部……，並且利用陰影造成這些物體像是從畫面中跳出來一般。

圖6-23 畢卡索／藤椅上的靜物／1912年／油彩 油布 藤編圖案紙 畫布 繩索框邊／26.7×35公分／巴黎畢卡索美術館藏

這是第一件使用真實現成物品拼貼的作品。可以在畫中看見印有藤籃的紙，再加上一些簡化幾何圖形和文字，完成之後，以麻繩捆邊當作畫框。

圖6-24 史波利／部分被雪梨雙年展的參觀者吃掉了／1979年／綜合媒材 立體拼貼／100×220公分／澳洲國家畫廊藏

史波利是二次大戰後的集合藝術大師，通常將日常生活用具如餐盤、器皿或玻璃等安置在桌上並吊掛在牆上，讓人覺得有空間上的錯置感。這件作品將桌布釘在木板上，吃剩的餐具用膠黏在桌面上，再把整個桌面垂直吊掛在牆壁上，形成一個有趣的集合作品。

圖6-25 薄邱尼／連續空間的特殊形式／1913年／青銅／118×88×37公分／紐約現代美術館藏

流動的形狀和肩膀與大腿誇張的動作，試圖傳達出堅定的行進感。

圖6-26 巴拉／褐雨燕：動線與動力連續鏡頭／1913年／油彩 畫布／96.8×120公分／紐約現代美術館藏

運用了許多波浪形的橫線條當作位移動線，並且就像動畫的連續鏡頭一樣，重疊了每秒的影像。

圖6-27 杜象／下樓梯的裸女2號／1912年／油彩 畫布／146×89公分／美國費城美術館藏

利用立體派的分割風格，將「女人下樓梯」這個動作在靜止的平面空間中，表現得動態感十足。

圖6-28 依利／下樓梯的杜象／1952年／多重曝光攝影

幾十年後，一位美國攝影師依利根據杜象〈下樓梯的裸女2號〉一畫的構想，以多重曝光的攝影方法拍攝。

圖6-29 康丁斯基／給愛文康伯四號作品／1914年／油彩 畫布／163×122.5公分／紐約現代美術館藏

康丁斯基認為色彩如同音樂一般能表現人的情感，在他的抽象作品裡，無法看出有具體的形象存在，不過他自己卻認為在他心中已有一幅風景，經過轉化之後才畫出來的。

圖6-30 蒙德里安／百老匯爵士樂／1943年／油彩 畫布／127×127公分／紐約現代美術館藏

紐約的生活深深打動蒙德里安的想像力，燈火不息的夜生活、棋盤式寬廣街道上繁忙的車輛、音樂與藝術永不停歇的大都會，都讓他對視覺創作產生了更新的感觸。在這幅畫中他使用紅、藍、黃、灰、白這幾種單純的顏色，利用他們之間顏色的對比與面積的大小，不規律地排列成一條條隔線與方塊，產生視覺上的韻律，就像紐約市中心棋盤狀的街道，充滿著閃爍的燈光與爵士樂的聲響，彷彿還能聽到汽車喇叭鳴聲。

圖6-31 帕洛克／作品第一號／1948年／油彩 畫布／173×264公分／美國華盛頓國家畫廊藏

帕洛克的作畫方式是用筆、棒子或罐子將油畫顏料直接灑在畫布上，結果就出現了交錯縱橫層次堆疊的網狀圖案，這樣的畫作可說是用隨機的行動偶發完成的，摒除傳統的框架與構圖，是抽象藝術的極致表現。

圖6-32 佛拉文／憂沙拉的第一和地二幅畫的三分之一／1964年／複合媒材裝置／私人收藏

極簡藝術讓人們回到形、色最單純的視覺感受。

圖6-33 杜象／噴泉／1964年 ／陶製小便器／高60公分／費城美術館藏

杜象在一次大戰爆發後抵達美國，參與了紐約的達達運動，在反對一切教條文化與所謂的理性主義驅使之下，他購買來一個全新的小便斗寫上“R. Mutt, 1917” 的字樣，代表製造者和日期，就送去獨立藝術家協會展覽展出，竟然沒有被接受。但是他大膽挑戰藝術品的意義，卻讓往後的藝術家有更大膽的創作嘗試。原作已佚，此為之後的複製品。

圖6-34 曼瑞／禮物／原作於1921年，1958年仿製／高16.5公分／紐約現代美術館藏

在傳統的熨斗上加上了一排銳利的釘子，降低了熨斗的實用性，卻提高整體造形的創意與美感。這樣的熨斗，還是熨斗嗎？就既有的審美觀點，這還算是一件藝術品嗎？
這件作品是曼瑞在巴黎第一次個展上送給美術館的創作。曼瑞在開展前當天下午才製作這件作品。他將一排14根釘子黏在熨斗的底部，然後將這件沒有在原來展覽作品清單上的作品置於展場上與其他畫作和拼貼作品一起展出，也當作是送給畫廊主人的一件禮物。這件讓人感到尖銳不安的作品展出時吸引了最多人的注意，在這天展覽結束時，這件作品也不見了。

圖6-35 馬格利特／這不是一根煙斗／1926年／油彩 畫布／63.5×93.98公分／美國洛杉磯郡立美術館藏

這幅畫不是真的煙斗，但是卻呈現著煙斗的影像，那這到底是不是一根煙斗？馬格利特藉著這張畫，試圖要辯論圖像和文字語意之間，虛幻與真實意義分離的關係。

圖6-36 米羅／世界的誕生／1925年／油彩 畫布／250.8×200公分／紐約現代美術館藏

米羅用非正統的繪畫方式，筆畫之外還用潑灑、甩擲等，再用一些看似很隨意的線條畫出鳥、風箏、流星、氣球……，他要表現生命是在一團沒有解釋、沒有結論的混沌世界中誕生的。

圖6-37 達利／龍蝦電話／1936年／石膏 綜合媒材／17.8×33×17.8公分／倫敦泰德藝廊藏

超現實主義藝術家最喜歡將不相干的一些東西結合在一起，產生相當奇異富幻想的畫面。

圖6-38 馬格利特／危險的謀殺者／1927年／150.4×195.2公分／油彩 畫布／紐約市現代藝術博物館藏

超現實的故事情節，房間裡一個裸女口冒鮮血的躺在沙發上，另有一個穿著整齊被認為是嫌犯的男人正準備要離開，但是卻又被音樂吸引住，看起來十分的從容自在。而門外已經有兩個像偵探的男人正等著要逮捕他，窗外也有三個長得像三胞胎的人正目擊整個案件的發生，這三胞胎的眼睛，就像畫家跟觀眾的觀點一樣，暗示著真相。

圖6-39 達利／睡／1937年／50.2×76.7公分／油彩 畫布／私人收藏

一隻怪物被細長的竿子撐住。軟質的物體是達利的繪畫註冊商標，他用絕佳的寫實技巧畫出軟掉的時鐘、人臉等，似乎像現代電腦繪圖變形過的那樣既夢幻又不合邏輯。

圖6-40 夏卡爾／我與村莊／1911年／192.1×151.4公分／油彩 畫布／紐約市現代藝術博物館藏

夏卡爾來到巴黎一年後畫了這件作品，回憶他在俄羅斯農村猶太社區的景象：在農村中，農人和動物們比鄰而居，農夫和動物的眼睛間有一條細線連接著，代表人與動物彼此互相依賴的濃厚情感。畫面下方有一棵茂盛的樹，象徵著生命與農人的辛勤工作。這件作品的作畫形式來自於立體派的幾何分割塊面，但是卻保有夏卡爾個人獨特風格，讓這些不同形狀的幾何圖形分別代表了不同的空間，也藉此將他的心靈帶回了兒時在俄國的家鄉。

圖6-41 莫迪里亞尼／珍妮．赫布特妮肖像／1918年／100×65公分／油彩 畫布／洛杉磯諾頓塞門美術館藏

這張作品莫迪里亞尼採用了他典型的畫法──長脖子、沒有眼珠的藍色眼睛，以及橢圓形修長的身體。畫中女子溫柔沉靜，是藝術家為妻子製作的肖像畫，流露出真摯的情感。

圖6-42 布朗庫西／吻／1907年／石材／高28公分／羅馬尼亞博物館藏

布朗庫西放棄了傳統細膩的雕塑形式，轉而追求極致的簡化，樸拙又抽象，呈現生命單純的美好。

圖6-43 亨利．摩爾／斜躺的女人雕像／1938年／石材／長133公分／倫敦泰德美術館藏

摩爾強調雕塑時不是把石塊打碎，而是尋找石頭的原型，他企圖雕塑的不是一個石頭女人，而是要找出一個象徵女人的石頭。

圖6-44 杜象／腳踏車輪／1913年／現成物：腳踏車輪、凳子／高126公分／紐約現代美術館藏

杜象認為不論是自然的產物或是日常生活用品，只要加入藝術家的巧思與創意，都可以賦予全新的意義成為藝術品。他在椅子上裝了可轉動的腳踏車輪，並且利用光影投射效果，使其看起來像有兩個車輪在轉動一般。反應了機械與科技文明在20世紀扮演的角色。

圖6-45 亞歷山大．考德／紅色的勝利／1951年／金屬 漆 線／279.4×584.2×457公分／紐約佳高山藝廊藏

圖6-46 科史士／一張椅子及三張椅子／1965年／椅子的照片 木椅 椅子在字典裡的定義／紐約現代美術館藏

什麼是椅子？真實的椅子與照片中的椅子，還有字典裡面對椅子的定義，都是椅子嗎？

圖6-47 克萊因／人體測量20──吸血鬼／1960年／油彩 畫布／109.2×76.2公分／私人收藏

法國藝術家克萊因請來裸體模特兒，在她們身上塗抹油彩，隨著現場演奏的音樂，在觀眾面前滾印到大張紙上，然後再將作品框襯完成，創作的過程與結果被視為同等重要。
克萊因的這件作品，不管是創作過程或結果，在整個情境設計與安排中，男性都穿著正式服裝，擔任觀賞的角色，而女性身體是創作的工具且是被觀賞的對象，這是值得我們省思與檢討的富有爭議的做法。

圖6-48 派克／冷暗物質／1991年／約400×500×500公分／英國泰德美術館藏

喜歡用不因循傳統方式創作的英國藝術家派克，在室內裝置了如宇宙誕生的場景。派克把一個燒焦的花棚、老舊的爆裂物，及遭戰爭炸毀的碎片等等別人不要的廢棄物懸吊起來，中心裝置燈泡，閃爍的光線在整個室內空間裡產生像宇宙大爆炸的景象。

圖6-49 華德．瑪莉亞／閃電的曠野／1977年／鋼柱柵欄 閃電 地景藝術／高628.6公分×直徑5.08公分，鋼柱400根，間隔約67公尺，排列成約1.6平方公里的矩陣／美國新墨西哥州

60年代中期以後，有藝術家將他們的創作移到戶外，利用自然環境成為其立體創作的部分媒材，將人為的作品與大自然結合。地景藝術具有一種反工業和反城市的美學傾向，同時也具有環保意識省思。

圖6-50 凱爾．連恩／燒焦的草皮／2009年／地景藝術／457×762公分／費城2010年印刷圖像藝術節活動

作者以環境藝術的創作，表達印刷的表現原理，即留下印痕。特別的是作者以草皮為底材，將部分草皮挖除，露出底下的褐色土壤，形成各種有機圖形。創作者將此種草皮上的圖紋視為印刷的印痕，相當具有創意。

圖6-51 安格爾／宮女／1814年／油彩 畫布／91×162公分／巴黎羅浮美術館藏

「宮女」對游擊隊女孩來說，背後隱藏的政治意義可沒有畫面中那樣美麗，因為「宮女」是女性奴隸的意思，被用來吸引男性觀眾。

圖6-52 游擊隊女孩們／女人一定要裸體才能進入大都會美術館嗎？／1989年／廣告海報／巴黎龐畢度中心藏

「在現代美術的展區裡女性的作品數少於5％，但卻有85％的作品是女性的裸體！！」1989年美國紐約有一群自稱為「游擊隊女孩們」的匿名藝術家，挑戰美術館收藏品鮮少有女性藝術家的作品，卻充滿著裸體的美女畫作，如19世紀安格爾的畫作〈宮女〉美則美矣，卻有被用來服務男性觀眾喜好之嫌，於是「游擊隊女孩們」設計了一張海報，把〈宮女〉美麗的頭換成了大猩猩的面具（游擊隊英文諧音大猩猩），非常具有反諷的效果。

圖6-53 柳美和／我的祖母系列之Hiroko／2001年／數位影像／私人收藏

穿著入時和服的老人Hiroko正向孫女教導人生哲理與做人處世的道理。優雅的祖母與金髮的年輕孫女的教誨對話，與旅館凌亂的衣物形成一種對比。
這一系列夢幻婆婆的影像，反映出作者對於獨立自主且事業成功的女性的頌揚，及表現出日本新一代年輕女性樂觀且狂放的夢想與自我期許的特性。

圖6-54 塔悠／殖民圍巾／2004年／裝置／第8屆里昂雙年展

在蛇形的吊桿上，繫上花色不同但形狀略同的各種圍巾，而其中暗藏世界各國國旗。作品探討民族情感與後殖民情境下的國際議題。

圖6-55 阿瑞洽／猜忌的花園／2004年／裝置／2006臺北雙年展

以電子監視器布置成的大樹，如同一個社會的花園，人們既受其保護，也受到監視。

圖6-56 學生作品一：看／2009年

從萬花筒看出來的世界。厚塗的顏料、鮮豔的色彩，十分成功地描繪出從萬花筒看出來的感覺。

圖6-57 學生作品二：眼的異想 ／2009年

插畫式的風格令人感到愉悅莞爾。