●美術乙版上冊Ch01

學習目標

1.  能運用各種創作媒材，增進創作的基礎能力與多樣的表現能力。

2.  能透過藝術去發現自己的價值，並進行與生活相連結的觀察與省思。

3.  能運用藝術鑑賞說明自己的感受與觀點，並尊重他人想法。

在開始探索藝術之前，讓我們試著回想過去的創作經驗。求學時你是否曾趁老師不注意，在課本的古人圖片上偷偷添加了幾筆？這次不用偷偷摸摸的，就讓你在美術課盡情享受創作的快感吧！不管是要用簽字筆、原子筆、立可白或其他媒材都可以喔！

創作能引發思考——美術的意義與範疇

在圖像上塗鴉，你並不是第一人喔！藝術家馬歇爾．杜象（Marcel Duchamp, 1887-1968）用鉛筆在李奧納多．達文西（Leonardo da Vinci, 1452-1519）的〈蒙娜麗莎〉彩色複製品上加上了小鬍子，看似「隨手亂畫」，卻是藝術家試圖以此方式引發人們對藝術創作重新思考。然而，有時候藝術創作並非憑空而來，而是透過由不同的角度看待與思考問題，進而賦予作品獨特的意義。

杜象／留著鬍子的蒙娜麗莎／1919年
複製畫加鉛筆／19.7×12.4公分／私人收藏
杜象在達文西〈蒙娜麗莎〉的複印海報畫上鬍子，下方再寫上「L. H. O. O. Q.」，這些字用法文念起來就像是「她有個騷屁股」（Elle a chaud au cul），透過荒謬手法引起眾人重新反思藝術。

創作時，需要專注、觀察、想像、思考、表現等和腦細胞網路密切連結，透過與生活周遭的外物接觸，進而運用藝術創作來輸出表達。因此，美術課著重的不僅是畫得像不像，而是透過各種藝術表現形式，調動你的視覺、聽覺、觸覺、嗅覺等多種感官來領悟世界，進而獲得情感上的愉悅滿足。

《莊子．知北遊》：「天地有大美而不言。」天地自然的美無法言喻，要由我們自己去發現。身為人類的我們，透過「眼睛」接收美的意識與動物有所不同，藉由五感，我們能感知生活、發現美、感知美，進而創造美。而生活中以視覺藝術為核心表現的造形藝術，我們統稱為「美術」（Fine arts），如繪畫、建築、雕塑；若加上音樂、舞蹈、文學、戲劇及電影等形式展現，則統稱為「藝術」（The arts）。

在學校的學習歷程中會接觸到大量的資訊，由聆聽獲得的資訊只能記住10%，透過文字是20%，圖像繪製則可達80%。在外物輸入層面，「眼睛」是我們接收資訊最重要的感官之一；行為輸出層面，繪畫亦能幫助我們同時使用左右腦的協調發展。

形式媒材的創作——媒材呈現的樣貌

藝術家透過媒材，以純熟的技法，將美的意念經由觀察、體驗、想像、重組等，表現內在情感，建立獨特風格，但媒介材質的選用，卻也會受到時代、地域、材料、表現內容及自己擅長與否等因素影響。在求學階段也許難以擁有專業的媒材工具，但我們身邊仍有許多素材可以取得及運用，從課前彩繪的古人圖片，你是否知道你的手繪能力是屬於哪一種表現手法呢？接下來我們分別就身邊表現手法簡單的塗鴉，從生活中練習觀察素描及認識塗刷顏料繪畫，並學習認識版畫、雕塑及複合媒材等其他的媒材，進而能選擇運用不同的媒材，來傳達思想、與人溝通。

記錄溝通的塗鴉

塗鴉（Graffito）義大利文之意是「亂寫」，而塗鴉（Graffiti）意指在牆壁上亂塗寫出的圖像或畫，最初是指在古跡、古墓或廢墟上找到的銘文或圖畫，以廣義的塗鴉而言，史前時期人們在洞穴中畫上的壁畫也屬於塗鴉。而這些遠古的岩洞壁畫，則是取材天然的物質作為創作材料，用繪畫記錄生活，是一種關於生存、遊戲、記錄、傳承與信仰的本能需求，這些畫面都是源自於遠古時期人們的生活樣貌，在當時應該沒有人還要去上所謂的「美術課」吧！

法國拉斯科（Lascaux）洞穴壁畫
西元前15000-10000年
畫面大多是粗線條的輪廓畫剪影，即在黑線輪廓內用紅、黑、褐色渲染出動物的體積和重量，形象生動、色彩明快，富有生氣。

遠古時期的媒材
據研究發現，早在6萬5000年前的尼安德塔人（Homo neanderthalensis）時代便有壁畫藝術作品，可見繪畫可能在早期智人（Archaic Homo sapiens）身上就已經出現。以1979年被列為世界文化遺產的法國拉斯科洞窟壁畫為例，這些圖畫中出現了黑、紅、黃及其他色彩，可推測除了使用木炭之外，還運用了有色土壤、石頭或礦物的研磨物，以及動物的脂肪、皮膠、泥漿等調製色彩。

過去人類尚未發明出可清楚表達意見與想法的文字，僅透過繪畫表達自己的想法，作為溝通與記錄，儘管是科技發達的現在，泥土仍然是藝術家創作的良好媒材。或許在一般人眼裡，泥土的顏色單一又單調，但在日本藝術家淺井裕介（Yusuke Asai, 1981-）眼裡，泥土的顏色千差萬別，因此他每到一處創作，就會採用當地的泥土作為顏料。而在臺灣，藝術家洪晧倫（1977-）則是四處採集土壤，以臺灣在地天然媒材作畫，試圖藉由藝術創作找回人與土地、自然的連結，用藝術與天地自然構築共生共存的可能性。

淺井裕介／大地從天而降／2019年
泥土／23×123公尺
武隆．懶壩國際大地藝術季展出
採集了武隆各色泥土曬乾、碾碎，調製成各色顏料，利用泥沙中的色素描繪複雜的圖案，並與武隆當地的小孩和村民一起創作，共同完成規模巨大的現場畫面。

洪晧倫／台灣本土紀行／2015年
泥土 油彩 畫布／162×130公分／私人收藏
以臺灣泥石礦製成獨一無二的油畫顏料來作畫，畫面中呈現深咖啡色、棕色等不同層次的色彩變化，帶著些許粗砂顆粒的質感，並用流動性的色塊強調臺灣自然山川大地之美。

塗鴉創造型

我是塗鴉創造型的蒙娜麗莎！

觀察寫實的素描

「素描」在各國的意涵各有異同：在英文（drawing）中意指描繪、繪製草圖，在義大利文（disegno）中指用線條與符號做成的形象或草稿，而在德文（zeichnung）中則是指製圖，綜合上述意涵，可以將素描視為創作前的準備階段或練習，藉由素描來鍛鍊觀察物體的能力，進而培養描繪明暗效果和造形的技巧，加強線條和組織紋理的運用能力。

達文西／聖母子、聖安娜和施洗者約翰
1499-1500年／炭筆 粉筆 畫紙
141.4×104.6公分／倫敦 國家美術館藏
此作展出時，博物館為了防止碳粉掉落，將展出光線減弱，卻也剛好為此作營造出虔誠的氣氛。

然而素描的概念隨著時代環境、媒材與創作觀念的演變，而有不同的詮釋與定義。近代素描也成為藝術家面對事物最直接的表達媒介，例如曾擔任護理師的藝術家劉世芬（1964-），以銳利的覺察力，觀察以男性為主流的醫界對比以女性為中心的護理界，察覺女性在生物學、社會學上所背負的命定角色，而使用大量的醫學專書頁面，手繪許多心靈所感的圖像，透過持續的創作反思性別刻板印象，並試圖解開自身存在之謎。

劉世芬／現象書簡-P.2跪著的舌頭／1997年
英文醫學書頁 鉛筆 壓克力 木板
58×105公分／私人收藏
將醫學研究的專書書頁撕下拼貼在木板上，再加上藝術家個人心情隨想的手繪日記，以表達個人喃喃自語的私密心情寫照。
 

一般來說，素描確實可以透過不同的工具產生不同的筆觸與質感，素描的描繪也並非只能在紙張上作畫，還能選擇其他的基底材來表現，例如布、木板、金屬板、紙箱等，甚至可以是一根根的「釘子與縫紉線」，只要你願意嘗試，各種素材都可以成為你創作的媒材。

常見的素描媒材工具
工具材料對素描而言，只是一種手段，而非目的。在材料的選擇上，不必過於拘泥，只要能符合素描學習的要求與效果，任何材料皆是可以運用的。

山下工美（Kumi Yamashita, 1968-）
星座-MANA No.2／2013年
釘子 縫紉線 木板／39×30.5×3公分
私人收藏
藝術家在塗有純白色的木板上，釘上數千個鍍鋅的小釘子，並以一根不間斷的縫紉線纏繞於釘子上，呈現出迷人的光影素描肖像。

素描創作型

我是素描創作型的蒙娜麗莎！

媒材多樣的繪畫

「繪畫」（painting）主要是指使用刷子作為著色工具的表現類型，是一個以表面作為支撐面，再塗刷顏料的行為，塗料即色料與媒介劑（medium）混合使用，而那些表面可以是紙張、油畫布、木材、漆器或牆壁等。在繪畫的創作上，包含利用此藝術行為，再加上圖形、構圖及其他美學方法，表現出其中的概念及意義。

畫家透過畫中的構圖、造形、線條、色彩等表現方式，表達創作者的情感及想法。而藝術創作的具體手法很多，按工具、材料及技法的不同，常接觸到的有水墨、水彩、油畫、壓克力、膠彩等，甚至可以多樣使用混合而成複合媒材。

常見的繪畫媒材工具
可由介質、溶劑、基底材等區分水墨、水彩及油畫的不同。水墨以溶於墨中的膠為介質，以毛筆沾水，畫於宣紙或棉紙等基底材上；水彩同樣使用水為溶劑，但卻是以阿拉伯膠為介質，多以紙為基底材來創作；油畫則是以亞麻仁油為介質，並輔以一種黏稠而不易乾化的油為溶劑，使用油畫筆或刮刀，多畫在油畫布或木板上。

 水墨 
鄭問（1958-2017）／東周英雄傳：介子推揹母／1990年／油漆 墨 廣告顏料 宣紙
35×27公分／私人收藏
《東周英雄傳》連載於日本講談社，並在1991年獲得日本漫畫家協會的「優秀賞」，鄭問成為第一位獲獎的非日籍漫畫家，此作被認為是藝術性極高的一部作品。鄭問在工具使用及畫法上都相當創新，此圖便是運用油水分離表現抽象畫面，並結合水墨技法於漫畫中，描繪孝順的介子推揹著母親隱居入山，最後卻被燒死在山上的故事。

 水彩 
程振文（1964-）
「歲痕」系列——泰雅阿嬤13-1
2013年 ／水彩 紙／76×56公分／私人收藏
水彩是以水為媒介調和顏料來作畫，此作以栩栩如生的細膩畫風，描繪出臉上滿是皺紋卻掛著開懷笑容的阿嬤，並記錄下泰雅原住民族美麗的頭飾，藉由水分暈染背景，展現出水彩特有的沉澱效果與擴散暈染的趣味。

 油畫 
達文西／聖母子與聖安娜
1503-1519年／油彩 木板／168×130公分
巴黎 羅浮宮博物館藏
油畫是以油作為媒介調和顏料作畫，乾後堅實不易剝落，作品容易保存，因此成為西方傳統繪畫中最常使用的媒材，此作可以和課本圖1-6〈聖母子、聖安娜和施洗者約翰〉對照觀察。達文西以羔羊代替了草稿上施洗者約翰的位置。畫面中的人物形成一個以安娜為頂點的三角形構圖，以天倫之情及細緻的筆法來歌頌神的不朽，使畫面洋溢著神聖的光輝。

繪畫創新型

我是繪畫創新型的蒙娜麗莎！

  思考看看  

回想一下你在課本第3頁繪製的古人圖片，你覺得你是屬於哪一種類型的創作手法呢？
①塗鴉創造型
②素描創作型
③繪畫創新型

多元創作的媒材

在媒材使用上，除了前述的平面創作之外，還有以雕塑造形的表現形式。「雕塑」（sculpture）是以物質材料和人為製作，創造出三維空間形象的藝術表現。雕塑最早主要透過減除（雕）或疊加（塑）的方式來進行創作。「雕」即雕刻，如石雕或木雕；「塑」即塑造，如陶塑和泥塑，在造型上可分為圓雕、浮雕及透雕。

 立體雕塑 
黃土水（1895-1930）／少女／1920年
大理石／28×35×50公分
臺北市 太平國小藏
相較於有的石材質地過於堅硬不易做造型，有的過於脆弱不易保存，大理石為變質岩，質地柔軟易於雕刻，適合用以雕塑靈動變化而複雜的人體和動物，例如此作少女細緻的臉龐。

 立體雕塑 
袁星亮（1992-）／春芒．桃花島／2018年
泥塑／32×27×37.5公分／私人收藏
泥塑是中國傳統民間藝術中最為古老的一種藝術形式，以泥土為原料，手工捏製成形，此作以《桃花女龍》的民間故事為背景，在桃花女飄逸的長髮中，帶出奇樹、小橋、寺廟，流暢的線條融和超現實與神話，而不受雕塑本身的複雜結構所影響。

現代主義的雕塑，在材料及創造手法上都具有很高的自由度，可以利用雕、焊接、模塑或鑄造的方式，在各種不同的材質上進行創作，如青銅或不鏽鋼，使雕塑創作達到另一個多元的層次。

 立體雕塑 
傑夫．昆斯（Jeff Koons, 1955-）／氣球狗
1994-2000年／不鏽鋼雕塑／
307.3×363.2×114.3公分 ／ 私人收藏
昆斯將原本容易爆破的氣球，改以不鏽鋼骨架、鏡面加工方式，並放大可愛圓潤的氣球狗造型，賦予鮮豔飽和的色彩，以此展現節慶與派對時的歡樂氣氛。

隨著創作的需要，於一藝術作品運用兩種或兩種以上的媒材創作，而非單一媒材的表現，稱為「複合媒材」（mixed media）。但是在科技進步的今日，藝術創作也呈現前所未有的發展，開始與電腦、網路科技、電子影音結合，透過電腦及相關多媒體技術，藝術家能更自由的運用電腦軟體介面進行存取、傳送、修改組合圖片或影像合成等，產生更多元的藝術創作。

 複合媒材 
吳天章（1956-）
再見春秋閣（影像截圖）／2015年
複合媒材／149×96×10公分
第47屆威尼斯雙年展臺灣館中展出
既為單頻道錄像（4分10秒），同時也是一件動態影像，在開始與結束投映時啟動機關設置，背景帷幕和水手投影會隨著臺語歌曲而變化移動。

 多媒體藝術 
林珮淳（1958-）
「夏娃Clone肖像」系列／2010年
3D動態全像攝影 壓克力鋁框 聚光燈
每幅58×46×4公分
臺北數位藝術中心展出

主題內容的展現——作品主要的表達

傳達一件作品外貌的因素，除了作品本身的「形式」媒材，還包括了「主題」內容的展現。創作者透過藝術作品，將欲傳達的情感、觀念與意義，或隱藏於作品背後的文化、歷史等內涵呈現出來，藝術創作的主題內容通常會反映出時代性與文化性。

像是米開蘭基羅．博納羅蒂(Michelangelo Buonarroti, 1475-1564)以〈創造亞當〉來描繪《創世紀》中上帝創造人類始祖亞當的情形，喬治．秀拉(Georges Seurat, 1859-1891)則是以〈大傑特島的星期日午後〉記錄了當時的環境與情感，而19世紀法國歷經了拿破崙．波拿巴（Napoléon Bonaparte, 1769-1821）稱帝、復辟、共和等時代，政治動盪不安，歐仁．德拉克洛瓦（Eugène Delacroix, 1798-1863）便以〈自由女神領導人民〉反映社會的脈動，把政治融入在繪畫中，將自由與人性化為一體，畫中女性為一個時代的象徵，引導著人民勇往直前。

 宗教信仰  宣傳教化人民

米開蘭基羅／創造亞當／1508-1512年
溼壁畫／280×570公分
梵蒂岡 西斯汀禮拜堂
在《舊約聖經》裡，亞當是上帝將生命之風吹進泥人中所創造而來。藝術家將故事稍作改編，以接觸食指來表現，並刻意讓上帝與亞當之手保持一點空隙，好像上帝創造生命的瞬間被永遠定格，留給觀眾無窮想像空間。

 人文風景  城市景色紀錄

秀拉／大傑特島的星期日午後
1884-1886年／油彩 畫布
207.5×308.1公分／美國 芝加哥藝術學院藏
這裡曾是一個遠離市郊的休息寓所、工業場地，不過現今已成為公共花園和住宅開發用地，但我們卻可以透過作品看見過去的人文風景。

 社會關懷  展現時代脈動

德拉克洛瓦／自由女神領導人民／1830年
油彩 畫布／260×325公分
巴黎 羅浮宮博物館藏
以豐富的色彩、強烈的明暗對比和生動細膩的表現力，描繪當時革命激昂的情感，畫面所傳達的訊息發人深省，使觀眾彷彿身歷其境。

隨著文明的發展，自然環境遭受人類活動影響，不可再生資源的開採超出了環境所能負荷的程度，地球變得日益脆弱，不只改變了自然環境的樣貌，也危及萬物的生存，因此有些藝術家透過作品反思人與自然的互動，例如從小在山區長大的藝術家洪天宇（1960-），回想挖土機與工廠進駐山林，堆積如山的垃圾取代花草成為山林中最常見的不速之客，於是在〈霧社今日〉作品中，以白色區塊代表人類建設取代自然環境，運用藝術傳達內心的沉痛，並期待能喚醒大眾對環境保育的關注，帶領觀者重新思考我們的生活。

 觀念思辨  多元議題思考

洪天宇／霧社今日／2010年／油彩 畫布
91×117公分／藝術家自藏
創作議題關注於人類對大自然的破壞。在畫作中以「留白」的方式，表現自然與人為開發的衝突，呈現社會集體操縱意識中藝術家的個人控訴與表白。

經由這些作品所表現的主題來看，不僅能記錄人類文化的發展脈絡，也能反映出不同時代的人類思想、情感等精神文明。因此，隨著時代推進、人為思潮演變、社會環境的改變，藝術的主題內容與表現形式必然會隨之變化。

藝術除了描繪再現外在世界，藝術作品也反映藝術創作者的內心世界。

墨西哥藝術家芙烈達．卡蘿（Frida Kahlo, 1907-1954）便是以自畫像重新發現自我。她6歲時感染小兒麻痺症，18歲時又遭逢一場重大車禍，使得她一生必須與病魔、傷痛、開刀手術及療養等生理痛苦為伍，但她並未因此受挫妥協，而是將所有的經歷化為創作的靈感。

 內心探索  繪出生命樣貌

卡蘿／破碎的脊柱／1944年
油彩 纖維板／39.8×30.6公分
墨西哥 多洛雷斯．奧爾梅多博物館藏
卡蘿經歷重大車禍，在多次手術恢復期間完成此作品，在皮膚上畫上滿滿的鐵釘，滿臉的淚珠都在深深表達她肉體與內心的疼痛和壓力。

卡蘿的許多畫作受到墨西哥自然人文的影響，經常使用鮮明的色彩展現出墨西哥風情，並透過自畫像來表達她對破碎自我的觀感、身體上的病痛與心靈上的悲傷，透過藝術描繪生命歷程，將心中的不美好放入畫中，這些不完美的事，皆是她創作的力量。

 內心探索  繪出生命樣貌

卡蘿／自畫像與荊棘項鍊和蜂鳥／1940年
油彩 畫布／61.2×47公分
奧斯汀 哈利．瑞森人文科學研究中心藏
戴著宗教意涵的荊棘項鍊，蜂鳥象徵祈求愛情的庇佑，後方的黑貓卻意味著死亡及厄運，處處暗示著她婚姻不順的遭遇。

而曾是菜販婦人的臺灣藝術家柳依蘭（1966-），沒受過專業美術訓練，卻用心自學，深入文學、藝術及哲學的思想與人文思潮。她的作品承載著傳統社會對女性投射的壓力，傳遞出內心的掙扎、苦澀與憂愁，並透過畫作探索人存在的生死真實感、家庭與周遭世界的微妙關係。

 內心探索  繪出生命樣貌

柳依蘭／不許紅顏見白髮——我的蒙娜麗莎
2013年／油彩 畫布／230×100公分
高雄市立美術館藏
此作以中國長卷形式敘述時間的流動性與象徵性，由經典的蒙娜麗莎、勇於展現自我的卡蘿，最後回到自我，象徵不同時代的人文精神與某一美學指標。

張恩慈（1983-）則以經典的童話故事公主為形象，藉由編織縫合的方式，以隱晦的線條表現情欲或祕密，將自我投射於縫紉中的公主，藉此顛覆人們對於童話的概念，並反轉原本對於公主的刻板印象，以探討真實人生與童話的關聯性。

張恩慈（1983-）則以經典的童話故事公主為形象，藉由編織縫合的方式，以隱晦的線條表現情欲或祕密，將自我投射於縫紉中的公主，藉此顛覆人們對於童話的概念，並反轉原本對於公主的刻板印象，以探討真實人生與童話的關聯性。

 內心探索  繪出生命樣貌

張恩慈／你的公主-2／2013年
彩色繡線 毛線 油彩 畫布／136×120×5公分
藝術家自藏
藝術家將原是刺繡時反面所留下的層層線團，翻轉為作品的正面，刻意於畫面中創造出不經意的線條，並透過縫繡遺留的線條，展現內在欲望與不尋常的姿態，使處於不同世界的形象產生對話性。

藝術的學習，本是一種多元取向的認識和探索。透過藝術家之眼，觀者得以跨越狹隘的刻板印象，在藝術創作中，窺見真正的愛與自由。

脈絡風格的詮釋——作品脈絡的辨別

除了前述所提及的主題內容，大多都是關於人與社會的關注之外，其實也有描寫自然景觀的作品，甚至也有融入自我人文內涵而形成個人獨特的創作。像是風景畫可以描寫的題材相當多樣之外，觀察的點或角度不同，也會導致作品的面貌不同。作畫時運用定點透視與移動視點的表現，在畫面上所傳達的境界也各有異趣。

即便是相同的主題（自然之美）或相同的形式（平面繪畫），作品也會受藝術家的生平、所在的地理環境、創作時代及創作動機等的「脈絡」影響，而呈現出獨特的「風格」。藝術家的養成必然要經過多方訓練的過程，不斷地試煉、雕琢其技法，最終方能形成獨樹一幟的風格。

不妨先來思考一下，這些藝術家用什麼觀點去描繪自然呢？我們可以嘗試在空白處畫出你心中的樹，在作品裡加入一些個人的觀點，例如從顏色、構圖、媒材等各方面來詮釋當下的心情，再把你的觀點加進去。就讓我們試著從繪畫來表現出自己的腦內情境吧！

同樣是以樹作為創作題材，以皮特．蒙德里安（Piet Mondrian, 1872-1944）為例，一個畫家在不同時期，因為關心的重點不同，對於題材詮釋的結果也就迥然不同。樹是蒙德里安最喜歡的繪畫主題，從一棵樹的變遷，就能看出他從學院派到抽象派的變化。抽象的目的並不是要追求不像，而是把實際物體從具象寫實中抽離出來，運用點、線、面等「符號化」的形象來組織一種概念化的方式。或許從蒙德里安的單一作品很難看出其淵源，但可從一系列或歷程中，來檢視抽象的理性邏輯。

蒙德里安／夜晚；紅樹
1908-1910年／油彩 畫布
70×99公分／荷蘭 海牙市立美術館藏

蒙德里安／灰色的樹／1911年
油彩 畫布／78.5×107.5公分
荷蘭 海牙市立美術館藏

蒙德里安／開花的蘋果樹／1912年
油彩 畫布／78.5×107.5公分
荷蘭 海牙市立美術館藏

蒙德里安／構成第七號／1913年
油彩 畫布／104.4×113.6公分
紐約 古根漢美術館藏

藝術家在觀察景物的時候，可以從整體的大場域以遠景觀看，使作品具有一種寬廣遼闊的氣勢；也可以近景特寫，寄情於周遭的小角落；或表現介於兩者之間的中景視野，呈現一種悠哉且親切的感覺；甚至用移動視點的方式，綜合遠景、中景、近景於畫面之中，如北宋郭熙（約1023-1085）〈早春圖〉，表現讀書人在遊歷山水與寄情自然之間，而將時間與空間壓縮於同一畫面中，呈現東方美學獨特的視角；但在鄭建昌（1956-）的作品中，反而是以樹為本體，藉此描述我們生長的島、生長的環境是如此矛盾坎坷，以展現自我對於土地的情懷。

郭熙／早春圖／1072年（北宋）
水墨淺設色 絹／158.3×108.1公分
臺北 國立故宮博物院藏
這幅畫的主要景物集中在中軸線上，以全景式高遠、平遠、深遠相結合之構圖，表現初春時北方高山大壑的雄偉氣勢，情趣盎然，為觀者營造「可行」、「可望」、「可遊」、「可居」的境界。

  中國山水畫  

中國山水與西方的「定點透視」不同， 通常是運用「多點透視」，從不同的角度觀察，虛實交錯，不限定時間與空間，各項景物的分布營造出綿延不止的迴旋之感，更貼近藝術家創作時的心境。

鄭建昌／青天生命樹／2019年／油彩 畫布
116×91公分／私人收藏
將過往經歷比喻為不死的生命樹，老幹枯萎、新枝再生，死而化作春泥，生而萌放如花，生死之間，循環輪轉，以此呼應過往的歷史。

藝術家專欄

對於自然萬物的觀察，我們可以探究藝術家吳冠德（1979-）是如何「感受自然」，將
自身的精氣神融入自然之中，畫入這空白的畫布內。

他喜歡在大自然中的山、林、河、海間寫生，撿拾樹枝、石頭、種子取代畫筆，以刮鑿的「減法」取代傳統油畫堆疊的「加法」。從創作的歷程中體會到一種「不絕的流動性」——流動的是光影、是空氣、是時間、是生命的氣息，也是創作者的意念。在大自然面前，他深刻感受自己的渺小，感受於物我交流的寧靜，以畫筆表達生命的生生不息，謙卑地向天地萬物致敬。

吳冠德／無垠（局部）／2017年
油彩 畫布／300×1100公分
新北 庶民美術館藏
藝術家以俯瞰視角描繪一大片草原，並在翠綠的色調上刮鑿原本飽和的綠色，以呈現出層層綠草迎風搖擺之感。

吳冠德／如鏡1／2019年 ／油彩 麻布
97×162公分／私人收藏
藝術家會面對著空白畫布進行冥想的儀式，如對鏡自照般，透過自然草木的觀察，在恍惚與清醒間面對最真實的自己。

吳冠德／天地流轉2／2014年
油彩 畫布 機械動力裝置
180×180公分／ 私人收藏
此系列作品會360度繞行轉動，呈現自四面八方的力量聚集與無限擴散，象徵天地流轉生生不息，生命恆常循環。

在照相機尚未被發明的時代，人們大多委託藝術家以繪畫或雕塑的方式，將自己的形象留在世上，而藝術家也透過造形、色彩與線條記錄自己的形象，將短暫的生命化為永恆。

撰寫《人工智慧來了》的李開復（1961-）曾經說過：「未來什麼都有可能被替代，唯獨藝術和娛樂不可能被替代。」藝術能帶領我們感受藝術家的心靈世界，欣賞者與創作者能以作品為橋梁展現其內心的世界，故唯獨藝術情感不可能被未來人工智慧所取代。藝術的呈現從來不只是藝術本身，它也可以是你整個人生觀的展現。

巴勒羅．畢卡索（Pablo Picasso, 1881-1973）曾說：「不同的藝術創作風格不代表是一種進化，反而是因為內心有想要表達的想法以及需要發表這個想法，而採用不同的手法。」

由此可見，藝術是具有其獨特意義的，現在讓我們透過以下的練習分析，想想看這些藝術家的獨特風格帶給你什麼樣的感受呢？

巴勒羅．畢卡索（Pablo Picasso, 1881-1973）曾說：「不同的藝術創作風格不代表是一種進化，反而是因為內心有想要表達的想法以及需要發表這個想法，而採用不同的手法。」

由此可見，藝術是具有其獨特意義的，現在讓我們透過以下的練習分析，想想看這些藝術家的獨特風格帶給你什麼樣的感受呢？
（將畫家及作品放到搜尋引擎上尋找相關資料）

文森．梵谷
（Vincent van Gogh, 1853-1890）
耳朵綁上繃帶的自畫像／1889年
油彩 畫布／60.5×50公分
倫敦 科陶德美術館藏

約翰尼斯．維梅爾
（Johannes Vermeer, 1632-1675）
倒牛奶的女僕／1658年／油彩 畫布
44.5×41公分／阿姆斯特丹國立美術館藏

馬克．夏卡爾
（Marc Chagall, 1887-1985）
我與村莊／1911年／油彩 畫布
192.1×151.4公分／紐約現代藝術博物館藏

畢卡索／哭泣的女人／1937年
油彩 畫布／60.8×50公分
倫敦 泰特現代藝術館藏

法蘭西斯．培根
（Francis Bacon, 1909-1992）
自畫像／1969年／油彩 畫布
35.5×30.5公分／私人收藏

薩爾瓦多．達利
（Salvador Dalí, 1904-1989）
柔軟的自畫像和煙燻肉／1941年
油彩 畫布／61×51公分
菲格雷斯 達利戲劇博物館藏

從欣賞進入鑑賞——找回美的感動

一幅畫作畫得像不像原物、好不好看，其實並不是最重要的，而是應從創作中學習領悟生活的態度，懂得欣賞藝術可以讓我們的生命更加寬廣有強度！畫畫不只是才藝，也不只是人生的目的，而是能讓我們思考、直視生命本質，培養、詮釋、填補、慰藉自我生命的一種媒介。藝術品的價值判斷沒有絕對的規範和標準，但可以透過不斷的觀賞作品，豐富自己的想法與底蘊。也許你不一定看得懂畫作的內容，但要能「感受」，單純的欣賞也能從中領略他們的情感與生命經驗，像是日本有一位90多歲的木村老奶奶，透過手撕報紙創作，展現平淡的生活，無形當中也走出喪夫之痛，重新面對生命的意義。

報紙拼貼作品
木村奶奶用色十分細緻，巧妙的運用顏色的濃淡來創造層次與陰影，或許是因為報紙紙質的特性，撕下後隱約還可以看見淡淡的毛邊，沾上漿糊黏貼在紙上，反而有種水彩畫的質感，配上家常的隨筆文字，平實中透出生活的味道。

木村奶奶創作情形
木村奶奶經歷喪夫之痛後，在家人的鼓勵下，進入拼貼畫的世界。每件作品都是她先打好草稿，然後從報紙尋找所需的顏色拼貼而成，作品包括動物、食物及各種生活中常見的用品等。

若要從生活中的欣賞進入專業的鑑賞，該怎麼做呢？首先，需了解「欣賞」是對於所見的事物產生喜好的感情或讚美；「鑑賞」則有明察、識別的意思，指能正確識別所見事物的性質與意義，進而品味、讚美和判斷。「欣賞」的主觀性較強，態度因人而異；「鑑賞」則需兼顧認知層面，以較客觀、理性的立場進行判斷，因此需要經過適度的學習，例如在多種的藝術鑑賞方法中，我們可運用費德曼（E. B. Feldman, 1924-）的四階段藝術鑑賞模式，評析李石樵（1908-1995）〈田園樂〉為範例說明。

李石樵／田園樂／1946年／油彩 畫布
146×157公分／臺北市立美術館藏

藝術鑑賞的四階段

01 描述 Description
我看到了什麼？
針對主題、形式、色彩結構做直接的描述。

可就畫中的人（衣著、動作、表情）、事（情節）、時（年代）、地（空間）、物（物件樣貌），以及畫面可以看到的形狀、色彩、線條來描述。

02 分析 Analysis
作品是如何創造出來的？
組合整體的媒材、造形、構圖、顏色、線條等要素做探討。

畫中所用的色彩調性及人物表情，與作品名〈田園樂〉的關聯性為何？ 仔細分析畫中構圖、表現與技法，並嘗試比較物件部分與整體間的關係。

03 詮釋 Interpretation
藝術家藉由作品想傳達什麼？
經過描述與分析，歸納整理作品傳達的意義。

綜合「描述」與「分析」歸納內容，可透過書籍、影片蒐集相關資料，查找創作題材內容與表現風格是源自哪裡？所欲傳達的內容為何（情感、議題、觀點等）？

04 判斷 Judgment
決定作品是否優劣或重要？
透過前三階段的知識，進行邏輯思考與系統脈絡歸納，建立自己的價值體系。

經由「描述」觀察、「分析」洞察及「詮釋」補充相關知識，最後進入「判斷」統整脈絡，你是否能歸納出藝術家與作品的重要性、價值或影響力？是否有其他不同的想法呢？

當我們在學習藝術鑑賞時，最重要的是訓練自己不受框架限制的思考能力，加深對作品背景的認識，進而推斷藝術家創作的意圖、思想及當時的社會情況，以培養出獨立思考及批判思考的能力，進而幫助未來創作能力的發展。

創作活動
探索生命．繪出自我——心靈圖像化
美術 x 生命教育

我們應該充分發揮藝術作為語言的作用，讓藝術成為表達個人內在情感的橋梁，了解這也是表達情緒的一種方式。透過藝術創作，能完整的感受自己、與內在對話，每一個生命都有其獨特性，而首先面對的就是自己，唯有從自我出發，才有可能活出自己想要的生命樣貌。希望大家可以在創作的路上，能開始尋找「我是誰？」、找到「我是誰。」、肯定「我是誰！」

先前的單元中，我們可以將「F／形式、T／主題、C／脈絡」歸結為一個認識藝術的模式，是視覺藝術中維持平衡之構成要素，簡稱FTC。此模式能幫助我們對於自己所創作的作品知道要表現什麼（know what），也知道該如何表現（know how），真正將創作進行過程變成是自我覺知與自我實現的過程。

在開始創作之前，不妨藉此模式來檢視自我藝術創作的架構！

創作方式①從生活物件中自我創作

模糊構想
以「自我」為主題進行創作，在腦海中想像作品的模樣，畫下草圖。

資料查找
根據草圖，運用手邊的資源與工具，完成查找蒐集作品資料，並思考如何歸納這些資料。

清晰樣貌
將蒐集來的資料彙整後重新繪製，並加入自己的想法和風格，完成作品。

郭育汝／學生作品
創作理念：現在學生肩負升學考試的龐大壓力，且多是非自發性的學習知識，但這些看似枯燥的知識到未來便能成為生活的能力與本錢，為自己的未來打開一扇美好的窗。

創作方式②從藝術家身上尋找自我風格

除了可以透過拼貼簡單的生活物件，來完成內心世界的畫面之外，也可以透過運用不同的風格及媒材展現自我獨特的個性，例如以下三件學生作品，便是運用水彩、蠟筆等不同媒材表現。在創作的當下，可以試著從你所認識的藝術家去觀察其創作風格，並藉由直覺、感觸與主觀想像等來繪製自我特徵，以展現出自我的生命樣貌。

楊哲旻／學生作品

朱晨維／學生作品

李延瑞／學生作品