●美術乙版上冊Ch02

學習目標

1.  了解「美」無所不在，透過感官覺知的開放，發現生活中的大美。

2.  認識美感的形式原理，豐富視覺美感經驗與創作表現。

3.  能覺察美感的重要性，營造美好的生活願景。

嗨！今天的你過得好嗎？是否又因為按掉鬧鐘而差點睡過頭？是否又因為快要遲到而被爸媽督促著吃早餐？是否又因為晚上熬夜唸書而上課昏昏欲睡？今天的你，是否會留意那些習以為常的生活小事？請試著拿起筆跟我們分享，並且嘗試去探索屬於你的日常。

藝術的日常發現——從生活中發現藝術

​​法國雕塑家奧古斯特．羅丹（Auguste Rodin, 1840-1917）曾言：「生活中從不缺乏美，而是缺少發現的眼睛。」分享完觀察日常生活中房間的細節後，是否發覺原來對於我們所處的環境是如此陌生。

而如何從生活中累積自己的「美的存摺」，以培養美好生活的新視野，不妨開啟你的五感去擁抱它，讓它成為身體的記憶，讓視覺、聽覺、味覺、嗅覺與觸覺因為經常被儲存而豐富。這就像人生中的酸、甜、苦、辣、鹹，每個階段你都經歷過，當身體感官都充實後，生命自然會因為豐富而快樂。

而藝術家就是一群不斷訓練自己感官去體驗生活的人，因此在他們創作的世界中，總能將平凡的物品帶入他們天馬行空的藝術創作中。試想，從一早睜開雙眼，你的五官就不斷在探索每個空間中的感受，從起床、走入浴室使用馬桶、進入廚房用餐，最後可能在自家客廳陪家人看電視後出門，你能否發現這些隱藏在居家生活空間裡的藝術創作呢？

讓我們順著藝術作品出現的年代，從中了解藝術家如何運用創意思維，將平凡的日常生活轉化為藝術創作。像是懸掛在客廳的克洛德．莫內（Claude Monet, 1840-1926）畫作，透過實驗性的表現技法來記錄清晨的景象，以肉眼捕捉到的直觀印象來創作；杜象將小便斗命名為〈噴泉〉，顛覆了從印象派以來強調視覺性繪畫的傳統思維，啟發了觀念藝術；達利則善於將視覺引入夢境，以電話與龍蝦的衝突組合，呈現出潛意識深處的欲望；皮耶羅．曼佐尼（Piero Manzoni, 1933-1963）為了諷刺以金錢衡量藝術價值的資本市場與現代主義的藝術形式，將自己的大便用罐頭封裝起來，並揚言收藏藝術品的至高境界就是擁有藝術家的糞便，誘使收藏家搶購炒賣；鋼琴則被約瑟夫．波伊斯（Joseph Beuys, 1921-1986）用灰色毛氈包裹，賦予毛氈保護生命和孕育的含義，並貼著一個具有救贖含義的紅十字，隱含對於二戰時期帶給生命創傷的反思。

 1872 

莫內／印象．日出／1872年／油彩 畫布
48×63公分／巴黎 馬蒙丹美術館藏
在莫內的畫作中看不到非常明確的陰影及輪廓線條，光影的色彩描繪是莫內繪畫的最大特色。

 1917 

杜象／噴泉／1917年
白色釉料陶瓷小便斗 顏料／63×48×35公分
原作遺失，照片為美國攝影師斯蒂格利茲（Alfred Stieglitz, 1864-1946）所攝，刊登於藝術期刊《盲人》
杜象並非親手製作雕塑作品，而是透過「現成物」（readymade），將工業製作的小便斗商品放置在現代藝術展覽上，進而賦予意義。

 1936 

達利／龍蝦電話／1936年
石膏 電話
／17.8×33×17.8公分
倫敦 泰特現代藝術館藏
達利將兩個毫無關聯的日常物件組成，奇異又衝突，透露出玩笑意味，同時具有強烈的隱喻性。

 1961 

曼佐尼／藝術家之糞／1961年
鋼製罐頭 標籤 藝術家糞便
高5公分、直徑6.5公分
紐約 現代藝術博物館藏
曼佐尼將自己的大便拿去父親的罐頭工廠封裝，還起了一個非常文藝的名字——〈藝術家之糞〉。這90個〈藝術家之糞〉以每個售價37美金的價格賣出，這與當年的金價相同，可謂極盡諷刺之能事。

 1966 

波伊斯／鋼琴的均質滲透／1966年
毛氈 布 鋼琴／100×152×240公分
巴黎 龐畢度中心藏
鋼琴不僅是藝術的象徵，同時也是生命的一種載體，波伊斯以毛氈暗喻帶給生命溫暖和保護，藝術同樣也可以治療生命的創傷。

白南準（Nam June Paik, 1932-2006）以「電視」和「電子錄像」作為創作語言，利用錄像裝置，探索與大眾之間產生再生可能性的機會，並展現如何讓日新月異的科技及電子媒介更為人性化；袁廣鳴（1965-）在床上再現各種驚悚的影像，暗示在這張床上絕對無法一夜好眠，指出當代人曖昧、焦慮、不安、渴欲與虛無交雜的精神狀態；而莫瑞吉奧．卡特蘭（Maurizio Cattelan, 1960-）善於創造話題，用封箱膠帶將香蕉貼在牆上，說明「表達」和「觀念」才是真正的作品，而非我們雙眼所見的物體。

 1997 

白南準／胖男孩／1997年
單頻道錄像 螢幕 復古電視櫃
173×218×92公分／私人收藏
白南準讓電視機跳脫傳統的制式規則，思考觀者與電視影像的相互關係。

 1998 

袁廣鳴／難眠的理由／1998年
床 鐵球 擴大機等化器 機械裝置 光碟片
三槍投影機 自動控制箱 鏡子 喇叭
海綿 VCD播放器
200×100×40公分／臺中 國立台灣美術館藏
運用多媒體技術，袁廣鳴讓有著平穩律動的枕頭、呼吸聲效，引導觀眾進入另一個似睡非睡的情境裡。

 2019 

卡特蘭／喜劇演員／2019年／膠帶 香蕉
邁阿密海灘 巴塞爾藝術博覽會藏
卡特蘭創作的香蕉以超過300萬臺幣的價格成交，成為近年最昂貴的一件水果。也因為這件由膠帶和香蕉製作的「藝術品」實在太荒謬，引起社群媒體一片仿效跟風。

每個人都有屬於自己的藝術境界，透過這些藝術創作，我們可以試著了解藝術家的思維，並且進一步培養藝術的「超」能力。

藝術「超」能力就是以培養觀察力、感受力、創造力為目標。對於事件或物件上發現的首要條件，是必須具備「觀察力」。培養對事物的觀察力，是指觀看與研究一件事物的能力。對一個藝術家而言，「見」（see）與「看」（look）是兩回事。「見」只是注意到有個東西在眼前而瞄它一眼；但是「看」則是仔細的研究它，探究每一個線條、物體色、明暗調子和質感變化，觀察它的每一個細節。

「感受力」是指「對於事物的感知與解讀的能力」。也就是說，當事物經過感官接收與內在記憶運作，將這個刺激和以前曾有過的經驗、情境互相對照，並加以結合。例如看到秋天黃澄澄的景色，有人感到蕭瑟、有人則感到豐收的喜悅；「創造力」則是人類特有的一種綜合性本領，指的是產生新思想、發現和創造新事物的能力。

例如愛德華．孟克（Edvard Munch, 1863-1944）的〈吶喊〉，畫中燒灼的天空、混濁的海水，甚至人物的肢體語言和表情透漏著痛苦煎熬。藝術家透過畫作中各個元素的安排，使觀眾接受到無可躲避的焦躁感，也讓它成為藝術史中內在情感呈現的代表之作。

孟克／吶喊／1893年／油彩 蛋彩 粉彩 紙板
91×73.5公分／奧斯陸 國家畫廊藏
孟克透過天空絢爛的紅與綠、對比的曲線與直線，及簡化成扭曲變形的人體來表達內心感受到的恐懼。

了解藝術「超」能力後，你有沒有發現在前面「藝術的日常發現」似乎只出現部分藝術家的作品，還有一些沒被發現喔！現在試著跟同學討論，並記錄下你所找到的作品！

看藝術轉而應用——一起向大師致敬

綜觀藝術史，我們可以看到藝術家創作出來的作品，有些是供人觀賞，有些則是供人使用。因此研究藝術的學者經常使用「純粹藝術」和「應用藝術」，來分辨這兩種不同類型的作品。

一般來說，「純粹藝術」（Fine Arts）是指創作者以闡述內心思維、環境感知所創作的藝術，不具任何功能性，如繪畫、雕塑、裝置藝術、行為藝術等，強調「為藝術而藝術」，彰顯創作者的核心價值。

而「應用藝術」（Applied Arts）則不單是為了視覺上的美感而作，也考慮到實用性、便利性、機能性的功能，且須符合社會大眾與市場機制的需求，包括日常生活用品所承載的工藝美術（餐具、燈具、家具等）、建築藝術，和各種與藝術有關的設計（圖形設計、產品設計、服裝設計等）。

下面列舉了兩件作品，你是否能分辨哪一件是純粹藝術？哪一件是應用藝術？

1917年蒙德里安在荷蘭創辦《風格》雜誌，所提倡的藝術理論為風格派，又稱作「新造形主義」，利用幾何圖形中理性、平衡的構圖簡化自然形體，創造出更極致的抽象精神，並讓畫面上的幾何線條呈現一種平衡協調的現代感。後期他更專注於幾何線條間的視覺動線，利用垂直、水平線條加上畫面中基本單純的色塊，藉由色彩、大小比例關係的巧妙安置，產生一種令人著迷的動態節奏，並在1930年創作了〈紅藍黃的構成〉。

蒙德里安／紅藍黃的構成／1930年
油彩 畫布／45×45公分／私人收藏
利用垂直、水平線，巧妙的分割與組合，使平面抽象成為一個有節奏、有動感的畫面。

藝術家赫里特．李特維德（Gerrit Rietveld, 1888-1965）受《風格》雜誌影響，在1923年設計了著名的〈紅藍椅〉，為工業設計上的傑出代表作。從結構、色彩到造形，都彰顯著風格派抽象幾何的特徵，將風格派藝術從平面延伸至立體空間。

李特維德／紅藍椅／1918-1923年
漆木／86.7×66×83.8公分
紐約 現代藝術博物館藏
將風格派的幾何學造形理論，直接在椅子上呈現。

不光是工業設計，在不同領域亦可看到純粹藝術之應用。法國時尚設計師伊夫．聖羅蘭（Yves Saint Laurent, 1936-2008）在1965年設計出一系列靈感源自蒙德里安的女裝；運動品牌NIKE亦推出了向大師致敬的鞋子。由於各種型態的創作呈現，使得純粹藝術與應用藝術交互影響且並存。

聖羅蘭／蒙德里安洋裝／1965年／布
黑線加紅、黃、藍、白組成的四色方格紋，清新明快的色彩，簡單卻極富張力，在模特兒身上呈現出藝術與時裝結合的奇妙效果。

NIKE／Piet Mondrian SB Dunks
2008年／布
2008年春季，Nike以蒙德里安畫作中鮮明的三原色為靈感來源推出的滑板鞋。

生活美感的覺察——美感環境的改造

早上7點從家裡出發到學校的路上，會看到什麼樣的街景？一個城市美學的呈現，反映出當地居民的美學涵養，街道上的公共物件也可顯見居家布置的同理心，是否考量降低對他人的視覺壓迫，我們不妨從個人出發，試著形塑出美麗的街景畫面。

美感教育需從生活環境做起。水越設計團隊有感於環境改善的議題，觀察變電箱從制式的綠色到山水彩繪，與城市街道中的顏色交織成紛雜的畫面，因而提出變電箱設計改造，與群眾進行環境觀察並發想色彩策略，將色彩導入設計思維，透過減法設計規劃、和諧舒適的環境來進行都市中的色彩教育。

常見街道變電箱
常以山水畫或是綠色搭配黃黑條紋底座。

改造後的變電箱
選擇適合環境的色彩進行改造，局部突顯警示色。

背著書包再往前走，抬頭一看，你會看到街道上五花八門的各式招牌，招牌是城市面容的一部分，是在地生活文化的體現。如果是你，會如何改善招牌的設計呢？「小招牌製造所」籌辦街角美學導覽，和社區居民一起看見問題，例如「招牌不是越大、顏色越亮越好」，串連設計師的創意及店家獨特的想法，試著將招牌自然融入街景，期望能成為開啟居民環境美學意識的種子。

臺南市北門路街景
街道上五顏六色的招牌，構成城市的景象。

臺北市西門町六家小招牌設計
設計團隊：吳氏設計 × 水越設計
策劃團隊：小招牌製造所
2014年
設計師舉辦街角美學導覽及招牌製造工作坊，逐步培養群眾的美感。

不只是設計師，每個生活於城市的人，都該從自己的日常中發現一些值得付出關心、讓生活環境更舒適的方法，藉由生活中的視覺環境培育美感，將美感落實於生活應用。雖然「美」是一種感受，但其內涵有道理可循，包含美感形式原理、美感判斷能力、美感實作與體驗等。

其中美感形式原理為最常見的一種審美依循，我們可以從自然與生活多元樣貌中找出許多共通的法則。

這些法則是指組織視覺元素的關係和秩序，像是對方向、位置、空間、重心等安排，目的在於呈現具有美感的視覺效果。這不僅讓我們可以理解與欣賞自然界物像充滿美感的原因，更提供美術作品於創作和鑑賞時不可或缺的要素。

一般常見的形式原理有：反覆、漸層、平衡、對比、比例、律動、調和、統一、單純、強調。

反覆 Repetition

又稱為連續、重複，以同一單位形、色進行反覆排列，屬於最直接、簡單的組織方式，容易產生整齊、規律、秩序的感覺，如蜂巢、屋瓦。

漸層 Gradation

又稱為漸變，可視為反覆的延伸運用，同一單位形由大到小、由強而弱、由明而暗，依次變化，如遠山景色、塔形建築。

平衡 Balance

又稱為均衡，從內容、重量、大小及材質，達成視覺上的均衡與和諧感，如蝴蝶、廟宇屋頂藻井。

對比 Contrast

將相對屬性或差異極大的造形並置，使其形成比較、抗衡的狀態，如樹幹表面質感差異、斑馬線。

比例 Proportion

整體與部分、部分與部分之間的相互關係，包含長短、大小、高低、寬窄等比較，如鸚鵡螺、黃色小鴨。

律動 Rhythm

又稱為韻律、節奏，將物件進行週期性變化，使其產生如音樂旋律般，具動態之視覺表現，如海浪、衛武營國家藝術文化中心。

調和 Harmony

又稱為和諧，畫面出現兩個或兩個以上的形狀、色彩、材質，以同性質或類似的元素相互配合，雖具差異但仍感覺協調，如花海、臺北市立圖書館北投分館。

統一 Unity

又稱為統調，各造形元素在共通性的原則下將彼此串聯，達成調和、呼應之關係，如山林、洗石子牆面。

單純 Simplicity

具有基本、簡潔、明確、典型的特質，其中包括純淨的色彩、純粹的構圖，使觀賞者產生更多的想像空間，如天空、玻璃珠。

強調 Emphasis

整體形式中強化某一部分的視覺效果，使它顯得特別突出而產生注意力或富於吸引力，如水滴、唇彩。

近幾年越來越多人回頭欣賞舊時代的建築美學，如鐵花窗、花磚、壓花玻璃等。讓我們來了解這些建築語彙吧！

鐵花窗

亦稱鐵窗花，1920年代隨著西洋現代建築傳入臺灣，由日本殖民統治時期的鐵窗演變而來，當時的日本人俗稱鐵窗為格子，在日本殖民統治晚期鐵花窗文化從日本流行到臺灣。其主要材料為黑鐵，並使用西方的焊接、鍛造、彎折等工藝來製作。

常見樣式：植物、動物、景觀、幾何、器物、人物。

花磚

花磚的正式名稱為「馬約利卡磚」（Mallorca tile），最初造磚技術掌握在歐洲人手中，而日本人破解其技術，將花磚之美引入亞洲，立刻在臺灣、新加坡等國家造成流行。

常見樣式：花鳥、人物、風景、幾何。

壓花玻璃

俗稱毛玻璃，民國5、60年代，臺灣農村社會的房舍大多比鄰而居，刻劃著立體花飾的壓花玻璃，透光卻無法透視，具有遮蔽性，因此被廣泛使用在早期門窗上。

常見樣式：植物、動物、景觀、幾何、器物、人物。

街道上隨處可見的鐵花窗是相當具有臺灣味的特色建築裝飾，雖然用今日的視角來看，可能未必看得出那些鏽蝕鐵窗的美，但它卻與臺灣的發展息息相關。

黑鐵（鑄鐵）工藝隨日本殖民統治時期帶來的西式建築而傳入臺灣，鐵窗的雛形逐漸可見。到了1950至1970年代，臺灣經濟起飛帶動了住屋工程，當時這種兼具美觀與防盜的鐵花窗便開始流行。當時的圖樣以幾何圖形為最大宗，當然也不乏趣味的富士山形、植栽花葉、動物、宗教圖騰，甚至文字都有。早期的鐵花窗有不少是以手工凹折而成，堪稱臺灣工藝的一大代表，直到1980年代臺灣開始出現大的建屋案，為了符合當時的鐵窗需求，圖樣越來越簡化，白鐵（不鏽鋼）取代了黑鐵，手工鐵花窗也逐漸消失。

臺灣常見的鐵花窗走過了漫長的歲月，成為歷史的記憶。

新創團隊「老屋顏工作室」致力於記錄下這些即將消失的臺灣老建築，並積極推廣藏在建築中的文化與美感，讓文化的存續與舊時代的藝術能被重新發現。以國營事業臺灣鐵路為例，臺北車站裡的臺鐵便當本鋪，將臺鐵Logo與鐵花窗融合，展現對於復古文化的重視，也搭上了流行的趨勢。

同樣的，「布菈瑟工作室」對鐵花窗的熱愛，開始了文化圖騰的器皿設計，進而轉為「製造」生活美學。

  舊翻新設計  

位於臺中的布菈瑟Blossom工作室，基於對鐵花窗的熱愛，從畢業製作走向創業，透過生活器皿的設計結合花窗意象，以Blossom的「綻放」之意，希望讓傳統的鐵花窗再次綻放成一種生活美學型態。

藝術家專欄

時間的流轉與世代更迭，都市更新與社區再造後，林立的大樓取代了舊式公寓，石英磚代替了瓷磚拼湊出「家」的樣子。以黎世堯（1991-）為核心的「畸零地工作室」團隊，耗時6年走遍臺灣本島與金門，造訪超過50個鄉鎮市區，記錄老宅留存的傳統瓷磚，收集了超過1000張瓷磚照片，試圖去發現、深掘，並加以記錄與保存文化。

瓷磚在臺灣的歷史可以追溯至清代，從過去裝飾在大宅院、洋樓的馬約利卡磚，到近代常見於民宅內外牆的馬賽克磚、印花磚。各時代的瓷磚體現出臺灣人的獨特印記與歷史發展，其紋樣、印花多樣，如傳統吉祥、現代前衛等各式含義。

最早馬約利卡磚是在素胎表面先以低溫燒覆一層錫釉之後，在素色的釉面繪製各類圖案，完成後再在表面上一層薄釉，最後以高溫燒製而成，約15世紀由西班牙馬約利卡島的商人外銷往義大利，故稱馬約利卡磚。奇妙的是，馬約利卡磚還是源於8世紀左右伊斯蘭地區仿製中國瓷器的技術交流發展而來，11、12世紀始傳入西班牙。

日本殖民統治時期，臺灣尚無製作瓷磚的條件，主要是由日本引進馬約利卡磚，依圖樣大致可分為四類：
1.仿製英國維多利亞的自然花草瓷磚紋樣。
2.融入日本風格式樣。
3.為外銷而設計的彩瓷，如桃子、牡丹等傳統吉祥圖樣。
4.由彩繪師在白色素面的瓷磚面上，重以釉色繪製傳統花鳥、人物等題材的「瓷磚畫」。

最後一項最具特色，不同師傅製作的手繪磚顯示出花磚獨特且難以複製的美學。當時彩繪瓷磚的重鎮就在臺南、嘉義等地。

隨著時代的發展，傳統彩繪花磚卻越來越少見，在臺灣本島與金門各地的古厝與廟宇建築中，我們依然可以在牆壁上發現許多樣式，這些花磚的材料有些需要進口後再加以製造，不同工藝師形成的個人風格與文化融合圖案素材，如神佛、吉祥符號等，大多得來不易，故在當時視花磚為藝術品，除了美化功能之外，更能彰顯特殊品味。這些花磚保留著過去珍貴的瓷磚紋樣，成為臺灣人共有的文化資產。

喜歡復古味道的屋主，深受臺灣早期門窗上常見的壓花玻璃所吸引，也是老屋意象的代表物之一。早期臺灣多使用木框加上各式不同圖紋的壓花玻璃工藝作為門窗的材料，但隨著時代變遷，考量建築安全性、現代生活需求以及設計趨向，不論住宅或商用建築都開始以密合度更高的窗型取代古早木框窗，壓花玻璃也被光滑度、透光性、抗風壓強度更高的平板玻璃取代。

比起現代玻璃，海棠花紋壓花玻璃、十字壓花玻璃等，是壓花玻璃中經典的圖騰，由簡單圖案交織出繁複細緻的玻璃，透出來的光特別柔和，這些已經不再生產的古早玻璃有著舊時光才有的獨特氛圍，目前市面上還能看到的壓花玻璃均為老字號的玻璃行留下的庫存。如果你家窗上還有壓花玻璃，這塊玻璃的年紀少說也四、五十歲了，是非常珍貴的文化寶物呢！

雖然臺灣已經不再生產壓花玻璃，但舊玻璃的切割再利用卻也成為另外一股風潮，如切割後使用到燈具及居家布置上，甚至商業用途的懷舊文化，向城市與地方區域生活文化歷史印記致敬。在日常中重溫舊時代，也是對文化歷史的一種體驗。

  老臺灣工藝  

如同一個年代的標記，壓花玻璃的樣式其實不少。鑽石、雙格花、碎紋花、十字花、水波紋……每款圖騰都代表著一種時代美學，除了臺灣，歐洲各地景點也能看到，幾何圖案或鵝卵石般點狀的壓花玻璃。

在了解十種美感形式原理之後，對於「美」是不是有另外的理解呢？現在，在空間造型上，請你扮演美感診療師，試著檢驗看看，平常所見街景可以從哪些地方嘗試改變？

美感驅動的經濟——新舊融合的文創

潮流，算是週期性的一種行為模式，多年前曾經深植人心的風潮，經過設計師整合、改造、重現，轉化成全新商品，給人煥然一新的新鮮感。

從自身文化根源探尋，獲得設計的養分是一種普世的現象，最有名的例子，便是這幾年故宮的創意行銷。以往「高高在上」的宮廷御寶經由設計師巧手點化，把老舊乏味的文物變成親民有趣的生活商品。這也使得新一代的年輕族群更願意走進故宮，讓藝術之美進入民眾生活。

故宮文創商品——朕知道了紙膠帶
「朕知道了」四字是康熙皇帝真跡的複製品，因康熙在批閱奏則時，愛在文末朱批「朕知道了」。

故宮文創商品——墨戲仙草
「墨戲仙草」以元代黃公望的〈富春山居圖〉為靈感，將奶球倒入凹凸有致的仙草表面後，就能浮現靈動的山水畫，婉轉流動之間呈現出國畫的留白技法。

藝術文物中的「文創」經濟尚且如此，而懷舊商機中「文創」更是容易在社群媒體引起熱烈討論。

復古風吸引大批年輕人「穿越」，越來越多的年輕設計師及文創工作者體會「觸感」背後代表的時代脈絡和記憶，明白利用「溫度＋美感」才能用創意讓消費者沾粘，讓老物更能重現燦爛價值。

例如花窗曾經是鹿港引以為傲的產業，除了國內住宅需求之外，更多訂單是來自日本。走過一甲子歲月，臺灣花窗木藝由盛轉衰，當老廠選擇轉型或歇業之際，正利木器選擇接棒傳承，將父執輩苦心研發的木藝工法延伸到生活器物，讓花窗之美可以持續被看見。

另外，成立於2008年的臺灣設計師印花布品牌，以「圍繞著生活的創作」為核心，將臺灣記憶（如玻璃海棠 、鐵花窗）、臺灣生態（如臺灣八哥），轉化為新的創作元素，運用絹印的技術，將圖案設計印製於布料織品，創造自在而有特色的印花生活風格。

印花樂採用的絹印是複製性媒材的其中一種類型，使用具有複製功能的方式，進行圖像、作品或影像創作的藝術媒材，像是篆刻、版畫、攝影，以及數位媒介等。

而版畫結合繪畫與印刷，是一項適合與民間常民文化互動結合，進而發展為文化創意商品的媒材。其大眾化與量化的流通性優勢，更能被視為是「藝術」與「商業」之間的最佳媒合橋梁。

以下就版畫中常見的凸版、凹版、平版、孔版技術分別作介紹。

在選好的木塊或金屬的印版上，以刻刀、圓鑿將無圖像的部位刻除，把有圖像且需著色的部位保留，再以顏料塗刷或以油墨滾敷在保留的部位，最後經拓擦或壓印於紙表上，即可得到一個畫面。

葛飾北齋
（Hokusai Katsushika, 1760-1849）
富嶽三十六景　神奈川沖浪裏
1830-1832年／木刻版畫 紙
25.7×37.9公分／紐約 大都會博物館藏
整幅畫給人一種獨特的形式美感，作者在作畫時，安排了前、中、後三層構圖。

以雕刻技術或用酸水腐蝕的方法，將圖像往內刻在印版表面之下。製作凹版時，要將油墨填入雕刻的凹線或酸水浸蝕過的窪痕內，然後將印版表面多餘的顏料拭淨。當被印的紙張與印版一起通過凹版壓印機時，壓筒的壓力會將凹陷部分圖像的油墨吸附於紙面，因而印出一幅作品。

喬治－路易．勒魯舉
(Georges-Louis Le Rouge, 1712-1790)
Détails des nouveaux jardins à la mode
18世紀／銅刻版畫 紙／31×44公分
華盛頓特區 敦巴頓橡樹園研究圖書館
此幅作品出自《園林銅版畫集》，利用凹版技術收集18世紀園林流行的平面圖、建築立面圖。

早期的石版是使用石灰質的版材經磨平後進行製版，後來將版材改良為金屬鋁版或鋅版。其方法是用水塗抹在已經用油脂性蠟筆塗繪過的石版（或金屬版）上，再塗上一層油墨，利用蠟筆能吸收油墨排斥水的物理原理，使有圖像的區域接受油墨，無圖像的區域排斥油墨。

阿爾豐斯．慕夏（Alphonse Mucha, 1860-1939）
風信子公主／1911年／石版彩色印刷
125.5×83.5公分／慕夏基金會藏
慕夏的石版海報以繁麗的花草、拱型的曲線及自然的結構引人入勝。

運用「遮擋與露空」的原理，在含有細孔的網版上，將不需印刷的部分用膠或黏紙蓋住，造成網面鏤空的圖像，以製成印版的技術。製作版畫時，在網版上用橡皮刮刀將顏料擠壓，使其透過網孔下達被印物件的表面，形成版畫作品。

安迪．沃荷（Andy Warhol, 1928-1987）
康寶湯罐／1962年／絹版印刷 畫布
各50.8×40.6公分／紐約 現代藝術博物館藏
透過描繪日常生活中平凡普通的事物，演繹「平民」主題的藝術，充分反映普普藝術的精髓。

讓美感變得有感——公民美學的自覺

美感是每個人與生俱來的感性特質，只是在我們成長與學習的過程中，往往接受了過多強調理性的訓練，而容易遺忘感性的一面。當我們逐漸對生活變得無感時，自然就失去了對美感的追求，也可以說是缺少美感的判斷能力，因為「不在乎美感」與「沒有美感」是不同的兩件事。

以「葉子」為例，它在我們的生活中相當常見，然而我們大部分的時間都並未仔細欣賞其各式百態。來自韓國的ilsangisang設計工作室，卻能從自然界的植物中汲取靈感，從中「發現」美的存在與可能，並經過設計，用環保型紙張重現了銀杏、懸鈴木和榆樹樹葉的「美」。為了盡可能地還原樹葉的細節，葉脈也以絹印的方式印在燈罩外，所使用的夜光油墨能讓燈飾在明暗不同的環境下呈現多樣的風格。

ilsangisang設計工作室
SOULeaf燈飾設計／2015年
燈罩外側布滿葉脈，如大型的樹葉捲成錐狀（上），可作為壁掛燈飾（左），點亮後內側會產生變化而呈現顏色（右）。

推動美感教育的漢寶德老師（1934-2014）曾說過：「21世紀是美感的世紀，在全球化的大趨勢下，美感是一種競爭力。」因為我們已經從一個口——「吃飽」的年代，進入到追求三個口——「品味」選擇的時代。

像是來自原住民族的「拿鞘」（Nature）團隊拾起自然掉落的檳榔葉鞘作為創作素材，不只是重新發現葉鞘表面造型的美感，更以深厚的文化內涵、尊敬土地的善意，以及延續祖先的生活智慧，賦予葉鞘新的美學意涵，可見「品味」是透過一連串文化知識的累積而來，造就了我們所看見的美。

拿鞘／小南島之光燈飾設計／2017年
此燈飾曾獲2015年德國紅點概念獎，造型來自阿美族石頭火鍋的折疊技巧，溫暖的燈光從葉鞘間透出，散發南島土地的靜謐光芒。

因此，就算是小小的一片葉子，我們亦可從生活中的觀察和感知，逐步培養屬於自我的品味和鑑別力，潛移默化為個人的美學養分，成為具有美感素養的好公民。除了強化對於自身文化的自信與認同外，也能打造出和諧與具秩序美感的生活環境，進而共創一個美感合宜的社會。

創作活動
校園植物．花磚紀錄——發現校園美物
美術 x 數學 x 生物

一天當中除了放學回家，最多的時間便是待在學校。然而，繁重的課業常使得我們未曾細心留意過校園裡的一草一木。

回顧課程中提到的花窗、花磚等，大多的設計靈感源自於體察、感知到的生活事物。

現在，讓我們走出教室，試著觀察校園裡的植物，結合前面所學到的美感形式原理，將這些圖像轉化為美麗的花磚吧！

①收集靈感

首先，請在避免破壞校園生態前提下，採集校園裡的植物。

②產生想法

觀察植物的造形、色彩、材質（此處亦可稱質感），並將其簡化。以四方形做基本單位，並將採集到的植物繪入其中（繪製的植物造形可以是有機的或數理幾何的）。

③動手實行

以紙板製作模具，並將調和好的環氧樹脂倒入紙模中。

④分享回饋

最後，請你上臺分享自己的作品吧！