●美術乙版上冊Ch05

學習目標

1.  經由觀察作品，能分析藝術產物的文化脈絡，思考在地與全球化特性。

2.  認識以議題創作的藝術家與其作品，啟發對人文與環境省思的表現方式。

3.  透過創作活動，展現對生活環境與社會文化的關懷。

〈大傑特島的星期日午後〉是法國藝術家秀拉對於19世紀城市生活的觀察與描繪，畫面中呈現了不同身分的人們正在從事各種休閒活動。

身處21世紀的我們也常能看到類似的情境，請注意公園裡有哪些人？他們在公園裡做什麼活動？

從此圖面中特寫一個或多個公園內的人物，猜想他們是誰？
他們正在做什麼？
他們曾經歷了哪些人生故事？

看見問題的藝術——環境現象的觀察

從社區出發，除了前述的公園之外，你是否還觀察到假日時的公車、大眾運輸車站、鐵路車站、觀光景點，跟平日有什麼不一樣？在假日，除了往來的旅客，還會見到一群群的年輕男女圍坐，以印尼語、越南語、菲律賓語或泰語等開心交談著。這些開放的公共場所皆是適合練習觀察多元文化的場域，在這裡可從視覺、聽覺、嗅覺等感受認識真實而多元的生活型態，也可以看到來自不同背景的人呈現出迥異的姿態和面容。

英語諺語——房間裡的大象（Elephant in the room），是用來隱喻某件雖然明顯卻被集體視而不見、不做討論的事情，或是一種對於某些明顯的問題不敢提出異議的集體迷思。

如美國藝術家杜安．韓森（Duane Hanson, 1925-1996）看見了中產階級與工人在生活中經歷的殘酷現實，將日常生活中不被人們關注的小人物，以玻璃纖維複製真人大小的尺寸，穿上真實的服裝並於周邊配置工作用具，將作品放置在美術館內顯而易見的位置，引發觀者的注意、觀察，探討藝術家透過作品想呈現的生活議題。

韓森／昆妮Ⅱ／1988年
玻璃纖維 聚酯布料 現成物／真人尺寸
德國 布林達收藏博物館展出
這個看似真人的作品身上掛有名牌，牌子上的名字（Queenie）意指皇家貴婦、統治者，藝術家透過作品名稱與視覺上的反差，提供觀者省思的空間。

20世紀以前的藝術家，創作經常取決於自己慣用的媒材，例如：油畫、水彩、水墨、石雕、木雕等，決定媒材之後，才透過繪畫或雕塑的方式表達畫面的主題內容。受到杜象提出「現成物即藝術品」的概念影響，一些藝術家開始反轉創作順序為「先有概念，再選擇表現概念的媒材」，媒材的選項也不再限於繪畫或雕塑，而是藝術家所認定的創作物件，即使是生活中的一個小便斗也可以。受杜象作品影響的義大利藝術家卡特蘭，則是選擇將馬桶以18K黃金為材料製成，在紐約古根漢美術館洗手間「展出」，並供觀眾排隊使用。除了是向杜象致敬之外，另一方面也是想讓民眾體驗這個超奢華的作品，感受富人與一般人之間的生活差距。

卡特蘭／美國／2016年／18K 黃金馬桶
馬桶尺寸／紐約 古根漢美術館展出
義大利藝術家卡特蘭為紐約 古根漢美術館創作這件作品，一方面為了致敬杜象於1917年創作的〈噴泉〉，另一方面是想讓參觀民眾使用並感受一般人與富豪之間的貧富差距。

杜象改變藝術家對創作媒材的認定，卡特蘭讓使用者思考社會上貧富差距的問題，而韓森提醒大眾即使是一個清潔工也應該擁有被尊重的權利。

請觀看由非營利組織One-Forty（社團法人台灣四十分之一移工教育文化協會）所舉辦的全臺灣移工攝影徵選作品及文字敘述，提出你對作品的省思。

麗茲卡．阿蒂雅．普拉維塔．莎麗
（Rizka Aditya Pravita Sari）
廁所是我休息的地方／2019年／攝影
這是One-Forty舉辦臺灣移工攝影徵選的作品，創作者寫著：「可能對很多人來說，廁所是個不乾淨的地方，但對像我這樣的移工來說，廁所是一個可以真正休息的地方。也正是因為這個被認為是很骯髒的工作，我可以賺錢幫助我的家人、支付自己的大學學費。」

多元文化的詮釋——藝術角度的切入

臺灣是個海島，千年來吸引了世界各地不同族群的人移民至此，歷經多次大規模住民變遷，因此存在著許多不同的族群、宗教、語言，而不同的地區甚至不同的性別和年齡層等也發展出多元的族群文化。

從最早移民並定居於此的南島語系原住民族、閩南、客家地區漢人移入開墾、日本殖民統治時期的政策移民、二戰後中國移民、跨國通婚的新住民及海外移工等也輾轉遷移而來，如今在21世紀全球化的時代，我們的祖先即使來自四方，都同樣地受到這塊土地的滋養而成長茁壯，多元文化不僅是臺灣的特色，同時也是藝術家創作靈感的來源。

織布是傳統原住民族婦女必備的技能，代表傳統文化的美德。泰雅族藝術家安力．給怒（賴安淋, 1958-）運用彩虹象徵泰雅族的古老傳說進行編織創作，作品中間斷裂的部分象徵族群文化在歷史變遷中斷裂的危機。

 臺灣原住民族｜傳承的信仰與文化 

安力．給怒／斷箭2015／2012年
油彩 畫布 麻線 木
110×567公分（含30公分畫距）
高雄市立美術館藏
主要運用傳統麻線為媒材，以織布的方式完成作品。

17世紀時，臺灣曾是西方國家大航海時代的據點之一，荷蘭人與鄭成功政權相繼傳入建築樣式、宗教信仰、文字紀錄等。藝術家楊茂林（1953-）從歷史角度探索臺灣的由來，以大航海時代開發臺灣的兩位重要人物——荷蘭總督科尼利斯．雷爾生（Cornelis Reyersen, ?-1625）及鄭成功（1624-1662）肖像並置，刻劃出臺灣不斷被外來者統治的無奈命運，也突顯臺灣認同的錯亂與斷裂。

 大航海時期｜傳入西方宗教 

楊茂林／熱蘭遮紀事L9301／1993年
油彩 壓克力顏料 畫布／112.5×194公分
臺北市立美術館藏
荷蘭曾經占領臺灣以發展東亞貿易，開啟了臺灣往後400年複雜的殖民歷史與多重的文化混血，最後遭鄭成功驅離，藝術家以作品來呼應過去的時代。

而曾經留學美國後回到臺灣創作的藝術家林明弘（1964-）以最貼近生活記憶、傳統市集中常見的客家花布圖樣來創作，用簡單的方式讓觀眾進入作品，將花布文化推向國際，更讓臺灣新一代的年輕人用不同的角度看待自己家鄉的文化。

 明清時期帶入｜閩南、客家等漢人文化 

林明弘／無法無天／2000年／裝置藝術
192坪／2000年臺北雙年展
2000年臺北雙年展於臺北市立美術館一樓大廳地板展出，成功的讓臺灣客家花布圖像進入國際藝術場域。

臺灣當代民眾的消費習慣和審美觀，在洪易（1970-）的作品中便是以動物代表各年齡層的臺灣人民，以卡通人物代表周遭的外來文化正悄悄地影響著日常生活，藝術家試圖透過作品引發大家對外來文化侵略本土的省思。

洪易／十二生肖／2001年／塑鋼 彩繪
92×102×215公分／高雄市立美術館藏
藉由誇張的顏色與造形，展現繽紛熱鬧的臺灣民間意象，而作品上方站立的凱蒂貓（Hello Kitty）、鹹蛋超人、哆啦A夢等卡通人物，象徵外來文化的入侵。

面對種種無法再現的歷史時，不同的藝術家會選擇不同的敘事方法來轉化這遙遠的距離，成為屬於自己的現實。

日本殖民統治時期，透過教育、藝文活動及政策推行，將東洋及西洋文化注入臺灣。仔細觀察我們的生活周遭，可以在公共建築的樣式、日常用語、飲食文化中發現當時帶來的影響。許家維（1983-）邀請曾受日本教育的祖母，以日文敘述關於和平島記憶的故事。和平島的造船廠曾是日本政府境內最南端的軍事造船廠，同一地點在光復後卻是臺灣經濟發展的關鍵位置，以同一地點在兩段不同政治時空背景下的歷史故事，讓觀眾遊走於真實地點、祖母記憶和夢境之中。藝術家以「影像」作為創作媒材，用微觀的視角重新探索個人生命及地方生活。

 日本殖民統治注入東洋以及西洋文化 

許家維／和平島故事（影像截圖）
2008年／彩色有聲單頻道錄像
12分40秒／臺中 國立台灣美術館藏
藝術家將不同元素的真實造船廠場景、祖母的對白、電子音樂、雕花圖樣，利用多重敘事手法，透過錄像裝置和觀眾建立一個複雜的閱讀關係。

1950年之後，國民政府及百萬大陸軍民遷臺，將來自中國不同地域的飲食、社交生活、方言、藝術品味、建築風格、休閒娛樂等文化帶入臺灣。長期以身分認同議題創作的梅丁衍（1954-），在展場中陳設自己少年時期琳瑯滿目的日常生活收藏品，食、衣、住、行等各類早期物品高達數百件，令人宛如走入臺灣的時光隧道。藝術家透過視覺藝術的語言，藉由物件裝置呈現臺灣自1950年至1990年間的美學觀念與集體記憶。

 國民政府撤退帶來中國各省不同文化 

梅丁衍／少年台灣／2019年／物件裝置
尺寸隨場地布置／藝術家自藏
藝術家主張「展示本身就是創作」，也笑稱這是一件創作了30年的作品，以此大膽提出「我的存在」與「我是誰？」的複雜問題。

1951至1965年，臺灣接受美軍援助的物資，例如麵粉，改變了臺灣人的飲食習慣。因戰爭帶來的影響，逐漸擴及生活與文化等各層面。1980年之後，交通運輸與通訊技術的進步，啟動了世界各地經濟、社會、文化的跨國連結，產生「全球化」的現象。藝術家洪東祿（1968-）以電玩、卡通人物為主角的燈箱式作品對此現象進行反思，作品混合了日本、美國、歐洲等不同文化的視覺元素，留給觀眾無限的困惑，戲謔當時的審美觀與消費文化，隱喻全球化之下本土所面臨的創作困境。

 戰後美國援助引入歐美文化 

洪東祿／美少女戰士／1998年
透明片 壓克力片 燈箱 馬達
180×120公分／臺北市立美術館藏
運用90年代最受歡迎的卡通之一——有著金髮藍眼的美少女戰士，站在模糊的中世紀宗教繪畫前，使觀眾對於文化產生困惑交錯感。

蘇育賢（1982-）則是藉由臺灣在地傳統喪葬儀式中的紙紮文化，運用錄像、裝置結合民間傳統工藝，以視覺為基點，用說故事的方式悠遊於紀錄、表演與電影間，投射臺灣歷史的演進與現況。

蘇育賢／花山牆（影像截圖）／2013年
彩色有聲錄像／20分7秒
第12屆台新藝術獎大展
「山牆」在清代建築中有承重、防火等功能，日本殖民統治時期引進西式洋樓，山牆逐漸變成裝飾用途，就像紙紮文化早已失去傳統工法，徒具熱鬧形式。影片中金童玉女舉著「金童接引西方路，玉女迎歸樂國家」，隱喻對生命、國家認同的想望與迷惘。
 

透過藝術家的創作，我們可以回溯在臺灣這座小島所呈現的多元族群與文化，以及島嶼的身分及地域、社會系統、殖民歷史、西方影響及願景等，同時理解藝術家如何運用各種媒材與表現方式，將多元的文化底蘊轉而成為藝術創作的能量。
 

 新移民與移工的東南亞文化 

1990年以來，開放外籍婚姻與移工已歷時30餘年，你是否察覺來自東南亞文化的餐廳飲食、服裝造型、溝通語言等，也漸漸融入於我們的日常生活中？大家對生活周遭的這些異國文化，有多少尊重、理解與認同呢？

透過創作，我們發現；
透過觀看，我們思考。
於是看見生活中的大象。

社會關懷的同理——社會藝術的反思

臺灣雖然只是廣大世界中的小小島嶼，「移動」在這片土地上卻不曾停歇。這些「移動的人」有著屬於他們的故事，而故事背後也可能承載著一段臺灣人的共同記憶，呈現臺灣社會文化與風情下的獨有風貌。

1980年代以來，臺灣經歷工業經濟的快速成長、政治上的解嚴、引進勞動人口，留學歸國的藝術家帶回媒體、裝置、環境的創作概念。藝術的創作逐漸跳脫過去傳統美學或鄉土表現的框架，關注的議題不僅限於自身的文化脈絡，也關注社會上被漠視的人、事、物。透過作品使歷史、政治、社會，到性別、族群、環境、生命等「議題」得以被大眾「看見」。對於社會中處於相對弱勢的族群，藝術家透過不同的創作手法，以同理、關懷的角度引起觀者的省思。

弱勢女工及勞工

加工廠是臺灣60年代最具代表性的經濟發展標的，當時電器、紡織、塑膠等輕工業快速成長，生產線上的工作場景是許多人的共同記憶，然而隨著時空變遷，曾為此付出的人物逐漸被遺忘。藝術家林純如（1964-）透過實地探訪生產線的女工，感受在生產線上如機器般工作的氛圍，而回想起自己在生產過程的痛苦經驗，作品以紡織業女工的故事進行裝置藝術創作，藉此探討看似蓬勃發展的成衣工業背後的血汗。

林純如／生產／1997年／綜合媒材
500×500×300 公分
以工廠的生產線，暗諷過度強調女性生產能力的社會文化。

陳界仁（1960-）則是直接聚焦臺灣加工業，從60年代逐漸興盛，到90年代因資本移轉後勞動者的處境與命運。藝術家邀請失業女工重回廢棄7年的原工廠內「工作」，並穿插早期宣傳臺灣工業繁榮景況的黑白紀錄片，以回憶、事件、生活細節來連結當下與過去的關係。透過無聲的錄像藝術，表述在地勞動者因資方為追求廉價勞力而被遺棄的故事縮影，從批判思考的角度討論臺灣當代社會問題，省思在全球化下產業外移後失業勞工的處境。

陳界仁／加工廠（影像截圖）／2003年
彩色無聲單頻道錄像／31分9秒
呈現臺灣在經濟起飛時，被時代遺忘的加工廠女工。

而饒加恩（1976-）以類紀錄片的形式，拍攝由印尼、菲律賓、泰國及越南所引進的短期勞工，讓離鄉者述說自己惡夢裡的思鄉與憂慮。作品裝置以三個螢幕並置同時播放影片，畫面呈現他們在同一時刻穿梭於現實與夢魘之間，藉此提醒觀者或許所謂的「之間」並不存在，對於這些離鄉工作的勞工而言，現實即夢魘。
 

饒加恩／REM Sleep／2011年
三頻道錄像／63分42秒
高雄市立美術館藏
上：REM Sleep指醫學上的「快速動眼期睡眠」，多數人在睡醒後憶起的夢都是此階段發生的。藝術家以REM Sleep為名，挪用紀錄片的手法記錄外籍移工睡夢中及清醒後敘述的夢境。
下：將拍攝外籍移工的影片集結，以並排的三個大螢幕循環播放。環繞出現的影像串聯式的向觀者訴說夢境，而這些夢境也可能是現實生活所遇到的困境與問題。

盧昱瑞（1978-）的創作關注漁業勞工，加入遠洋漁船深度了解與記錄勞工生活，歷經40天的航程拍攝工作實況紀錄片，嘗試透過作品讓生活在陸地上的人們看見海上勞動者的辛勞，並引導觀者思考在享受平價美味海鮮的同時，體會捕撈漁獲的歷程是何等艱辛，人們對海洋資源的欲望是否已超出維持海洋生態平衡的範圍。

盧昱瑞／水路——遠洋紀行／2017年
紀錄片／120分鐘
每年12月到隔年1月，有近一百艘魷釣船從高雄前鎮出發前往大西洋漁場作業，捕釣常見的阿根廷魷魚，這段耗時35至40天的航程，船員們稱之為「水路」。作品記錄60名來自東南亞各國船員的遠洋討海歷程。

離開部落的原住民族

如果可以選擇在家鄉工作，誰會願意離開部落？由林琳、黃錦城（1969-）兩位藝術家所組成的團體——「巴卡芙萊」（Pakavulay），卑南族語為「使事物變得美好」之意，長期關注原住民族喪失族語、傳統領域被剝奪、資源不對等的議題。作品常以現成物、自然素材與部落口傳神話意象之結合、對應，企圖對社會現狀提出批判與對話，找回文化話語權。作品〈靈魂歸屬地〉敘述著都市中的原住民族與移工縮影，也象徵臺東卑南鄉下賓朗部落族人身後的靈魂歸屬地——賓朗四格山。

巴卡芙萊／靈魂歸屬地／2018-2019年
紅藜 藤蔓 竹枝 鐵／180×160×250公分
以立撐於鷹架上的心臟、血管意象，呈現穿梭於都市大樓鷹架上工作的原住民族與移工縮影。

從外人到家人的新住民　

隨著臺灣經濟發展及全球化的趨勢下，政府陸續推動「南向政策」、開放跨國婚姻，除了加強對東南亞國家的投資外，也從泰國、越南、菲律賓及印尼引進短期移工和家庭看護，以降低臺灣製造業的生產成本，並彌補臺灣社會結構失衡的狀態。近年來，移工人數已增至近71萬，另外尚有54萬的新住民、50多萬的新二代。在臺灣生活的外籍新娘日漸成為藝術家關注的族群，那麼你我又是如何看待他們的呢？

2004年，侯淑姿（1962-）因工作南下高雄，走進鄉間發現到處都可以看到越南「新娘」招牌，便開始訪談外籍配偶，了解他們因為語言不通、文化隔閡而產生的種種問題，這樣的歷程改變了她對很多事情的看法，也發現自己對鄰近國家的了解是如此不足。
 

侯淑姿
望向彼方：亞洲新娘之歌——侯淑姿個展
2005-2009年／攝影數位輸出 物件裝置
尺寸隨場地布置
藝術家用大幅「彩色照片」來展現外配姊妹們，以彩色來表現外配真實生活的樣子；另一張則經過色調處理，並放上從深度訪談擷取而來的內心獨白。

阮金紅（1980-），21歲從越南嫁來臺灣，8年後她勇敢結束與前夫的痛苦婚姻，在失婚之後接觸並學習紀錄片的拍攝。《失婚記》便是阮金紅首部以新移民角度來詮釋異國婚姻的作品，由於與被攝者擁有相似的身分與遭遇，所呈現出的情感更加真摯動人。片中描述四位新移民來臺灣追求幸福，卻在失婚的那一刻瞬間破滅，內容探討失婚後的新移民女性因國籍身分的尷尬、生活的困頓，以及養育小孩所面臨的種種問題。在作品發表後，阮金紅持續以「新移民。移工。新二代。」為主題創作紀錄片，以自身的觀點企圖挑戰，甚至翻轉一般人對於「新住民等於弱勢者」的既有印象。

阮金紅／失婚記／2012年／紀錄片
68分鐘
阮金紅在蔡崇隆（1964-）導演的支持下，完成記錄新移民姊妹的故事。她走出過往陰影，勇敢找到了自己的聲音，如今的她自信而獨立，自由且美麗。

也許藝術無法解決問題，但卻可以揭露問題。從婚姻關係看社會，如果同住在島嶼的一群人，因為對他人的文化不理解而造成誤會、對立，那麼社會的發展就無法欣欣向榮，透過藝術家的訪談、紀錄與作品展示，便能間接認識地區的歷史與文化，並能互相理解、關懷與尊重，這塊土地才能成為多元族群、和諧共好的心靈居所。

離開家鄉的東南亞移工

如果有機會，你會願意離開家鄉，離開家人、朋友或小孩，到外地工作和生活嗎？

在臺灣，約有60萬個東南亞人遠從印尼、泰國、越南、菲律賓，到我們家裡照顧爺爺奶奶，或是在工廠、工地裡做比較粗重的工作，他們就是我們常聽到的「移工」、「外勞」。當我們撕下「外勞」的標籤，看見這群人背後的生命故事，你會發現其實他們都是懷著一個夢想而來的。

像是來自菲律賓的馬克．萊斯特．雷耶斯（Mark Lester Reyes, 1989-），高中時期主修視覺設計，期待有天能成為藝術家。父親去世後他來到臺灣工作，在選美比賽中利用回收物製作禮服，得到很好的評價。他也試著連結自己在臺灣和菲律賓的經歷，以家鄉的節慶為靈感，親手縫製禮服，訴說家鄉的故事。

臺灣自開放引進外籍移工後，這30年來明顯可見有越來越多的東南亞臉孔。而東南亞因為地理位置的關係，經歷多次的移民人口遷徙、異國殖民，在語言、文化、族群、政治、宗教上都呈現多元競合的狀態，對於這個狀態下的人民來說，爭取自由、人權便成為日常。印尼籍華裔藝術家胡丰文（FX Harsono, 1949-），將過去排華運動中的經歷，如不得使用漢字、禁止慶祝中國傳統節日、被迫改用印尼姓及可怕的屠殺事件等，以〈骨墓紀念碑〉呈現逐漸被遺忘且倖存者不願多談的歷史記憶。

胡丰文／骨墓紀念碑／2011年
木盒 電子蠟燭燈 照片／270×270×210公分
高雄市立美術館展出
從2010年起研究父親留下來的攝影作品檔案，探索1947至1949年印尼排華運動，創作而成。

看不見，不代表不存在。如果你還沒看見「房間裡的大象」，那麼這半閉著眼睛、重達四噸的人造大象，透過裝置掛在天花板下方漂浮著，在不斷變化色彩的燈光下，便很難不注意到它的存在（見下頁圖）。作品除了引人注意之外，也讓觀者不禁思考：大象這樣被吊著痛苦嗎？代表勇氣的大象，為什麼死氣沉沉？大象為什麼是處在神祕的空間中，而不是在大自然裡？藝術家藉此隱喻東南亞歷史和文化的複雜處境。

阿比查邦．韋拉斯塔古
(Apichatpong Weerasethakul, 1970-)、賽勒斯（Chai Siris, 1983-）
太陽雨／2017年／裝置藝術
高雄市立美術館展出
大象為泰國神聖的象徵，如今成為觀光、招攬遊客的生財工具，藝術家藉由作品帶領觀眾重新思考自我處境及定位。

近百年來，這些跨越國界的流動，盤根錯節地伏流在臺灣社會脈絡下，提醒著我們在思考移工和新住民問題時，不能忘記其實匯聚在這座島嶼上的許多人，都曾擁有兩個故鄉；也因為如此，臺灣比任何地方都更有機會創造和諧包容的空間。當臺灣力求放眼世界，關心以巴衝突、法國恐攻、歐洲難民潮的同時，何不回頭凝望島上的移工朋友們？

一個國家對待「異鄉人」的方式，也反映出自身文化的進步。在全球化下流動成為常態，人們跨越城鄉，甚至國界以獲取更好的生活，無論是從鄉村到城市工作的「外漂族」、到鄰近國家當「臺幹」的青年，或大批離鄉打拼來臺的移工，本質上並沒有什麼不同。身處多元環境的我們，是否能營造一個充滿同理心的社會，可以彼此理解、互相學習且共同生存呢？

藝術發聲的感動——當代藝術的創作

形式媒材

當代藝術在20世紀中葉以後，呈現多元且複合的發展樣貌，特別是自達達主義杜象提出「現成物」概念之後，啟發藝術家用不同的觀點看待生活用品，並賦予全新的意義。除了〈噴泉〉外，〈巴黎的空氣〉也是杜象的代表作品之一，促使大家重新質疑藝術的範圍和限制，開啟了更多元的思考面向。

杜象／巴黎的空氣／1919年
50毫升玻璃瓶／13.3×6.4公分
美國 費城藝術博物館藏
〈巴黎的空氣〉是件看不見、嗅不著、摸不到的「非物質性」藝術之作，表現思想、觀念與行為過程的意義勝於成品本身。

下列四件作品利用不同的形式媒材與媒體，探討「移動的人」所面臨的困境。移動的主體可以小至個人，也可以大到整個家族、族群。移動的原因可以分為兩種層面，其一是為了求學、工作、婚姻、政治壓迫的「移民」，或是由於戰亂、氣候災難、恐怖攻擊而成了「難民」等地理上的移動；其二是因為生活、身分轉換而產生內在思維轉變的移動。

 裝置藝術 Installation Art 

艾未未（1957-）／艾未未：自助洗衣店／2016年／衣 鞋 照片 文件／尺寸隨場地布置
紐約 Deitch Projects 藝廊展出（見下頁圖）
位於希臘與馬其頓共和國邊境的小城鎮伊多梅尼，是來自敘利亞、伊拉克及阿富汗難民聚集的大本營，2016年5月希臘政府強制關閉營地，約有1萬個難民因被迫匆忙撤離而留下大量衣物。此展覽收集了其中2千多件難民的衣物鞋履並分門別類排列，展場牆面布滿艾未未在難民營生活的觀察記錄照片，地板上鋪有他一則則關於難民創作的社群媒體報導，以及透過通訊軟體與難民的對話紀錄，展場空間寫實地呈現難民的心酸點滴。

 錄像藝術 Video Art 

楊順發（1964-）／台灣水沒——保國護土篇／2017年／藝術微噴於無酸相紙 彩色有聲單頻道錄像 石頭／相片53×44×5公分三張、53×40×5公分三張；錄像：2分37秒；石頭：108個，每個約26×18×8公分，含個人照相片／高雄市立美術館藏（見下頁圖）
以攝影記錄雲、嘉、南地區地層嚴重下陷的現象，一座座設施、磚房孤立在水中，沉靜的風景見證著環境災難，並以錄像及相片的形式展出。相片改採古典水墨畫常見的橢圓形呈現，「水墨」與「水沒」恰巧諧音，作品中的海天一氣和水墨畫中的留白相呼應。「台灣水沒」的讀音近似閩南語「臺灣美嗎」，提供了另一層面的反思。人類活動伴隨天災讓環境承受不可復返的巨變，建物被大海吞噬淹沒，隱含面對自然的反撲，人只能遷移離開此地，成為災害下的家園遺像。

 觀念藝術 Conceptual Art 

徐冰（1955-）／何處惹塵埃／2004年／911粉塵 文字 鷹架 影像紀錄／尺寸依場地而定
威爾斯 加的夫國家博物館展出（見下頁圖）
2001年9月11日，美國紐約世貿中心遭受恐怖攻擊，藝術家親眼目睹雙塔倒下的那一刻，強烈感受到人類需要思考信仰、族群的共存與相互尊重。藝術家將在911事件中收集到的粉塵吹到展廳中，經過24小時的落定後，展廳地面上灰白色的粉塵呈現出兩行禪宗六祖慧能的詩：「本來無一物， 何處惹塵埃。」（As there is nothing from the first, Where does the dust itself collect?）塵埃是一種最基本、最恆定的物質狀態，不能再有所改變。藝術家希望透過作品讓人意識到政治關係的失衡、對自然形態的違背會讓類似的事件一觸即發。

 行為藝術 Performance Art 

姚瑞中（1969-）／本土佔領行動-荷蘭佔領時代1624～1662（登陸地點-安平古堡）
1994年／行為攝影裝置類／150×100公分
臺北 空總臺灣當代文化實驗場展出（見下頁圖）
以照片、馬桶、狗籠、船、砲管、藍光等媒材裝置整個展館。最具話題性的是藝術家透過行為藝術方式，在象徵荷蘭、西班牙、明鄭、清、日本、國民政府六個統治者的登陸地點，拍下自己裸體尿尿的照片，宣稱自己已經「占領臺灣」，最後結合攝影及空間裝置方式布展，以此對臺灣「本土化運動」進行批判與反思。

因此，我們可以看到，藝術家透過不同「媒材的選擇」，呈現出來的「表現形式」也就各有不同，不論是從家中的馬桶、一件衣服、一雙鞋，甚至到地上的灰塵，都可以成為藝術家創作的媒材。

議題關注

自18世紀工業革命之後，攝影術的發明及色彩學的發展，使得藝術家思考新的藝術表現方式，印象派（Impressionism）即是在此背景下產生的。以科學的觀念作畫，追求光和色的變化，描繪在戶外所捕捉的自然景色，反對藝術學院僵化，例如神話故事、宗教圖像、歷史或古希臘羅馬經典等繪畫題材，藝術逐漸轉變為對常民生活的紀錄，例如街景、走路、聚會、看表演等，爾後又經歷歐美後現代、後殖民、全球化、數位化的風潮，生活當下一切的人、事、物透過多元的訊息管道傳達，藝術家成為「社會議題」重要的傳聲筒。

皮耶－奧古斯特．雷諾瓦
（Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919）
煎餅磨坊的舞會／1876年／油彩 畫布
131.5×176.5公分／巴黎 奧塞美術館藏
使用細小、明亮和多彩的筆觸，展現戶外光影與色彩的變化，描繪出巴黎 蒙馬特地區藝術家與友人生活中的喧嘩景象和歡愉氣息。

不論是日常所見、自我與國族的認同、社會政治經濟人權、生態環保或是國際發生的事件，都能成為藝術家創作關注的議題。創作的目的不只是自然人文的記錄與再現，而是藝術家運用各種物件或媒體串聯組合，表達對議題的詮釋，透過作品讓大眾體驗、感受，並對議題有所省思及迴響，可以看到當代藝術創作有著豐富又多變的樣貌，也與整體的社會脈動存在著密不可分的關係。

 國族認同 National Identity 

張立人（1983-）／戰鬥之城——場景／2010-2017年／立體模型／760×810×260公分
張立人／戰鬥之城EP1——臺灣之光(影像截圖)／2010-2017年／彩色有聲單頻道錄像
26分22秒（見下頁圖）
張立人的作品場景製作展現臺灣在地的生活風格與視覺意象，影片的風格模仿早期「老三臺」的電視記憶，以SNG形式報導反映時事的荒謬事件，帶領觀眾重新參與。故事劇情的發展映射臺灣國家身分的困境及欲望，呈現國家主權面臨的難題。

 移民人權 Immigration Rights 

袁廣鳴／異鄉人（影像截圖）／2018年／單頻道錄像／6分24秒（見下頁圖）
袁廣鳴第一次使用平移的運動方式，利用火車進站時的行進軌跡，憑藉高速攝影機和一束手電筒強光完成了《異鄉人》這件作品。從車內視角窺看月臺上等待火車的旅人，聚焦一群異鄉打工者的表情，就像真實演員的臉部慢動作特寫，茫然、疲憊、疑惑的表情都被瞬間凝結，充滿一種游離與飄忽的忐忑情緒。

 地球環境 Earth Environment 

張碩尹（1982-）／溪山清遠／2018年／裝置藝術／尺寸依場地而定
2018年臺北雙年展（見下頁圖）
此作品的製作過程包括蒐集臺北市不同地點的空汙，再將空氣中的懸浮微粒製成墨汁，同時以影像記錄呈現蒐集過程。藝術家也邀請氣喘患者參與工作坊，在藝術治療師的帶領下，以此墨汁進行繪畫性表達。屏風畫作也隨著展期的開展，從藝術家呼應夏珪（約1194-1225）畫作的純淨山水景觀，逐漸替換為大眾參與者的作品。透過這件參與式創作，藝術家想突顯經濟生產、政府政策影響下所形塑人與環境的關係。

 災難事件 Disaster 

岩崎貴宏（Takahiro Iwasaki, 1975-）／混沌之外（崩塌）／2019年
毛巾 棉花棒 牙刷 刷子 海綿等／臺北 忠泰美術館展出
（見下頁圖，作品從影片10'02"開始介紹）
岩崎貴宏的創作背景和出生地廣島，皆與經歷原子彈爆炸後重生的歷史緊密相連。藝術家不斷反思城市的脆弱和變遷，利用日常生活物品組構成細緻、迷你的城市景色，邀請觀眾以不同視角觀察生活中的事物。
2011年福島發生核災後，所有人必須撤離至半徑20公里以外的區域。藝術家以創作重現當時的畫面，以毛巾、牙刷、刷子和海綿等清潔用品為素材，呼應當地核汙染之後所必須進行的「除染」清潔，使用黑色清潔用品構成作品，給人與清潔概念反差的感受。作品下方以黑色垃圾袋表現被原油汙染的海洋，反映不安的心理狀態。

藝術家專欄

2013年，臺灣青年羅懿君（1985-）受邀於日本橫濱BankART Studio NYK駐村，駐村期間他不斷向餐廳回收他們拋棄的香蕉皮。他將香蕉皮風乾整平作為創作媒材，以拼貼的形式從事藝術創作。香蕉是日本殖民統治時期臺灣最重要的農產品，也是出口日本最大宗的水果，雖然後來逐漸被菲律賓取代，但香蕉依然是日本與臺灣相當重要的連結。回臺之後，羅懿君持續以日曬香蕉皮講述許多不同的人事際遇與故事。

羅懿君有感於來臺的移工在新環境需要面對許多挑戰，而香蕉是以往東南亞地區常見的貿易品，以此作為媒材也呼應了飄洋過海來臺的移工。羅懿君於假日時會到公園以肖像畫來交換移工們的故事，將這些人、事集結，2018年開展的「海之味」便是以風乾香蕉皮作品、人像速寫與文字記錄三大主軸，展現藝術家對於現代社會景況的人文關懷。
 

羅懿君／海之味／2018年／風乾的香蕉皮 生漆／尺寸依場地而定／臺北 日動畫廊展出
（見下頁圖）
藉由贈送香蕉、畫肖像畫打開與移工的對話，深入了解他們來臺背後的故事，並將聽到的故事以文字記錄來整理，例如：來臺灣面臨適應、受限問題，或女性移工與家中幼兒分離的不捨；但也有移工認為來臺接觸到不同文化，是新的學習環境，甚至打算回鄉後教中文等。

展示時空

21世紀的藝術家，不滿足於平面的繪畫或單一的立體雕塑與展示，為求更強力的情境掌握或思維表露，透過全環境氛圍的形塑、建構，或加入音像、數位的種種技術與媒介，並以幽默、自嘲、諷刺、批判等不同視角做時代的觀察與描繪，因此當代藝術的創作不只要決定作品的「形式媒材」及「社會議題」，還得決定作品「裝置展示」的方式，以及觀眾與作品的互動關係。

例如《哀敦砥悌》便是一件隨時空背景而更替展品內容的作品，曾經歷過四次不同的裝置展出樣貌，主要以中華民國當前國家外交處境作為藝術思維模式，隨著不同場地而增減陳列物的規模。只要中華民國還存在的一日，作品即可繼續增減相關物件，直到中華民國真正被國際承認或消失，《哀敦砥悌》一作才會有完成的一天。

 視時空背景而定 Time & Space 

梅丁衍／哀敦砥悌／1996年／綜合媒材／尺寸隨場地布置／臺北市立美術館藏
（見下頁圖，作品從影片8'22"開始介紹）
《哀敦砥悌》是從「身分認同」的英文 "Identity" 而來，自從臺灣與美國斷交並退出聯合國後，始終面臨國際邊緣化的問題，外交困境實則隱含著認同問題。在1996年臺北市立美術館展出時，將展場布置成外交領事館辦公室，所有曾經與我國建交、斷交或正在建交、斷交的國家，都會為它製作一個鍍金盤或錦旗，上面印著如「患難與共」等語句，作者對語言本身具備的曖昧與弔詭特別感興趣，藉此探討雙關語與視覺的關係。

另外，有些作品則是需要在特定的「場地空間」，如《跨越國境．潮》使用可溶於水的材料和當地的海沙相揉搓，塑出196尊造形相同的小孩泥像。將作品放置於海邊，任由海水侵蝕消融，藉此紀念死於船難而來不及長大的難民小孩。

 自然空間 Natural Space 

林舜龍／跨越國境．潮／2016年／海沙 黑糖糯米粉 麻 石膏／2016年瀨戶內國際藝術祭
（見下頁圖）
196是日本目前承認的國家數，小豆島海灘上每一座孩童泥像分別面向各國，胸前寫著該國首都至此的公里數，背後則標上了座標。日曬雨淋後，泥像表面風化，露出刻在鐵片支架上的國家名和白玫瑰，就像墓碑一樣。這些孩童都是他帶著小豆島的居民及志工一起完成的，下雨時島上的老人們怕孩子們寂寞，還會到海邊幫他們撐傘、跟他們說話，因此林舜龍還舉辦了海葬祭典以安慰當地居民。

有些作品則可以讓民眾實際接觸，如《山洞：類生態光學冥想屋》放置於人行道的大樹下，讓觀者思考未來的生活可能不再是一個定點，而是安定、微小、寧靜，並分散於各地角落的空間碎片。

 作品體驗 Immersive Space 

曾志偉（1973-）、春池玻璃／山洞：類生態光學冥想屋／2016年／回收玻璃
260×270×260公分／忠泰美術館「Home 2025：想家計畫」展覽（見下頁圖）
面對資訊爆炸的焦慮與便利交通帶來的世界流動，家不再僅是個人化固定地點，或許「能為需要的人帶來安定與療癒的所在」便是家的定義。觀眾可以坐在作品裡，體驗這個「未來之家」的概念。

又或是曾在此地發生災難氣爆的地點，透過藝術裝置紀念事件，以場所的意義代表氣爆事件在此終結，歷史的錯誤在此反轉，悲痛的力量逐漸轉換成新的契機與希望，並傳遞民眾對「居住安全」的渴望之聲。

 歷史現場 Historical Scene 

顏名宏（1964-）及黃明威建築師事務所／記憶的漣漪／2018年／高雄市 五權國小校地
（見下頁圖）
在作品中可看到災難現場的相關物件，如扭曲的氣體輸送管和引起爆炸的轉接閥等，透過人和環境共同參與藝術裝置，重新經驗對高雄的81氣爆路線節點的回溯，紀念受災的空間意象，提供市民與人們一個行走穿越、尋找對話互動的「劇場式」平臺。

從差異來到尊重——食物文化的故事

當代藝術的創作相當多元，不一定所有的作品都須與社會脈動有關。有些藝術家會透過內省自我，或透過作品引導觀眾觀察從小生長的土地，將眼光往外擴大，試著與世界接軌，感受我們與世界的差異，同時也尊重不同的族群，了解別人的文化、同理他人的行為，不要讓自己的無知傷害了社會的和諧。

回憶的味道：香料工作坊與食譜改造計畫

藝術家程仁珮（1983-）帶領大家回憶自身背景，以符號學的角度思考記憶中的味道。用各式不同氣味的辛香料來記錄自己的故事，結合季節食材，調製出獨一無二的個人專屬配方調味料，並分享食物攝影技巧與創意設計擺盤，帶領大家擺設自製的調味料和故事織品，拍下值得紀念的時刻。從串聯記憶的手作中，學習烹調和攝影的撇步，用照片與美味菜餚，共同分享、品嘗彼此的珍貴故事。

程仁珮的作品形式多以「參與式藝術」進行，從「生態環境」與「人文議題」兩種面向來探討「飲食文化」。她在臺灣各地採訪6位不同國籍嫁入臺灣的女性，以她們移居臺灣後的日常飲食習慣與口味為素材，收集每對異國婚姻的餐桌風景，觀察不同文化背景的人們共同生活時飲食差異的狀態，進而設計出6道受訪者融合原生地與移居地風味的新菜色。

程仁珮／「食譜演化運動」系列
2017年起／攝影 文件 行動裝置／尺寸依空間而定／臺北 忠泰美術館展出
除了展出6道菜的攝影作品外，還搭配了受訪內容文字描述。

由於時代不斷更迭變動，連藝術創作的走向也會跟著影響。在強調創意思考的今天，藝術正是改變慣性思維的最佳媒介，開展創意的想法，延伸想像的空間，養成對事物深刻的反省與觀察。

讓我們來整合前述的章節，練習觀察作品是如何產生的。以程仁珮的「食譜演化運動」系列作品為例，透過食譜組合，強調人文演化，察覺多元民族在飲食合併中漸變的程序，重新定義文化碰撞中食物組合的新姿態。
 

創作活動
多元文化．開箱趣——感受各族群文化
美術 x 公民

每個族群都有不同的文化背景，若彼此不了解便容易造成誤會，甚至引發傷及無辜的戰爭。因此我們可以透過藝術創作，一起了解世界不同族群的文化背景，多一份同理，就能少一份衝突。

像是在敘利亞出生的藝術家穆罕默德．哈菲茲（Mohamad Hafez, 1984-）與伊拉克出生的作家阿罕默德．巴德爾（Ahmed Badr, 1998-），共同訪談難民經歷戰爭無情摧殘的故事，以九件裝置在行李箱裡的微立體模型還原故事發生的場景，每一個模型都配有一副耳機，能在觀看作品的同時，聆聽當事人逃難過程的心路歷程。作品傳達了戰爭的無情摧殘，以及難民們不願回首卻永遠揮之不去的記憶。我們來欣賞其中一件——《艾曼與加納・一杯咖啡・敘利亞》。

艾曼與加納・一杯咖啡・敘利亞

2011年，當艾曼與加納目睹敘利亞內戰帶來的破壞時，便感到自己和平的童年時代消失了。一天，他們的祖父告訴他們戰爭已經開始，要立即離家搬到一個家族朋友的家中。

一家人離開房子，並期望幾天後就能回來。艾曼回憶起他的母親在客廳桌上留下了一杯咖啡，他在行事曆中記下了5天後要回到這裡清理，但距離他們離開家和這杯咖啡已經6年了……。在住處被攻擊的6個月後，他們搬到了約旦，並申請了難民身分，於2015年重新安置在美國。
 

《艾曼與加納・一杯咖啡・敘利亞》為「開箱：難民行李」系列中的一件作品，2020年於威斯康辛大學麥迪遜分校人類生態學院展出。

創作方式①多元飲食，家鄉菜！分小組進行

1.創作：每組3至4人，每人查找一道菜。
2.任務：以繪畫與文字介紹臺灣的多國飲食文化。
3.展示：圖文構成的平面繪畫。
4.發表：介紹任務國家的飲食文化特色。

創作方式②多元文化，開箱趣！分小組進行

1.創作：每組5至6人。
2.任務： 以手繪完成一個國家的生活文化物件，可就飲食、服裝、信仰、慶典等不同面向尋找。
3.展示： 各組需製作一個箱子，並將所查找到的物件裝置於箱子當中。
4.發表： 文化開箱並透過作品發表所查找國家之文化特色。